(vídeo) Discordia presenta 'Dualidad'

• Un disco de rock alternativo lleno de emociones, experiencias y sentimientos

Discordia es una banda de rock alternativo formada en Madrid, Cundinamarca, Colombia, por cinco amigos que desde el colegio le dieron forma a este proyecto de vida que se convirtió en un espacio para compartir la pasión por la música. Discordia busca representar, a través de sus letras, los sentimientos y emociones de quienes la conforman, convirtiéndose a su vez en la voz de las personas que los escuchan. Más que hablar del conflicto que puede existir en una discordia, sus canciones exploran lo que sucede después de ella: las emociones, los aprendizajes y todo lo que puede surgir a partir de una discordia.

La banda fundada en 2013 está integrada en la actualidad por Steven Buitrago en la voz, Julián Lara en la batería, Anderson Tachack en la guitarra, Nicolás Zambrano en la guitarra y Tazz en el bajo.

"A partir del pensamiento y gusto musical de cada uno de nosotros, hemos logrado consolidar una propuesta que sea contundente tanto en el sonido como en lo que quiere expresar en sus letras, logrando una mezcla que reúne diversos públicos en torno a nuestra música", comenta el grupo

'Dualidad' es el nuevo disco de la banda colombiana Discordia, un trabajo que en su primer lado presenta historias que hablan de las luces y las sombras, abordando temas como el desamor, las luchas sociales y las luchas internas que cada uno puede tener en cualquier momento de la vida.

"Buscamos ser cercanos con quien nos escuche, generando así un vínculo a través de nuestra música y de las experiencias que compartimos en nuestras canciones", enfatiza la banda.

'Dualidad', en esencia, se mueve dentro del rock alternativo, con riffs inspirados en una línea más cercana al hardcore, incorporando gritos y otros elementos característicos del género. Sin embargo, también explora sonidos electrónicos que le dan un toque de frescura a su música y a generar canciones con una energía más dinámica.

"Queremos que este lanzamiento marque un nuevo capítulo en nuestro camino, un nuevo comienzo que nos ayude a consolidar la propuesta a partir de un sonido que veníamos buscando desde hace tiempo. 'Dualidad', como disco, es el reflejo de lo que somos como seres humanos: todos tenemos momentos de luz y momentos de sombra", agrega Discordia.

Son muchas las influencias y referencias que inspiraron 'Dualidad' de Discordia. Es un trabajo que se ha construido a lo largo de los años y que también está marcado por la música que escucha cada uno de sus integrantes. En él convergen referencias que van desde Bring Me the Horizon y Turnstile, hasta gustos más personales como Soda Stereo y The Beatles.

"A través de nuestra música queremos expresar esa humanidad que nos caracteriza y con la que muchas personas pueden identificarse, mostrando las diferentes emociones, experiencias y contradicciones que hacen parte de la vida. Asimismo, buscamos explorar sonidos influenciados por los corridos y la música popular, llevándolos a nuestro lenguaje musical y dándoles un enfoque más rockero. Con esto, quisimos crear canciones capaces de conectar con otros públicos, más allá de quienes escuchan rock habitualmente, sin perder la esencia que caracteriza a la banda", mencionan.

"Asimismo, exploramos influencias provenientes de la música popular mexicana, incorporando algunos de sus elementos dentro de nuestro lenguaje musical para crear canciones como 'Dispuesto a Perder'. Todo esto da como resultado un álbum diverso, que reúne diferentes sonidos, experiencias y referencias sin perder la identidad de la banda", complementa Discordia.

'Dualidad' de Discordia presenta en 'Mi sangre', una canción contestaría y contundente; en 'Bajo las llamas', un tema explosivo y enérgico; en 'No es amor', una historia nostálgica y vibrante; en 'Dispuesto a perder', una canción cautivadora y reflexiva; en 'Alma', una melodía eufórica y melancólica; y en 'Vacío', un tema potente y Nostálgico.

"Este lanzamiento representa para nosotros una especie de resurgir de la banda, con el que esperamos generar un impacto en nuevos públicos y reconectar con quienes han estado esperando nueva música durante todo este tiempo. Asimismo, esperamos que este proyecto nos abra las puertas a nuevos escenarios, nuevas oportunidades e incluso a llegar a nuevos países", puntualiza la agrupación colombiana.

