Corana es un dúo bogotano de música alternativa tropical integrado por Julián Samper y Sergio González. El proyecto, fundado en 2022 con su primer lanzamiento: 'La Iguana EP', nace del deseo de fusionar ritmos del caribe con elementos del pop moderno y la música electrónica.
"La intención de nuestra propuesta musical es rendir homenaje a los géneros y los sonidos de Latinoamérica y el Caribe desde un enfoque moderno y fresco", comenta el grupo colombiano.
"A través de nuestras canciones queremos mostrar que el sonido latino tiene el poder de hacernos ver que acá ya tenemos todo lo que necesitamos", agrega la banda con influencias de artistas como Bomba Estéreo, Rawayana, Vicente García y Manu Chao; y géneros como el afrobeat, la cumbia, el zoukous y el son cubano.
'Los Detalles' es lo nuevo de Corana, una canción que habla de ni vencer ni superar el miedo, sino de tenerlo de frente y coquetearle. El sencillo explora una paleta de sonidos como el afrobeat, el pop, el sonido andino y el perifoneo bogotano.
La música de Corana es ideal para escucharla en múltiples momentos del día, por ejemplo: manejando un carro yendo a un paseo con amigos, al atardecer festejando con gente cercana y volviendo de una fiesta, como cura emocional para el guayabo antes de dormir.
"'Los Detalles' es el primer estreno de dos singles que preceden al lanzamiento de un nuevo EP de Corana. Este sencillo busca ser el primer paso para posicionarnos como un dúo bogotano festivalero, referente dentro de su género y la escena", mencionan Julián y Sergio.
El EP (que NO contiene ninguno de estos 2 sencillos) saldrá a finales de este año. De este trabajo saldrán 3 sencillos: uno en junio, uno en agosto, uno en septiembre y en noviembre el EP en su totalidad que, además, contará a través de 7 canciones, una travesía donde el personaje principal encuentra refugio dentro de lo latino.
Corana es una propuesta nueva, fresca y original que pretende llevar al oyente a encontrar un refugio. Es importante que los oyentes latinoamericanos se permitan ver su propia "latinicidad" desde una perspectiva de amor, respeto y admiración hacia sus raíces, pero desde una mirada actual.
Escucha 'Los Detalles' de Corana en tu plataforma musical favorita:
Se presentará este viernes 31 de julio de 2026 a las 21:00 horas el Centro de Espectáculos La Maraka en la Ciudad de México
Los boletos se encuentran disponibles en el Sistema Arema y en las taquillas del inmueble
El cantautor argentino Pablo Ruiz volverá a encontrarse con el público mexicano el próximo viernes 31 de julio en el Centro de Espectáculos La Maraka, en la Ciudad de México, en una velada que promete convertirse en un viaje emocional por las canciones que han acompañado a distintas generaciones del pop latino. El concierto forma parte de la etapa actual de su gira “Siempre Juntos Tour”, con la que el intérprete continúa presentando su más reciente material discográfico titulado Rayo de luz. Los boletos ya se encuentran disponibles a través del Sistema Arema.mx.
A lo largo de más de tres décadas de trayectoria, Pablo Maximiliano Miguel Coronel Vidoz, conocido artísticamente como Pablo Ruiz, ha construido una carrera marcada por la permanencia, la evolución artística y una conexión profunda con su audiencia. Nacido en Buenos Aires el 4 de mayo de 1975, su historia dentro de la música comenzó desde la infancia, cuando formó parte del elenco del programa televisivo Festilindo. Aquella temprana exposición al escenario lo llevó rápidamente a la industria discográfica, debutando como solista en 1987 con el álbum Pablo Ruiz, producido por Rubén Amado.
El impacto fue inmediato. Canciones como “Mi chica ideal” y “Sol de verano” lo convirtieron en una figura emergente del pop latino juvenil de finales de los años ochenta. Poco después, con su segundo álbum Un ángel, temas como “¡Oh mamá! Ella me ha besado” consolidaron su presencia en la radio y en el imaginario musical de toda una generación que creció con su voz como banda sonora de la adolescencia.
Lejos de limitarse al éxito inicial, Ruiz ha atravesado distintas etapas artísticas, adaptándose a los cambios de la industria musical y a la transformación natural de su propia voz y sensibilidad interpretativa. Entre giras, nuevas grabaciones y reinvenciones personales, el artista argentino ha logrado sostener una carrera caracterizada por la constancia y la fidelidad a su esencia pop.
En este contexto aparece Rayo de luz, el disco que da nombre a su actual etapa creativa y que funciona como un puente entre el pasado y el presente. El álbum propone una lectura madura del estilo que lo hizo popular, integrando sonoridades contemporáneas sin perder el tono romántico y emocional que ha definido su identidad musical. Para Ruiz, este trabajo representa una reafirmación artística: una forma de iluminar su propia trayectoria con la perspectiva que otorgan los años.
La presentación del 31 de julio en La Maraka se perfila así como un encuentro cercano entre el artista y su público mexicano, un país que ha acompañado su carrera desde los primeros años de éxito continental. En el escenario, Ruiz interpretará algunos de los temas que lo convirtieron en ícono del pop latino, al tiempo que presentará piezas de Rayo de luz, en un repertorio pensado para dialogar con la memoria colectiva de sus seguidores.
