Pixiee Blossom es un proyecto musical que nace en 2020 a partir de la necesidad de Alejandra Burgos de expresar su arte desde un lugar propio. Durante años, le acompañó el nombre de Ale Burgs, pero llegó un momento en el que la cantante panameña buscaba dejar atrás ciertas limitaciones y permitirse construir una identidad artística sin miedo, sin tabúes y con una voz propia. Su propuesta se construye a través de distintas colaboraciones creativas según cada producción.
La intención de Pixiee Blossom es crear música con la que las personas puedan conectar y sentirse identificadas en cada canción. Su música puede acompañar emociones y contar historias desde un lugar honesto y personal. Su visión va más allá de su propio proyecto, aportando al crecimiento del pop en Panamá, abriendo espacio para nuevas voces y referentes femeninas, con el fin de demostrar que desde su país se puede construir una propuesta con identidad propia y llevarla a Latinoamérica.
"Mi propuesta nace de la necesidad de contarle al mundo una parte de mí que durante mucho tiempo tuvo miedo de expresarse: esa voz interior que desde niña llevaba guardando a través de mis canciones, mis letras y mi imaginación. Pixiee Blossom es esa parte de mí que se atreve a hacer posible todo lo que imagina. Es mi faceta como cantante, compositora y actriz, y el espacio donde puedo transformar mis emociones en música, historias e imágenes. No es un personaje completamente separado de quien soy; es una extensión de mí, una versión que se permite ser más libre, explorar otras facetas y mostrar al mundo todo aquello que durante mucho tiempo mantuve guardado", comenta la artista con influencias del pop en español como Natalia Lafourcade, Belinda, Belanova y Julieta Venegas.
"Amor" es el nuevo EP de Pixiee Blossom, un trabajo de cuatro canciones que habla del amor en todas sus etapas, desde el enamoramiento hasta el momento de la despedida. Es un recorrido que comienza con las mariposas y la emoción de enamorarse, pasa por la intensidad de esa etapa, el descubrimiento de una infidelidad y el proceso de volver a encontrarte consigo misma. También habla de aceptar que, aunque exista amor, a veces la otra persona simplemente no te va a elegir, y que también es necesario aprender a soltar. El EP termina en un lugar de aceptación: entender que para seguir adelante hay que perdonar, incluso perdonarse a sí misma. "Amor" es, en esencia, una historia de enamoramiento, dolor, empoderamiento, soltar y volver a elegirte.
"Quiero transmitir que existen muchas maneras de amar y que cada etapa merece ser vivida y disfrutada, incluso aquellas que pueden doler. Cada experiencia nos deja algo, nos transforma y nos ayuda a crecer. "Amor" es una invitación a permitirnos sentir, vivir cada proceso sin miedo y entender que incluso de las historias que no terminan como esperábamos podemos aprender, sanar y seguir adelante", agrega Ale Burgs.
El EP explora los sonidos que marcaron la adolescencia de Pixiee Blossom: el pop de los años 2000 llevado a su propio universo. Es un pop con melodías emocionales y pegajosas, acompañado del toque rock que caracterizaba muchas de las propuestas de esa época.
""Amor" nace de mi propia historia y de las experiencias que me han marcado emocionalmente. Cada canción representa una etapa vivida y quise transformarlas en música, con la intención de que otras personas también puedan verse reflejadas en ellas. Quería recuperar un poco de esa nostalgia y de esa energía, pero reinterpretándola desde mi sonido y desde mi historia", cuenta.
"Amor" de Pixiee Blossom le canta a la alegría y la inocencia en "Smile", al empoderamiento y la fuerza en "Game Over", a la aceptación y a soltar en "Pa' Qué", al aprendizaje y al amor propio en "Perdóname".
"Smile" es el focus track del EP, una canción que representa a la Pixiee Blossom inocente que disfruta la ilusión de estar enamorada. Tiene un sonido pop con una sensibilidad más orgánica, inspirada en artistas como Mon Laferte, pero llevado a su propio sonido. La canción habla de esa etapa en la que todo se siente bonito, emocionante y posible, antes de descubrir lo que viene después.
Según Pixiee Blossom, "Mi expectativa es conectar con una audiencia internacional con un sonido comercial, pero con letras y emociones con las que puedan identificarse las nuevas generaciones y las que crecieron con este tipo de pop. "Amor" tiene el potencial de abrir una conversación sobre el pop panameño y anhelo poner a mi país en el radar de la escena pop latinoamericana".
"Amor" es un EP para escuchar en cualquier momento del día y para cualquier etapa de la vida. Hay una canción para cada emoción: para enamorarse, disfrutar, llorar, soltar o simplemente recordar. La idea es que cada persona encuentre su momento dentro del EP.
La portada del EP busca transmitir esa nostalgia y esencia de los años 2000 que también está presente en el sonido de "Amor". Pixiee Blossom y su equipo buscaron que desde la primera imagen se sintiera ese universo pop con el que una generación creció. Con la dirección creativa de Sara Burgos, quien está detrás de todo el concepto visual de este trabajo, se logró construir esa estética y llevar la nostalgia de los 2000 a la identidad del proyecto.