La portada de 'Dualidad' de Discordia, y el nombre del álbum en sí, buscan reflejar las diferentes caras o posturas que puede llegar a tener una situación. Las canciones y sus letras expresan distintos sentimientos, desde el amor hasta el desamor. A través de las imágenes y de la portada se busca representar ese sentimiento, a veces difuso, que no siempre brinda claridad y que refleja la dualidad que podemos enfrentar como personas en diferentes momentos y circunstancias de la vida. De esta manera, 'Dualidad' se convierte en una representación de las emociones, los contrastes y las distintas perspectivas que pueden surgir frente a una misma situación.

El disco 'Dualidad' está dividido en dos partes: Lado A y Lado B. Durante el segundo semestre del año, entre septiembre y octubre, Discordia realizará el lanzamiento de esta segunda parte, la cual llegará con más música y nuevas canciones que, al igual que en esta primera entrega, buscan expresar las emociones, experiencias y sentimientos de cada uno de los integrantes de la banda.

Según sus integrantes, "con este segundo capítulo esperamos seguir construyendo el concepto de Dualidad y fortalecer la conexión con quienes encuentran en nuestra música una forma de identificarse y sentirse representados".

"Es importante que las personas conozcan y descubran a Discordia porque somos el reflejo de más de 10 años de amistad, resistencia y evolución. No somos un proyecto de laboratorio, somos cinco amigos que empezamos tocando en el colegio y convertimos la música en nuestro proyecto de vida. Nos encanta romper el molde. Aunque nuestra base es el rock alternativo, en 'Dualidad' van a encontrar riffs pesados del hardcore, toques electrónicos y hasta un experimento con la esencia de los corridos populares. Es un sonido fresco que puede conectar con cualquier persona, escuche rock o no. No nos quedamos sólo en la queja o en el conflicto. Nos gusta explorar lo que pasa después de la tormenta: los aprendizajes, el desamor, las luchas sociales y las batallas internas de cada uno. Nuestro disco habla de eso, de que todos los seres humanos tenemos luces y sombras. Queremos ser la voz de la gente que nos escucha y crear un puente de empatía en todos nuestros oyentes. Estamos listos para demostrar que el rock latinoamericano sigue muy vivo, mutando y con historias reales que contar", concluye la banda colombiana.

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Cielo Rojo estrena 'Las venas de venus'. Un viaje onírico de amor y pasión desenfrenado

Cielo Rojo es una banda colombiana de rock alternativo originaria de Armenia, Quindío, que empezó en 1997 como un grupo de amigos que al terminar la secundaria se reunían para tocar, hacer música y 'ruido', influenciados por el rock anglo y el boom del rock en español de los 90's. En ese momento sin pretensión alguna y sin planearlo fue tomando forma su propuesta, convirtiéndose en un proyecto de vida para sus integrantes. El nombre proviene de los atardeceres quindianos llenos de visos rojos, tonos contrastantes y formas que inspiran, marcando a Carlos Restrepo (Voz & Guitarra), Diego Flórez (Batería, Secuencias y Voces) y Luis Ruiz (Bajo & Coros) a la hora de hacer música.

La propuesta musical de Cielo Rojo busca conectar con el público a través de una mezcla de texturas, intensidad sonora, emociones, y riqueza lírica y rítmica que han caracterizado al rock en general. Melodías que generan recordación, buenos riffs y grooves poderosos. Su enfoque está en crear canciones con identidad que combinan una estética cuidada con mensajes de empatía y recordación.

"Nuestras canciones no buscan imponer un mensaje, sino abrir un espacio en común con el público, las vivencias, la vida, los sueños, amores, utopías y pérdidas. Son una invitación a sentir, a recordar e interpretar desde lo propio. Cada persona puede encontrar un significado distinto, y ahí es donde la música cobra sentido. Hay muchas metáforas en nuestras letras", cuenta la agrupación con influencias de Soda Stereo, Caifanes, U2, Depeche Mode, Héroes del Silencio y Metallica.