Bajo la producción de EnLive Producciones, el concierto se inscribe en una línea de espectáculos que privilegian la cercanía entre artista y audiencia, recuperando la atmósfera íntima que caracteriza a La Maraka, un recinto que en los últimos años se ha consolidado como uno de los espacios predilectos para conciertos de corte emotivo y generacional en la capital mexicana.
Más que un simple recital, la velada promete convertirse en una celebración de la permanencia artística. Pablo Ruiz llega a México con la serenidad de quien ha sabido atravesar distintas épocas sin perder la esencia que lo convirtió en una figura querida del pop en español. Su regreso confirma que ciertas canciones —aquellas que nacen del sentimiento genuino— continúan encontrando eco con el paso del tiempo.
La cita será el viernes 31 de julio en el Centro de Espectáculos La Maraka, donde el público podrá reencontrarse con una voz que forma parte de la memoria musical latinoamericana. Los boletos se encuentran disponibles a través de Arema.mx
Los Ángeles, CA (marzo de 2026) - La estrella emergente del pop latino Flavia Laos lanza su EP debut, La Rubia Enamorada, un proyecto audaz y dinámico que resalta su versatilidad, musicalidad y talento innegable. Combinando reggaetón, ritmos tropicales e influencias dance-pop, La Rubia Enamorada captura la esencia del sonido y la audacia artística de Flavia, a la vez que lleva a los oyentes a un viaje de amor y empoderamiento. Con los sencillos "Bla Bla Bla", "Enviciados" y "K-Town", junto con dos nuevos temas, el proyecto marca un momento decisivo en su carrera, ofreciendo a los oyentes un vistazo a su evolución musical. La Rubia Enamorada ya está disponible en todas las plataformas de streaming.
Lista de canciones del EP La Rubia Enamorada:
Bla Bla Bla
Enviciados
K-town
Fantasía
Ay Pequeña
La Rubia Enamorada abre con el tema previamente publicado, "Bla Bla Bla", un tema potente que sienta las bases para el tono empoderador del proyecto. La canción aborda temas de independencia y confianza, mientras que la letra resalta su actitud y ambición sin complejos. Musicalmente, "Bla Bla Bla" combina el pop latino con una fusión trepidante de reggaetón y merengue. Abre con el enérgico tema "Bla Bla Bla", y el EP cambia de ritmo con "Enviciados", adoptando un ritmo más lento y una atmósfera soñadora y etérea. Combinando un sonido tropical suave con un toque pop moderno, el tema captura la emoción de una aventura amorosa y la frenética emoción de descubrir nuevas emociones. Mientras el EP continúa explorando temas de nuevos amores y giros inesperados, "K-Town" cambia el ritmo para reflejar la emoción, la aventura y la lujuria que puede surgir de una relación en ciernes. Fusionando reggaetón con elementos dance-pop, manteniendo un tono soñador, la canción eleva el EP con una energía alegre y bailable, resaltando la versatilidad musical de Flavia Laos.
Para cerrar el EP, se presentan "Fantasía" y el tema principal "Ay Pequeña", dos nuevos himnos que encarnan el empoderamiento y la fuerza de seguir adelante. En "Fantasía", Flavia Laos ofrece una interpretación vocal hermosamente suave y onírica que, una vez más, demuestra su alcance y talento. El tema refleja la sensación de cierre a una aventura pasada, ofreciendo un momento introspectivo de reflexión, a la vez que abraza el empoderamiento y mira hacia un futuro mejor. Combinando reggaetón con sutiles ritmos tropicales, "Fantasía" captura tanto la vulnerabilidad emocional como la resiliencia serena, sirviendo como la transición perfecta hacia el tema central del EP.
Al concluir La Rubia Enamorada, el tema central, "Ay Pequeña", cierra el círculo del EP, encarnando la esencia tanto de Flavia Laos como del proyecto. Fusionando tonos tropicales, reggaetón y toques de pop latino, el tema ofrece un final alegre y triunfal que que reflexiona con seguridad sobre una conexión romántica inquebrantable. Directa en su interpretación y segura de su mensaje, la canción encuentra a Flavia dirigiéndose a la ex de su pareja, cerrando con firmeza la puerta a su pasado y afirmando dónde se encuentra ahora su corazón. Irradiando confianza y empoderamiento, "Ay Pequeña" se erige como una oda audaz a Flavia y a sus oyentes.
Flavia Laos es una artista y creadora de contenido peruana que creció en el ojo público, evolucionando de presentadora de televisión y actriz infantil a una artista emergente de pop latino. Descubrió su pasión por la música a los ocho años a través del concurso musical Ven Baila Quinceañera, donde comenzó a ganar gran reconocimiento. Desde entonces, ha ampliado su perfil global con apariciones en Too Hot to Handle (temporadas 4 y 6). Musicalmente, el sonido artístico de Flavia combina pop, cumbia y reggaetón, inspirándose en artistas como Daddy Yankee, Nicky Jam, Ivy Queen y María Becerra. Lo próximo en el horizonte para la estrella en ascenso es su álbum debut La Rubia Peligrosa, mientras comienza a presentar nueva música del proyecto antes de su lanzamiento este verano. Con más de 111.000 oyentes mensuales en Spotify, Flavia Laos apunta a un 2026 exitoso al iniciar un capítulo emocionante en su carrera.