'Las venas de venus' es lo nuevo de Cielo Rojo, una canción que hace alusión a la diosa romana del amor, la belleza y la fertilidad. En estos tiempos frenéticos, de hipercomunicación, violencia, divisiones e individualismos, es una invitación para navegar en sus torrentes, en sus venas, dejarse llevar y beber de su fuente como un mecanismo de alivio para la mente, el cuerpo, el alma y el corazón. Visitar el olimpo y por un momento ser dioses, un viaje onírico, elevar la existencia y sentir profundamente. Esta canción abre un nuevo ciclo en la banda después de un largo receso.

'Las venas de venus' contiene elementos rítmicos de rock n roll, el Shuffle y visos de swing (walking bass), sumando guitarras con mucho delay que generan una atmósfera consecuente con la letra, la historia y la melodía. Hay loops, capas de teclados para darle un sonido más actual y batería real grabada, además del trabajo característico a dos voces.

La temática del vídeo gira en torno a la conexión, la transformación y la dualidad entre lo que se siente y lo que se muestra. La historia se centra en una chica que vive entre los extremos de sus emociones: Belleza y maldad, duda y decisión, alegría y tristeza, pasión y apatía, soledad y compañía; encontrando al final del camino su tranquilidad. El papel del cantante es testigo y narrador, la conciencia del personaje.

En cuanto a locaciones, hay espacios naturales y ambientes controlados que permitieran jugar con la luz, las texturas y la atmósfera, reforzando ese contraste entre lo real, los sueños y lo emocional. Algunas calles y parques en Bogotá sirvieron de locación, que ayudaron mucho entre días grises y soleados, también unas fábricas abandonadas en la zona industrial que alquilan para series y videos. La protagonista encarna esa relación desde lo simbólico más que desde lo literal, permitiendo que cada espectador pueda interpretar la historia desde su propia experiencia.

"Esperamos que 'Las venas de venus' nos permita llegar a nuevas audiencias, fortalecer la identidad y posicionarnos dentro de la escena alternativa. Han pasado varios años desde nuestro tercer disco 'Bitácora del Silencio' y aunque estuvimos lejos de los escenarios y los estudios, nunca dejamos de crear ni de pensar en cómo evolucionar nuestro sonido. Este nuevo material es una forma de reencontrarnos con nuestro público, de recordarles quiénes somos y de mostrarles en qué nos hemos convertido. Esperamos recuperar nuestro lugar en la conversación musical, conectar con nuevas generaciones y demostrar que todavía tenemos mucho por decir", enfatiza Cielo Rojo.

"'Las venas de venus' es la síntesis de todo lo que hoy Cielo Rojo tiene por decir. Es pronto para anticipar hacia dónde nos llevará este impulso creativo, pero lo cierto es que ya estamos explorando ideas que podrían convertirse en nuestro cuarto disco o quizás en una serie de sencillos. Eso lo iremos descubriendo sin prisa, dejando que la música y el arte sea la que marque el camino. Lo que sí tenemos claro es que, detrás de cada canción que publiquemos, estará nuestra impronta, nuestra manera de sentir, de narrar y de transformar lo que vivimos. Aún nos quedan muchas historias por contar, y este lanzamiento es apenas el comienzo de esa nueva etapa", puntualiza la agrupación.

Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer a Cielo Rojo en Colombia y Latinoamérica porque sus canciones nacen de historias y vivencias que cualquiera puede reconocer en su propia vida. No hacen música con una fórmula o por moda, sus líricas y melodías buscan mover más que el cuerpo, la cabeza y el corazón. Cielo Rojo es una alternativa distinta, honesta y sin artificios, son herederos de la música las bandas de rock y pop que marcaron las décadas del 80, 90 y primera década del 2000, intentando mantener vivo ese espíritu y reinventando el sonido.

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Gabo Gallego presenta 'Entrópico Distópico'. Una declaración de independencia existencial

Gabo Gallego es un artista colombiano sensible a los relatos de lo humano, de la cotidianidad y los sentimientos complejos del devenir colectivo. Su propuesta está basada en el interés por tratar de traducir la experiencia de lo humano en canciones donde las personas puedan ver representada su vida; experiencia envuelta en una música sensible y conectada desde lo más íntimo e intenso de ritmos como el neo-soul, rock y funk.

El proyecto nació hace unos 3 años, pero la propuesta está asentada en un trabajo de más de 13 años en proyectos previos del oriente antioqueño, como Aikas, una agrupación de rock latino y Pájaro Toh, la primera agrupación de Gabo Gallego como vocalista principal y de la cual se desprenden canciones de su autoría más entrelazadas con el rock alternativo y el grunge. La propuesta musical busca establecer a Gabo Gallego como un artista con una sensibilidad que conecta con las personas, además de un sólido compositor y productor en el medio.

'Entrópico Distópico' es el nuevo disco de Gabo Gallego. Es la declaración de independencia existencial contra la vida vista como un molde prefabricado. El disco habla desde la posición de una persona que aprende a soltar una relación, a preguntarse por el sentido de su vida sin forzar el destino de esta. Las 5 canciones son un viaje individual en el que se plantea la renuncia liviana y placentera, la madurez de aprender a soltar, la fantasía íntima de estar con alguien que no se puede tocar y la despedida de un ciclo de la vida que se acaba para abrir una nueva etapa.

"La intencionalidad del disco busca expresar y contar. La música está profundamente conectada con el afán y la necesidad fundamental de querer decir algo o gritarlo. Por esta razón el álbum posee canciones que cuentan una historia individual, pero que mantienen una coherencia como EP, el tránsito de una vida a la adultez", comenta el artista con influencias de bandas como Diamante Eléctrico, Oh'laville, Los Mesoneros, Allen Stone, Gary Clark Jr., Alabama Shakes, entre otros.

'Entrópico Distópico' es la narración de una vida que parece tender al caos, como el principio físico de la Entropía, que dispersa la energía y esta se va alejando de su punto de origen; pero ese caos es inquietante e imperfecto, justo como una distopía. La vida humana es en sí misma una manifestación de ese caos imperfecto, no en un sentido biológico, sino filosófico y social. Somos el sentido de nuestra realidad autodeterminada, y en esa cotidianidad habitamos con nuestros pequeños problemas gigantes. Este disco traduce 5 eventos cotidianos de esa naturaleza.

"Es un álbum hecho por un artista que tiene mucho por decir y que le canta a la gente, la libertad, el amor, el sentido y la compañía en el tránsito de la vida y sus inconvenientes. Es el primer EP de un año con mucha música por delante y en el que espero conectar con personas que reciban este proyecto con el amor que fue concebido", agrega Gabo Gallego.

El disco 'Entrópico Distópico' tiene desde su conceptualización un sentido sonoro muy claro. Debido a la propia temática de las canciones, la sonoridad tiene inspiración del soul, el R&B y el neo-soul. La fuerza de las distorsiones en las guitarras es un complemento y no un protagonista, la batería y los pianos son los que ocupan mayor relevancia musical en esta propuesta. El ritmo y la letra son los hilos que articulan las canciones, y el sonido de un Soul fresco y casi orquestal.

"Para la creación de este álbum me inspiré en mi propia vida. Recordar el camino hecho en los 20s y la llegada a los 30s con una idea de la vida que no necesariamente está alineada con los objetivos que me puse a principio de mi idea propia de la vida. En ese choque, aprendí a reconocer mis errores, mis desaciertos y también los logros que me permitieron escribir una historia de 10 años en 5 eventos fundamentales que se hicieron canción. El amor, el sentido de la vida y el paso del tiempo", enfatiza Gabo Gallego.

'Entrópico Distópico' de Gabo Gallego presenta en 'Nómada' una canción que habla de final y al mismo tiempo de reinicio, 'Un lugar común' es la contemplación de una historia, 'Sin tocarte la piel' habla de deseo, fantasía y sexo; 'Samba mal hecha' le canta al amor gentil y al baile ingenuo, un buen mal intento. Al final, 'Mixtepec' es una despedida, el cierre de una parte importante de la vida.

Es un disco perfecto para escuchar a la hora de enfrentar una crisis existencial o para un miércoles en la tarde, y tal vez para ponerlo mientras se atraviesa la ciudad en un carro, viendo lluvia a través de la ventana. Es un álbum melancólico, pero con carácter y propone una mirada de la vida abierta a las ambigüedades de la búsqueda del sentido.

'Nómada' es el focus track del disco, una canción que habla sobre dejar una relación, pero a la vez sobre la importancia de soltar las cargas y dejar de pensar en la meta, cualquiera que sea. Es una canción hecha para aprender a dejar de ser. Está pensada para ser escuchada justamente, caminando, gracias a su fuerza cohesiva en el coro, con la distorsión del rock infundado en el núcleo del mensaje, y con caídas un poco melancólicas porque es una exhalación antes de recomenzar.