La noche del sábado, el recinto Sala Urbana, en Naucalpan, fue escenario de una de las propuestas más audaces que se hayan escuchado recientemente en la escena iberoamericana: Mariachi Elástico, un concepto que tomó el riesgo de colocar al mariachi en el centro de un diálogo contemporáneo con el rock y el pop latino, y que salió avante con una respuesta entusiasta y sostenida por parte del público.
Desde las siete de la noche, el foro ubicado en Boulevard Toluca 115 comenzó a llenarse de un público diverso, consciente de que no asistiría a un concierto convencional, sino a un ejercicio de reinterpretación sonora. Bajo la producción de Artemisa Music, el encuentro reunió en un mismo escenario a Javiera Mena, Shuarma de Elefantes, Aterciopelados y Majo Aguilar, quienes aceptaron el desafío de revisitar sus repertorios más representativos envueltos en trompetas, violines y arreglos tradicionales, sin perder la esencia que los ha definido a lo largo de sus trayectorias.
El resultado fue un espectáculo que dejó un buen sabor de boca. Lejos de sentirse forzado, el cruce estilístico fluyó con naturalidad, demostrando que el mariachi puede funcionar no sólo como símbolo identitario, sino como una plataforma flexible capaz de absorber nuevas narrativas. Las trompetas dialogaron con guitarras eléctricas y estructuras pop con una cohesión sorprendente, mientras el público respondió con aplausos constantes y una atención que se mantuvo firme durante toda la velada.
La apertura de la noche estuvo a cargo de Javiera Mena. Su perfil musical híbrido —que transita con naturalidad entre el rap, el pop y otros géneros contemporáneos— resultó determinante para consolidar un set dinámico y versátil que se adaptó con inteligencia a la sonoridad del mariachi. Asociada históricamente a la electrónica, su universo artístico se transformó al entrar en contacto con la tradición mexicana, demostrando que el mariachi no es un formato rígido, sino un lenguaje vivo capaz de dialogar con expresiones diversas. El experimento funcionó y marcó el tono de lo que sería una velada de riesgos bien asumidos.
A continuación, Shuarma, voz emblemática de Elefantes, tomó el escenario con interpretaciones cargadas de intensidad emocional. El dramatismo inherente a su repertorio encontró en el mariachi un aliado expresivo que amplificó la carga narrativa de sus letras. Cada intervención fue recibida con una mezcla de sorpresa y entusiasmo, consolidando la conexión con el público.
Enseguida llegó uno de los momentos más significativos con la participación de Aterciopelados. La agrupación colombiana trasladó su habitual discurso crítico y experimental al terreno del mariachi con una solvencia que confirmó su capacidad histórica para cruzar tradición y modernidad. Sus canciones, ya instaladas en la memoria colectiva del rock latinoamericano, adquirieron una dimensión distinta al ser arropadas por la instrumentación mexicana, provocando ovaciones prolongadas.
El gran cierre de la noche quedó en manos de Majo Aguilar, quien aportó un equilibrio natural entre tradición y modernidad. Su formación y timbre dialogaron con soltura con la instrumentación, pero el verdadero acierto estuvo en asumir el reto de reinterpretar repertorios ajenos desde una sensibilidad actual. Su presentación culminó la velada con una energía ascendente y una respuesta entusiasta que confirmó el éxito del formato.
Detrás de esta apuesta estética se encuentra el genio creativo de Artemisa, cuyo compromiso con la innovación volvió a hacerse evidente. La productora no solamente concibió un formato arriesgado, sino que lo ejecutó con precisión curatorial y solvencia técnica, demostrando con hechos su capacidad para generar experiencias que apasionan al público y emocionan a las audiencias. Con cada proyecto, Artemisa consolida su posición como una de las entidades artísticas que más destacan por su ingenio y por su visión de llevar el espectáculo a otro nivel, apostando por el cruce cultural y la reinvención como motores de crecimiento.
Mariachi Elástico no fue un tributo ni un ejercicio nostálgico. Fue, ante todo, una declaración artística sobre la vigencia del mariachi en el siglo XXI y su capacidad para integrarse a lenguajes que, en apariencia, le son ajenos. La respuesta del público —atento, participativo y generoso en aplausos— confirmó que existe un interés real por experiencias que rompen esquemas sin sacrificar calidad.
Con una convocatoria que logró reunir a distintas generaciones y nacionalidades en un mismo espacio, la velada dejó la impresión de que esta fórmula tiene margen para crecer y consolidarse como un referente en el calendario musical. En Sala Urbana, el mariachi se estiró, se adaptó y, sobre todo, demostró que sigue siendo un eje cultural capaz de dialogar con el presente.
A.B. Quintanilla III se presenta el próximo jueves 9 de abril en el Centro de Espectáculos La Maraka en la CDMX a partir de las nueve de la noche
Boletos a la venta en el Sistema Arema.mx y en taquillas del inmueble
Con una trayectoria que ha marcado el pulso de la música latina durante más de tres décadas, A.B. Quintanilla III continúa demostrando que su nombre no pertenece al pasado, sino a un presente creativo en permanente movimiento. Productor, compositor, bajista, arquitecto sonoro y visionario del espectáculo, Quintanilla ha sabido transformar la cumbia, el pop latino y la música regional en un lenguaje universal que conecta generaciones, territorios y emociones. A.B. Quintanilla III se presenta el próximo jueves 9 de abril en el Centro de Espectáculos La Maraka en la CDMX a partir de las nueve de la noche, ahora con un formato denominado como Son’s of Cumbia, donde retoma su esencia creativa y la proyecta hacia nuevas audiencias. Boletos a la venta en el Sistema Arema.mx y en taquillas del inmueble.