"Mis expectativas con 'Entrópico Distópico' buscan encontrar oídos que se identifiquen con la música que propongo y que resuene en el alma de las personas. Es un disco bastante personal y quiero que la gente lo sienta de la misma manera. También espero que este álbum se convierta en el anclaje de una carrera longeva en la música y que el público y la industria vean una propuesta sólida, digna de difundir y comercializar. Que sea el inicio de Gabo Gallego como un artista que responde a las necesidades estéticas y artísticas del medio en la actualidad", menciona el músico.

Este 15 de mayo, Gabo Gallego realizará el lanzamiento de su disco con un concierto en vivo en el Teatro Girante, en Marinilla. Un evento que a partir de las 20:00 horas, contará con invitados en una noche hecha para celebrar el comienzo de esta carrera musical. La boletería está disponible en el número +573147372481 y en www.teatrogirante.org

El diseño de la portada busca fijar visualmente la idea de un caos imperfecto. La aparente calma que la fotografía demuestra se rompe con la distorsión del grano y la desaparición de la persona dentro de la foto; un fantasma que se desvanece porque su espacio ya no lo reconoce como propio o porque está en búsqueda de algo más. El elemento dominante es el mueble vacío. En ese mueble hubo alguien que ya no está, y la presencia que se desdibuja es sólo un recuerdo de algo que ya no es.

Durante este 2026, Gabo Gallego relanzará música hecha anteriormente con Pájaro Toh, el proyecto anterior a su carrera solista, pero que cuenta una historia que vale la pena volver a traer a este periodo de la vida. El EP se llamará 'El pulso de los días'. Para finales de año, el artista iniciará la producción de su segundo EP solista cuyo enfoque serán músicas más bailables como el funk, el disco, y los ritmos latinos. Adicionalmente, el músico apunta a dar a conocer el proyecto en el circuito de festivales del oriente antioqueño, así como realizar una gira de lanzamiento de 'Entrópico Distópico' en ciudades como Medellín, Cali y Bogotá.

"Considero que es un proyecto honesto, fresco y versátil que puede conectar con un público diverso que disfruta de música pensada de una manera orgánica desde su producción y que es una alternativa a otros sonidos que dominan la industria, sin reducir su valor; es la otra cara de la moneda. Mientras el mainstream hace lo suyo, Gabo Gallego es un artista con una propuesta asentada en la retrospectiva del valor análogo y artesanal de la música; eso sí, con una calidad sonora del más alto nivel y con música muy intensa que narra la vida de quien la escucha", concluye.

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The Shelter presenta “Flesh”, el primer adelanto de su nuevo álbum producido en Nueva York

La banda mexicana The Shelter continúa consolidando su crecimiento dentro de la escena alternativa internacional con el lanzamiento de “Flesh”, el primer sencillo de lo que será su tercer álbum de estudio, un material grabado en Nueva York bajo la producción de Gus Oberg, reconocido por su trabajo con The Strokes, Moby y Willie Nelson, en colaboración con Johnny T, productor que ha trabajado con Ryan Adams y The Virgins.

Fundada en 2021, The Shelter ha desarrollado una propuesta sonora que combina elementos del post-punk con texturas electrónicas, construyendo un universo musical marcado por atmósferas densas y letras de carácter poético. En pocos años, la agrupación ha logrado posicionarse como una de las propuestas emergentes más interesantes del rock alternativo mexicano, con una trayectoria que ya suma dos LPs y un EP, este último producido por Diego Solórzano, integrante de la banda mexicana Rey Pila.

“Flesh” se presenta como una pieza intensa y visceral. La canción explora el deseo desde una perspectiva inquietante, casi peligrosa, con una narrativa que se mueve entre la intimidad y la obsesión. Musicalmente, el tema evoca una energía nocturna y cruda que remite al Nueva York de los años setenta, una ciudad que históricamente ha sido cuna de movimientos musicales rebeldes y que hoy vuelve a aparecer como telón de fondo en la evolución sonora del grupo.