En los últimos años, Quintanilla ha reafirmado su vigencia con proyectos como Son’s of Cumbia, donde retoma su esencia creativa y la proyecta hacia nuevas audiencias, manteniendo intacta la energía, el ritmo y la conexión emocional que siempre han definido su trabajo. Lejos de repetirse, el músico ha optado por reinventarse sin renunciar a su identidad.
Desde sus primeros pasos junto a su hermana, la inolvidable Selena Quintanilla-Pérez, hasta la consolidación de proyectos emblemáticos como Kumbia Kings, A.B. ha sido mucho más que un acompañante musical: ha sido el estratega detrás del éxito, el compositor detrás del himno, el productor detrás del fenómeno. Su capacidad para leer el pulso del público y traducirlo en canciones memorables lo convirtió en una figura central de la música latina contemporánea.
Temas como “Azúcar”, “Fuiste mala”, “Boom Boom” y decenas de composiciones más no solamente dominaron listas de popularidad, sino que se integraron a la vida cotidiana del público, a fiestas, celebraciones y memorias compartidas. Ese legado no se construyó desde la casualidad, sino desde una disciplina creativa constante, una intuición artística privilegiada y una comprensión profunda de la cultura popular.
Esa historia viva llegará a la Ciudad de México el próximo jueves 9 de abril, cuando A.B. Quintanilla se presente en el Centro de Espectáculos La Maraka, uno de los recintos más representativos para la música en vivo en la capital. El concierto promete ser un recorrido emocional por las distintas etapas de su carrera: desde los clásicos que marcaron época hasta las propuestas más recientes que mantienen su sonido vigente.
El encuentro no será únicamente un espectáculo musical, sino una celebración del oficio, del talento sostenido en el tiempo y de una carrera construida con coherencia, trabajo y visión. Ver a A.B. Quintanilla en vivo es presenciar a un creador que entiende el escenario como un espacio de diálogo con su público, donde cada canción se convierte en un puente entre recuerdos y presente.
Los boletos para esta presentación se encuentran disponibles a través del sistema Arema.mx, facilitando el acceso a una noche que reúne historia, ritmo y cercanía con uno de los nombres más influyentes de la música latina.
La producción del evento corre a cargo de En Live Production, promotora que ha consolidado su prestigio en el mercado nacional gracias a una política constante de calidad, profesionalismo y respeto por el público. A lo largo de los años, En Live Production ha construido una relación de confianza con los asistentes, quienes reconocen en su sello una garantía de organización, sonido, logística y experiencia integral.
Ese respaldo se traduce en eventos cuidados en cada detalle, donde el artista y el espectador encuentran un espacio digno para vivir la música en plenitud. En este contexto, la presentación de A.B. Quintanilla en La Maraka se inscribe dentro de una línea de espectáculos que priorizan la excelencia y la experiencia emocional del público.
El próximo 9 de abril será, así, una oportunidad única para reencontrarse con una figura esencial de la música latina, para cantar, bailar y recordar, pero también para constatar que el talento auténtico no envejece: se transforma, se adapta y sigue convocando multitudes.
A.B. Quintanilla regresa a la capital con su historia, su legado y su energía intacta. La invitación está abierta para quienes desean ser parte de una noche donde la música no sólo se escucha, sino que se vive. Boletos a la venta en el Sistema Arema.mx y en taquillas del inmueble.
Cristian Castro se presentará los días 10 y 11 de marzo de 2026, con funciones programadas a las 8:30 de la noche, como parte de su gira “Desde el Corazón Tour 2026”
La venta general de boletos será a través de la boletera E-Ticket
El Auditorio Nacional se prepara para recibir nuevamente a Cristian Castro, una de las voces más emblemáticas del pop en español, en un regreso que promete ser tan emotivo como memorable. El intérprete se presentará los días 10 y 11 de marzo de 2026, con funciones programadas a las 8:30 de la noche, como parte de su gira “Desde el Corazón Tour 2026”, un proyecto que apuesta por la cercanía emocional y el reencuentro profundo con su público. La venta general de boletos será a través de la boletera E-Ticket.
Estas dos fechas marcan un momento clave dentro de la agenda musical del próximo año, no solamente por la relevancia del recinto, sino por el peso simbólico que tiene el Auditorio Nacional en la trayectoria de Cristian Castro. La venta general de boletos dio inicio el día jueves 15 de enero a las 11:00 de la mañana, a través de la boletera E-Ticket, así como en las taquillas del inmueble, anticipando una alta demanda para dos noches que apuntan a convertirse en celebraciones colectivas de la memoria y la emoción.
Hablar de Cristian Castro implica recorrer una de las carreras más sólidas y reconocibles del pop latino. Su voz, inconfundible desde sus primeros años, ha sabido transitar con naturalidad entre la balada intensa, el romanticismo clásico y las emociones más vulnerables. A lo largo de más de tres décadas, ha construido un repertorio que no sólo suma éxitos, sino que ha acompañado historias personales, despedidas, reencuentros y momentos clave en la vida de millones de personas, consolidándolo como un intérprete que canta desde la honestidad y la entraña.