La historia reciente de The Shelter también está marcada por su relación con figuras clave del ámbito artístico internacional. Entre ellas destaca la mentoría de Arturo Vega, legendario director artístico de Ramones, cuya visión estética influyó de manera significativa en la identidad visual y conceptual de la banda. Ese vínculo creativo ayudó a consolidar una estética que dialoga con la tradición del punk y el rock alternativo, reinterpretada desde una mirada contemporánea.

En paralelo a su trabajo en estudio, el grupo ha desarrollado una actividad constante en escenarios tanto de México como del extranjero. The Shelter ha participado en festivales de gran convocatoria como Pa’l Norte, Tecate Comuna, Hell and Heaven, Treasure Club International, además del New Colossus Festival en Nueva York, espacios que han servido para ampliar su alcance ante audiencias internacionales.

La agrupación también ha tejido vínculos con la escena independiente global a través de colaboraciones y remixes junto a artistas del circuito underground europeo, entre ellos los franceses Koudlam y Sydney Valette, lo que ha reforzado el carácter cosmopolita de su propuesta.

Actualmente, los integrantes de The Shelter dividen su tiempo creativo entre Nueva York y México, una dinámica que ha influido directamente en su sonido y en su proceso de composición. A lo largo de estos años, la banda también ha compartido escenario y giras con agrupaciones como Rey Pila, Serbia, BETA y la banda finlandesa The Rasmus, experiencias que han contribuido a fortalecer su presencia dentro del circuito del rock contemporáneo.

The Shelter está integrada por Elías Gameros en la voz, Mikel de la Bárcena en el bajo e Iñaki Pérez en la batería, músicos que han apostado por construir una identidad artística que se mueve entre la crudeza del post-punk, la estética nocturna del rock neoyorquino y una sensibilidad lírica que explora los rincones más intensos de la emoción humana.

Con “Flesh”, la banda abre una nueva etapa creativa que anticipa un tercer álbum con ambición internacional, reafirmando su intención de expandir su lenguaje musical más allá de las fronteras y consolidarse como una de las propuestas mexicanas con mayor proyección dentro del rock alternativo contemporáneo. 

(vídeo) D' ius Solis regresa con fuerza: Un grito de libertad que sacude el rock alternativo colombiano

La agrupación bogotana de rock alternativo D'ius Solis regresa con fuerza a la escena musical con el lanzamiento de su nuevo sencillo “Donde Puedo Respirar”, una poderosa colaboración junto a Steven Baquero, integrante de la reconocida banda colombiana Apolo 7.

El sencillo esta disponible en todas las plataformas digitales desde el 27 de febrero de 2026, mientras que su videoclip oficial se estreno el 10 de marzo de 2026, marcando un nuevo capítulo en la evolución artística de la banda.

Un himno de catarsis y liberación

“Donde Puedo Respirar” es una descarga emocional que explora la asfixia interna que generan las relaciones desgastantes y los ciclos personales que deben romperse para poder empezar de nuevo.

La canción se mueve dentro de una atmósfera intensa y progresiva que crece hasta llegar a un punto de quiebre marcado por un solo de guitarra magistral interpretado por Steven Baquero, quien aporta su sello característico influenciado por el Swing Metal, dotando al tema de una identidad sonora poderosa y emocional.

La producción estuvo a cargo de EPX Records, consolidando un sonido más crudo, directo y contundente que reafirma la madurez musical de la agrupación.

El renacer de Dius Solis

Tras un periodo de receso dedicado a proyectos personales y laborales, Dius Solis retoma su camino artístico con una visión clara: reconectar con su público a través de una identidad sonora más madura, honesta y potente.

Formada en Bogotá, la banda cuenta con varios años de trayectoria dentro de la escena independiente del rock colombiano, construyendo su propuesta a partir de influencias del rock alternativo, el metal alternativo y el hard rock, elementos que han definido su identidad musical desde sus primeros lanzamientos.

Durante su recorrido, la agrupación ha trabajado en la creación de un repertorio propio que ha evolucionado con el tiempo, consolidando una propuesta que combina intensidad sonora, letras introspectivas y una fuerte carga emocional.

Esta nueva etapa creativa ya venía tomando forma con los sencillos “Atracción” y “Al Límite”, canciones que marcaron el regreso gradual de la banda y que prepararon el camino para un lanzamiento que hoy representa un antes y un después en su trayectoria musical.