La relación de Cristian Castro con el público mexicano ocupa un lugar central en su historia artística. México ha sido mucho más que una plaza importante: ha sido un territorio emocional donde sus canciones encontraron arraigo y permanencia. Su regreso al Auditorio Nacional se entiende así como algo más que un concierto; se trata de un reencuentro entre un artista y una audiencia que ha crecido junto a su música y que reconoce en su voz una expresión generacional.
La gira Desde el Corazón Tour 2026 se concibe como una celebración consciente de ese recorrido. El espectáculo privilegia una narrativa íntima, donde cada canción funciona como un puente entre el pasado y el presente, entre la nostalgia y la vigencia. La producción apuesta por la elegancia, el cuidado sonoro y la fuerza interpretativa, permitiendo que las canciones respiren y recuperen su intensidad original, con la voz de Cristian Castro como eje central de la experiencia.
En un contexto donde muchas trayectorias se miden por tendencias pasajeras, Cristian Castro reafirma su relevancia desde la permanencia emocional. Su capacidad para conmover, sostener interpretaciones profundas y dialogar con distintas generaciones lo mantiene como una figura indispensable del pop en español. Estas dos presentaciones no unicamente revisitan su historia musical, sino que confirman la vigencia de una obra que sigue resonando con fuerza.
Los días 10 y 11 de marzo de 2026, el Auditorio Nacional será escenario de dos noches destinadas a la memoria colectiva, donde la voz de Cristian Castro volverá a llenar el recinto con canciones que siguen latiendo en el imaginario del público. Con boletos disponibles a partir del 15 de enero a través de E-Ticket y en taquillas, el regreso queda formalmente anunciado como la reafirmación de una carrera que continúa cantando, con plenitud, desde el corazón. La venta general de boletos será a través de la boletera E-Ticket.
La noche del pop latino se ilumina con un brillo distinto. Surge en el horizonte musical un nuevo nombre, un eco delicado y contundente al mismo tiempo: Crystal, un grupo femenino que se presenta con la certeza de estar hecho “del mismo material del que se tejen los sueños”. Con esa frase como estandarte, las jóvenes artistas entregan su nueva canción “Promesa”, un sencillo que no sólo abre un camino, sino que inaugura un universo sonoro cargado de frescura, ternura y elegancia.
El pop en español, siempre en movimiento, siempre en búsqueda de nuevas voces, recibe en Crystal una propuesta que se planta con firmeza en la modernidad. Las integrantes se presentan como portadoras de un mensaje claro: cantar, bailar y emocionar desde la pasión juvenil, desde la coreografía vibrante que se acompaña de la voz como herramienta de seducción y complicidad. Su carta de presentación ya había comenzado con “Fénix”, pero es en “Promesa” donde el grupo perfila con mayor claridad la esencia de su identidad: un pop que sueña y que invita a soñar.
Hay en su música un pulso que combina lo etéreo y lo terrenal. “Promesa” no es sólo un título, es una declaración: la promesa de un camino nuevo, de un destino compartido entre el escenario y el público, entre las luces y los cuerpos que se dejan llevar por la melodía. Crystal no pretende imitar, sino renovar, ofrecer al pop un resplandor que conecte con las generaciones que buscan nuevas narrativas. Se trata de un grupo femenino que entiende la importancia de lo visual y lo performático, sin olvidar que en el centro está siempre la emoción.
Las integrantes de Crystal saben que la música pop es también un espejo de aspiraciones y sentimientos colectivos. Su estilo, juvenil y moderno, busca atrapar a quienes se reconocen en la sensibilidad de la ternura y en la fuerza de la pasión. En “Promesa” resuenan esos matices: la dulzura de la esperanza, la intensidad del anhelo, la certeza de que cada nota puede convertirse en un puente hacia el corazón de sus oyentes.
En tiempos donde la industria musical exige autenticidad, Crystal aparece con una estética clara y una narrativa sólida. Sus coreografías, diseñadas para vibrar al ritmo del pop actual, complementan una propuesta sonora que se desliza entre lo íntimo y lo espectacular. Como ellas mismas afirman en su manifiesto artístico: “Somos del mismo material del que se tejen los sueños. Somos Crystal”. Y esa convicción las impulsa a presentarse no solo como un grupo musical, sino como un símbolo de lo que significa creer en el poder transformador de la música.
El lanzamiento de “Promesa” marca, sin duda, el inicio de una nueva etapa para el pop en español. Es un sencillo que se perfila como estandarte de una agrupación dispuesta a trascender modas, a conquistar escenarios con la pureza de su nombre y la fuerza de su propuesta. Crystal no llega como un reflejo pasajero, sino como un diamante en formación, con la firme intención de consolidarse en la memoria colectiva de quienes escuchan, bailan y sueñan con la música.
La historia apenas comienza, pero ya tiene la luz de algo inevitable: Crystal se perfila como el nuevo rostro del pop femenino en español, con “Promesa” como llave que abre el futuro, como canción que se queda, como resplandor que no se extingue.
Javi Carabalí lanza el videoclip de 'Ella Es Única' y anuncia concierto en Bogotá el día 21 de agosto, primera fecha de su gira Latin Sol World Tour.
El artista colombiano-estadounidense Javi Carabalí acaba de lanzar el videoclip oficial de su canción 'Ella es Única' ft. Carly Valencia, un tema que mezcla soul latino, afrobeats y una narrativa íntima sobre el amor duradero. El video fue grabado en San Andrés y forma parte de su próximo proyecto discográfico 'Latin Sol', un álbum doble que verá la luz antes de finalizar el año.
Con este lanzamiento, Javi da inicio a una nueva etapa musical y anuncia también la primera fecha de su gira internacional Latin Sol World Tour, que tendrá lugar el día 21 de agosto en Bogotá, en la sala 4.40 Music Hall. En esta noche, compartirá escenario con DJ NickoRooms, DJ Wanlof y los cantantes Milo Bvgatti, Kristhel Cianci y Carly Valencia, en un encuentro donde convergerán sonidos del afrobeat, pop latino y las músicas de raíces caribeñas.
El videoclip, dirigido por Azteka Prod y producido por Capital Latino Music, captura el ambiente y la cultura de San Andrés como telón de fondo para una historia de amor y compromiso. Javi Carabalí, quien además es el autor, compositor, productor e intérprete de todos los instrumentos, afirma:
«'Ella es Única' fue inspirada por la unidad familiar y la bendición del matrimonio. Es una historia de amor eterno entre un hombre y una mujer que declaran delante de Dios su compromiso. Logramos capturar este concepto de una manera muy poética con las letras y las imágenes».
Pop latino urbano, como se ha nombrado el evento, es una apuesta por los cruces musicales y el intercambio cultural, impulsado por JCM Latin, Capital Latino Music y SCF Producciones, que busca fortalecer la escena alternativa desde Colombia hacia otras latitudes.
La ciudad de México, tantas veces envuelta en el bullicio de lo cotidiano, se detuvo por un instante la tarde del martes 17 de junio para entregarse al susurro más íntimo de la música. Fue en el corazón de la PlayHaus by Totalplay, donde el artista Fano se convirtió en protagonista de una experiencia sensorial sin precedentes: un concierto en silencio que, lejos de ser mudo, habló directo al alma de quienes se atrevieron a escuchar de otra manera.
Envueltos en la delicada atmósfera que sólo los Silent Concerts pueden ofrecer —donde la música viaja a través de audífonos inalámbricos y cada nota se transforma en un secreto compartido entre artista y espectador—, los privilegiados asistentes vivieron una experiencia que desdibujó los límites entre lo público y lo íntimo. Fano, con su energía cálida y su autenticidad desbordada, tejió un universo sonoro propio, uno en el que el beat del reguetón se entrelaza con el lirismo caribeño y el pop latino se transforma en confesión melódica.
"Estar aquí, en la PlayHaus, es como entrar al futuro con los pies descalzos. Es una experiencia que me conecta con mi gente de una manera distinta, más directa, más verdadera", compartió el cantante minutos antes de tomar el escenario ante los medios. Y en efecto, lo que sucedió esa tarde no fue un simple recital, sino una comunión poética donde cada canción se transformó en un suspiro colectivo, amplificado por la magia de un entorno pensado para la conexión emocional más profunda.
Temas como Hakuna Matata, La Apuesta, Aquí Estarías y SMACK resonaron con una fuerza nueva, como si hubieran sido escritos para este tipo de encuentro, donde el silencio se vuelve cómplice y la música deja de ser ruido para transformarse en experiencia. "Lo que más me gusta de este formato es que todos estamos en la misma frecuencia, literalmente. No hay teléfonos, no hay distracciones, sólo música y emociones. Es como si nos escucháramos por dentro", dijo Fano al finalizar su presentación, visiblemente conmovido por la respuesta del público.
La curaduría de PlayHaus by Totalplay, siempre a la vanguardia, encontró en Fano a un intérprete ideal: joven, valiente, creativo, dueño de una identidad artística en construcción pero firme, con raíces profundas y alas abiertas. Su inclusión en esta serie de conciertos silenciosos no solamente representa una celebración de su creciente trayectoria, sino también un gesto de compromiso por parte de Totalplay hacia las nuevas generaciones de músicos que están redefiniendo el pulso del entretenimiento en México.
La apuesta de Totalplay por ofrecer un espacio como la PlayHaus, donde el arte se funde con la tecnología para generar experiencias inmersivas y significativas, es una muestra de que el futuro del espectáculo no está únicamente en la grandilocuencia, sino en la capacidad de conmover. En esa visión, Fano se erige como un símbolo de sensibilidad contemporánea, un joven que canta desde el corazón y cuya música, cuando se escucha así —sin ruido, sin filtros, sin distancias—, tiene el poder de abrazar.
Aquel martes 17 de junio, la Ciudad de México fue testigo de una noche suspendida en el tiempo, donde los susurros se hicieron himnos y los oídos se convirtieron en portales al alma. Una noche en la que Totalplay volvió a demostrar que la verdadera innovación se mide por la emoción que deja encendida cuando todo parece haber terminado. Y Fano, con su voz, su calor y su honestidad, fue el guía perfecto en este viaje sonoro que aún resuena, aunque ya no suene.
El día de hoy martes 17 de junio, la ciudad de México vivirá una presentación fuera de lo convencional con la presentación de Fano en el reconocido espacio PlayHaus by Totalplay. En el marco del innovador concepto de los Silent Concerts, el joven artista urbano se suma a una experiencia que ha revolucionado la manera de disfrutar la música en vivo. Bajo una dinámica sensorial en la que el sonido se transmite únicamente a través de audífonos inalámbricos, el espectáculo promete convertirse en una noche íntima, envolvente y completamente distinta a cualquier otro concierto tradicional.