Con una serie de presentaciones en vivo programadas para los próximos meses, Dius Solis se proyecta como una de las propuestas emergentes más sólidas del rock alternativo colombiano en 2026, apostando por un sonido auténtico y una conexión directa con el público.

Un videoclip con narrativa cinematográfica

El videoclip oficial, que se estreno el 10 de marzo, refuerza la narrativa de liberación emocional que propone la canción, mostrando una estética más madura, oscura y cinematográfica que acompaña esta nueva etapa artística de la banda.

Fechas de lanzamiento

Lanzamiento en plataformas digitales: 27 de febrero de 2026

Estreno del videoclip oficial: 10 de marzo de 2026

Disponible en Spotify, Apple Music, YouTube, Deezer, Tidal y demás plataformas digitales.

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TrasArder presenta 'Qué pretendes'. Un manifiesto de criterio y libertad mental

TrasArder es una banda de rock alternativo nacida en Medellín que irrumpe en la escena con una propuesta directa, intensa y sin concesiones. Fundado oficialmente en 2024, el proyecto está integrado por Juan Pablo Palacio (voz y guitarra), Mauricio Gutiérrez (bajo) y Juan José Pacheco (batería). Su música combina distorsiones potentes, bases rítmicas sólidas y estructuras de rock moderno con una lírica profundamente introspectiva y confrontacional.

Desde su origen, TrasArder entiende el rock como un canal de catarsis y posicionamiento personal. Su propuesta transforma emociones complejas y vivencias profundas en una descarga de energía sonora que no busca anestesiar, sino incomodar, reflejar y activar. Cada canción funciona como un espejo: un espacio donde conviven la vulnerabilidad y la fuerza, invitando al oyente a enfrentar sus propios conflictos internos y a tomar postura frente a ellos.

'Qué pretendes': Pensar por cuenta propia en un mundo que no lo permite

El sencillo 'Qué pretendes' es un manifiesto de libertad mental. La canción nace de la urgencia de cuestionar lo establecido y recuperar el criterio propio en un mundo que empuja a seguir la corriente, sobre todo por el impulso marcado de la presión social y de la premisa "si no estás conmigo, estás contra mí" y cómo las personas ceden para evitar la tensión y el odio. La letra es una confrontación directa: un llamado a no dejarse manipular, a sostener la propia voz incluso cuando pensar distinto incomoda.

Musicalmente, el tema no se guarda nada. TrasArder entra de golpe en una descarga veloz, frenética y compacta, donde la banda estalla al unísono en un ejercicio de intensidad pura. Es una canción corta, directa y agresiva, concebida como un impacto inmediato: energía cruda diseñada para sacudir al oyente y dejarlo sin aire.

El vídeo: Cuando renuncias a pensar, dejas de ser

El videoclip de 'Qué pretendes' refuerza el mensaje desde una narrativa simbólica clara y perturbadora. A través de la figura de una bruja que hipnotiza a los integrantes de la banda, el vídeo representa la pérdida del control y de la libertad de pensamiento. El entorno seduce, confunde y despoja al individuo de su criterio hasta borrar su identidad. La transformación final de la banda en personajes enmascarados es una metáfora directa: cuando se renuncia a pensar por cuenta propia, se deja de ser uno mismo para convertirse en una pieza funcional dentro del sistema de otro.

'Qué pretendes' forma parte del EP debut homónimo 'TrasArder' (2025), un trabajo que define el ADN del proyecto. El EP equilibra la potencia del rock alternativo con una mirada introspectiva sobre el ciclo de la transformación humana. A lo largo de sus canciones, la banda recorre temas como la autonomía, la nostalgia, la resiliencia y el renacer personal, construyendo un relato donde la crudeza instrumental y la honestidad emocional avanzan de la mano.

TrasArder entra en una etapa de expansión activa. El proyecto avanza con nueva música en desarrollo, un fortalecimiento contundente de su propuesta en vivo y una presencia cada vez más firme en la escena alternativa de Medellín. La banda apunta a ocupar escenarios clave, ampliar su alcance y consolidarse como una de las propuestas emergentes con discurso, identidad y carácter dentro del rock alternativo colombiano.

La música de TrasArder funciona como detonante y refugio. Es para el momento en que necesitas adrenalina para enfrentar un desafío, pero también para la quietud incómoda de una tarde introspectiva. Es para cuando decides dejar algo atrás, cuando necesitas recordar quién eres o cuando buscas que la distorsión de una guitarra silencie el ruido del mundo.