Fano, originario de Cancún, representa a una nueva generación de artistas que han sabido conectar con el público mexicano desde una propuesta musical auténtica, fresca y llena de identidad. Su estilo, que fusiona reguetón, pop latino, dancehall y matices caribeños, se ha consolidado como una voz emergente con fuerte arraigo en plataformas digitales. Con temas como “Hakuna Matata”, “La Apuesta”, “Marbella”, “Aquí Estarías” y “SMACK”, ha logrado posicionarse como una figura con proyección nacional e internacional, gracias a su carisma, su visión de artista integral y su capacidad de innovar desde lo independiente.
La decisión de integrarlo al cartel de los Silent Concerts de PlayHaus by Totalplay no es casual. El formato busca privilegiar el vínculo emocional entre intérprete y audiencia, permitiendo que cada acorde y cada palabra se perciban de manera directa, sin distracciones ni interferencias externas. En esta ocasión, Fano desplegará un show en el que la narrativa de sus canciones y el ritmo de sus producciones cobrarán una nueva dimensión, permitiendo que los asistentes vivan una conexión profunda con su universo artístico. La atmósfera creada por los audífonos, sumada a la ambientación vanguardista de PlayHaus, abrirá paso a una experiencia musical inmersiva donde el sonido se vuelve personal y la música deja de ser un espectáculo colectivo para convertirse en una vivencia única e irrepetible.
El evento también representa una apuesta por nuevas formas de encuentro entre los creadores musicales y sus públicos. Mientras muchas producciones masivas apuestan por la espectacularidad visual y la estridencia, la serie Silent Concert propone un regreso a lo esencial: la música como canal emocional, el escenario como espacio de cercanía y el silencio como parte activa de la interpretación. En este sentido, Fano se presenta como un artista ideal para encabezar esta edición, pues su propuesta contiene un equilibrio perfecto entre lo rítmico y lo lírico, entre el beat contagioso y la introspección.
PlayHaus by Totalplay ha logrado posicionarse como un referente en la innovación del entretenimiento musical en México. La serie de conciertos silenciosos que ha desarrollado a lo largo del año ha generado entusiasmo entre los seguidores de nuevas experiencias culturales, y ha sabido integrar artistas con propuestas distintas, pero coherentes con esta visión. La presencia de Fano en esta plataforma refuerza la apuesta por el talento emergente que no teme a los riesgos creativos y que se atreve a reconfigurar las formas de expresión contemporánea. A su vez, representa una oportunidad para que su comunidad de seguidores disfrute de su música en un entorno que potencia cada matiz y que promueve una escucha activa, emocional y profunda.
La cita con Fano Díaz será el día de hoy martes 17 de junio, en un evento de cupo limitado que seguramente marcará un nuevo hito tanto para el artista como para quienes decidan sumarse a esta aventura sonora. Más allá de un concierto, será un viaje por la sensibilidad de un joven que ha hecho de la música su lenguaje más poderoso. Una noche para escuchar con el cuerpo, sentir con el alma y recordar con emoción.
Se presentará junto a Aranza en la gira "Más cabrona que bonita", el jueves 28 de agosto en el Auditorio Río 70 de Monterrey. Un día después, el viernes 29 de agosto, llegará al Teatro de la Ciudad Raúl Flores en Monclova, Coahuila; el sábado 30 de agosto se presentará en el Teatro Nazas de Torreón, Coahuila, y finalizará el domingo 31 de agosto en el Teatro de la Ciudad Fernando Soler de Saltillo, Coahuila
Los boletos están disponibles en la plataforma NewTicket, excepto para la fecha en Monterrey, cuya venta se realiza a través de Boletia.
La música romántica en español suma una nueva voz poderosa con el lanzamiento del sencillo "Miénteme", de la cantante cubana Sally G, una artista que irrumpe con fuerza en el panorama del pop latino desde una sensibilidad profundamente caribeña, femenina y rebelde. Con este nuevo tema, Sally G no sólo reafirma su talento como intérprete y compositora, sino que también da inicio a una gira por el norte de México en compañía de la reconocida cantante Aranza, dentro del tour titulado "Más cabrona que bonita", el cual promete ser una experiencia emocional intensa y liberadora para el público que busca más que entretenimiento: busca conexión, identidad y verdad.
Sally G, nacida como Sahily María Godoy González, es una artista forjada entre los sonidos de la tradición cubana y los matices contemporáneos del jazz, el bolero, el pop y el son. Formada originalmente como oboísta y flautista, Sally ha recorrido un amplio espectro musical, desde su participación en eventos internacionales como los Juegos Panamericanos de Toronto hasta su colaboración con músicos de talla mundial como Jesús “Aguaje” Ramos de la Orquesta Buena Vista Social Club, Raúl Paz, Jeremy Kahn y la Xalli Big Band. Su propuesta musical escapa a las etiquetas fáciles: es híbrida, honesta, íntima y poderosa, con letras que hablan del deseo, la nostalgia, la resistencia y el amor propio. Radicada en México, Sally G ha encontrado en este país un hogar emocional y artístico donde su voz ha cobrado nuevas resonancias, convirtiéndose en una representante emergente de la música romántica con mirada crítica y estilo propio.
"Miénteme", su más reciente sencillo, es una pieza cargada de emoción y dramatismo que ha capturado la atención de los oyentes por su letra punzante y su interpretación arrebatadora. Con un estribillo que invita tanto a la entrega como al autoanálisis, Sally G canta para quienes se han enamorado sin condiciones, aun sabiendo que el dolor era parte del viaje. La canción no es solo una súplica, sino una afirmación de fuerza: la de una mujer que, incluso rota, decide seguir siendo dueña de su historia. Esta pieza forma parte de su primer álbum de estudio, "Llegué sin permiso", una producción que representa su manifiesto sonoro y que compila temas de alta carga emocional, construidos sobre bases rítmicas que combinan lo tradicional con lo moderno, lo popular con lo académico, lo profundo con lo contagioso.
La gira "Más cabrona que bonita", que comparte con la talentosa Aranza, será la plataforma ideal para que Sally G lleve su propuesta musical a nuevos escenarios y públicos. El tour inicia el jueves 28 de agosto en el emblemático Auditorio Río 70 de Monterrey, donde los boletos ya se encuentran disponibles a través de Boletia. La ruta continúa el viernes 29 en el Teatro de la Ciudad Raúl Flores en Monclova, Coahuila; el sábado 30 en el Teatro Nazas en Torreón; y culmina el domingo 31 de agosto en el Teatro de la Ciudad Fernando Soler, también en Coahuila. Para estas tres últimas fechas, los boletos están a la venta en la plataforma NewTicket.
Más allá del espectáculo, esta gira representa una declaración artística de independencia y sororidad. Sally G y Aranza, cada una con su propio bagaje y esencia, se encuentran en escena para compartir vivencias, historias y voces de mujeres que no se callan, que no se disculpan, y que han aprendido a transformar el dolor en fuerza. La combinación de ambas promete una velada en la que la emoción, la intensidad vocal y la complicidad femenina marcarán cada minuto.
En un panorama musical muchas veces saturado por fórmulas repetidas, Sally G irrumpe con una propuesta fresca, valiente y profundamente humana. "Miénteme" y su disco "Llegué sin permiso" son capítulos de una historia que desafía los moldes, que celebra la libertad creativa y que pone sobre el escenario a una artista que no está dispuesta a pedir permiso para conmover, transformar y, sobre todo, cantar con el alma.
Se presentará junto a Aranza en la gira "Más cabrona que bonita" con las siguientes fechas:
Jueves 28 de agosto en el Auditorio Río 70 de Monterrey
Viernes 29 de agosto en el Teatro de la Ciudad Raúl Flores en Monclova, Coahuila
Sábado 30 de agosto en el Teatro Nazas de Torreón, Coahuila
Domingo 31 de agosto en el Teatro de la Ciudad Fernando Soler de Saltillo, Coahuila
El talento emergente de la música urbana y la bachata, Jon Anthony "BabyBoy", está listo para dejar huella en México con el lanzamiento de su nueva versión del clásico romántico "Ven porque te necesito", originalmente interpretado por la legendaria agrupación Los Temerarios. Con un arreglo moderno y sensual a ritmo de bachata, el artista neoyorquino de raíces dominicanas le imprime su sello personal a esta canción, fusionando la esencia melancólica del tema con el ritmo candente que lo ha posicionado como una de las promesas más sólidas del R&B latino y el pop bachata.
Nacido en las calles de Nueva York, pero con el Caribe en la sangre, Jon Anthony "BabyBoy" ha logrado captar la atención de la industria gracias a su versatilidad vocal y su capacidad para conectar con audiencias multiculturales, ya sea en español o inglés. Respaldado por Carbon Fiber Music, el sello fundado por el fenómeno global Farruko y el productor Frank Miami, y con el apoyo estratégico de Cash Records, el artista se perfila como uno de los nombres más prometedores de la escena latina actual. Su estilo, que mezcla la pasión de la bachata con grooves urbanos y letras cargadas de emociones, lo ha llevado a compartir escenarios con grandes figuras y a ganarse un público fiel que crece día a día.
"Ven porque te necesito" marca un momento clave en su carrera, ya que no sólo rinde tributo a uno de los grupos más influyentes de la música regional mexicana, sino que también demuestra su habilidad para reinventar clásicos con un toque fresco y contemporáneo. La producción, cuidadosamente elaborada, conserva la esencia dramática del original, pero con arreglos de guitarra bailable, percusiones envolventes y una interpretación vocal que transmite amor, nostalgia y deseo. Este lanzamiento llega después del éxito de sencillos como "Si Estoy Aquí" y "Corazón Necio", que ya habían puesto en evidencia su capacidad para crear música que trasciende fronteras y generaciones.
Con una proyección internacional en ascenso, Jon Anthony "BabyBoy" se prepara para consolidar su presencia en México, un mercado clave para la bachata y el pop latino. Su conexión con el público mexicano promete fortalecerse con esta versión, que no solamente atraerá a los amantes de la bachata moderna, sino también a aquellos que guardan un lugar especial en su corazón para los clásicos de Los Temerarios.
Disponible en todas las plataformas digitales, "Ven porque te necesito" es únicamente el inicio de una serie de sorpresas que el artista tiene preparadas para este año, incluyendo colaboraciones con grandes nombres de la música urbana y presentaciones en vivo que pronto se anunciarán. Para mantenerse al tanto de sus próximos movimientos, los fans pueden seguirlo en sus redes sociales y disfrutar de esta nueva joya musical que confirma que Jon Anthony "BabyBoy" no solo llegó para quedarse, sino para dominar las listas de popularidad.