TrasArder apuesta por una sonoridad vanguardista que oxigena el rock alternativo, con distorsiones actuales, ritmos tensos y una narrativa que no esquiva el conflicto. Es una propuesta basada en la autenticidad, que demuestra que el rock en Medellín sigue vivo, mutando y diciendo cosas incómodas cuando es necesario. Conocer a TrasArder es entrar en contacto con un proyecto que no teme experimentar y que utiliza la energía del rock como vehículo para hablar de libertad, criterio propio y resistencia personal.

Sobre TrasArder

TrasArder es una banda de rock alternativo de Medellín, Colombia. Su música se construye desde la fricción entre la potencia sonora y la introspección lírica, abordando temas como la identidad, la autonomía y la resiliencia emocional. El proyecto debutó con su EP homónimo en 2025, material con el que comenzó a posicionarse en la escena local gracias a un discurso claro, una estética intensa y una propuesta en vivo de alto impacto.

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(vídeo) Deer Mx: Resistencia artística en The Bravery of Emptiness

En una era de sobreexposición y productos musicales diseñados para la complacencia, Deer MX decide dar un paso hacia el vacío. La agrupación, consolidada como la única propuesta alternativa mexicana en la escena de Hong Kong, anuncia el lanzamiento de su EP más visceral y conceptual hasta la fecha: The Bravery of Emptiness (La Valentía del Vacío), ya está disponible en plataformas digitales.

Este nuevo material no es sólo una colección de temas, sino el resultado de un "impasse" creativo y una montaña rusa de emociones vivida por Adriana Martínez y Miguel Bastida. En este breve paréntesis, la banda se cuestiona: ¿Y si nos atrevemos a ser auténticos en lugar de ser el ejemplo de un producto musical perfecto?

El concepto: Habitar el vacío como acto de fe

The Bravery of Emptiness nace de experiencias profundas que se traducen en un sonido denso y una actitud firme. Para Deer MX, el vacío no representa ausencia, sino el espacio necesario para que surja un discurso inflexible. Despojadas de la necesidad de encajar, las canciones de este EP sonríen al riesgo; son obras que algunos definen como vanguardistas o conceptuales, pero que la banda describe simplemente como brutalmente honestas.

A través de una evolución sonora que va del trip rock a un industrial de vanguardia, el EP se aleja de la "ilusión complaciente" de la industria para confrontar al oyente con la realidad del sujeto frente a su propia artificialidad.

The Arrogant: Una pieza de la disección social

Como preámbulo a esta entrega total, el sencillo The Arrogant se integra al concepto del EP como una crítica mordaz al ego moderno. A través de un rock alternativo de ritmos complejos, la letra disecciona al personaje del "arrogante"—aquel que se oculta tras títulos de poder, máscaras de influencer o figuras de autoridad.

Inspirados en el proverbio chino “Cara de Buda y alma de escorpión”, la canción funciona como un viaje sonoro de resistencia. Culmina con un mantra que resume la esencia del EP: la fortaleza interna de no ser destruido por la superioridad ajena, celebrando la liberación en una explosión rítmica que encuentra luz al final del espiral de sonidos.

Acerca de Deer MX

Deer MX es la única banda alternativa con origen mexicano en Hong Kong y la primera banda alternativa mexicana en iniciar su carrera en dicha región. Mezclan sonidos industriales, con un poco de trip rock, más la poderosa voz de Adriana Martínez y los sintetizadores de Miguel Bastida.

Estrenaron su primer EP en marzo de 2018 bajo el título de Portraits. Un año después lanzan su primer álbum de estudio, There’s No Future, en 2022 lanzan otro EP, Epilogue; y en 2023 su más reciente EP, Fables Of Humanity And Mother Nature, con un rock duro por sonido, sin dejar de lado sus densas atmósferas.

En 2025 lanzaron Ai, EP que completa una trilogía de singles donde muestran una desbordante preocupación por el uso desmedido de la inteligencia artificial, volviéndose parte habitual en nuestras vidas. Se trata de un EP que aborda de manera conceptual la artificialidad (la máquina), la búsqueda (el sujeto) y la utopía (masificar el pensamiento y homogeneizar a sólo uno).

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