Pixiee Blossom planea realizar un listening party para compartir con sus seguidores este lanzamiento y disfrutar juntos de esta primera etapa musical. La artista también quiere seguir buscando oportunidades en festivales y eventos para llevar el proyecto a nuevos escenarios y que su propuesta pueda formar parte de lineups en Panamá, pero también en Colombia, Guatemala y América Latina.
"Pixiee Blossom nace para conectar. Quiero que mi música sea ese abrazo sincero que llega cuando lo necesitas, que puedas escucharla en cualquier momento y encontrar en ella una emoción, una historia o una parte de ti. Quiero demostrar que desde Panamá podemos crear pop con identidad, con sonidos que conecten y con historias que puedan viajar mucho más allá de nuestras fronteras. Latinoamérica está llena de talento y nuevas propuestas por descubrir, y quiero que mi propuesta sea una de esas voces que te invite a salir de lo conocido, abrir los oídos y descubrir algo nuevo", concluye.
Sobre Pixiee Blossom
Alejandra Burgos es una Cantante y Compositora panameña-mexicana que cree en el poder de la música para transformar emociones en historias. Su relación con la música comenzó desde los 13 años, cuando empezó a escribir y componer sus propias canciones. Desde entonces ha participado en distintos concursos y proyectos de música y actuación en Panamá, experiencias que han formado parte de su crecimiento artístico.
En 2020 nace Pixiee Blossom, después de varios años creando bajo el nombre de Ale Burgs. Surge de la necesidad de expresarse con libertad, sin miedo ni tabúes, y darle voz a una parte que durante mucho tiempo mantuvo guardada. En 2024 tomó la decisión de llevar este proyecto de manera profesional y dedicarse de lleno a la música, dejando por un momento los escenarios que la habían visto desarrollarse como actriz para enfocarse en construir su camino como artista musical.
Pixiee Blossom es ese espacio donde puede ser completamente ella, transformar sus emociones en canciones y compartir historias desde un lugar honesto. Su propósito es crear música con la que las personas puedan sentirse vistas, comprendidas y libres de sentir.
Olvídense de las playlists ordenaditas donde cada tradición se queda en su carril como si nada.
“La gente nos llama banda de world music, pero eso nunca nos ha hecho sentido", dice el líder de la banda, Mark Marczyk. “Esto no es world music. Es lo que pasa cuando las tradiciones dejan de portarse bien.”
Durante casi veinte años, Lemon Bucket Orkestra (los autodenominados guerrilla-folk-party-punks de Toronto) han hecho música que no reconoce fronteras. No porque las fronteras no existan, sino porque la gente siempre ha encontrado la forma de cantar, bailar, celebrar y sobrevivir a pesar de ellas.
La polifonía de Europa del Este choca con el punk. Las brass bands balcánicas se cruzan con el reggae. Las melodías romaní se encuentran con ritmos latinoamericanos. El teatro se mete en el concierto. El concierto se vuelve una fiesta callejera. Y el público termina siendo parte de la banda.
Más que un género, es una reacción en cadena.
El 22 de julio, Lemon Bucket Orkestra lanza Live in Bogotá, un EP de tres canciones grabado en la Universidad de los Andes durante su gira por Sudamérica este pasado enero. Grabado completamente en vivo, el material captura una sola noche donde todo hizo click: el lugar, la gente, la banda y ese caos hermoso que pasa cuando desconocidos deciden confiar unos en otros.
“Apenas podíamos respirar por la altura” cuenta Marczyk. “Pero cuando la gente empezó a hacer slam, se sintió como una inyección de adrenalina directo al corazón. Nos recordó de inmediato que la gente es el lugar.”
Para Marczyk, eso se volvió casi una filosofía. “No estamos coleccionando destinos, estamos coleccionando comunidades. Las ciudades no te cambian, la gente sí.”
Esa idea atraviesa todo Live in Bogotá. Para Lemon Bucket Orkestra, los lugares no se recuerdan por sus monumentos o sus paisajes, sino por la gente que convirtió un espacio en algo irrepetible.
Y Bogotá hizo exactamente eso.
El EP abre con “Romano Oro”, una contradicción feliz—la respuesta de una banda folk a la música techno. Tradiciones Csángó de Hungría, letras romani balcánicas, metales en modo explosión y una energía colectiva capaz de convertir cualquier teatro en pista de baile. Es una de las versiones en vivo favoritas de la banda, y en las próximas semanas se estrena un vídeo del concierto.
Después viene “Tomu Kosa”, nacido de una decisión completamente impulsiva. Durante la gira por Chile, el trompetista Max Forster compró un charango tradicional sin realmente saber tocarlo. Obviamente, la banda decidió re-arreglar la primera canción que aprendieron juntos—una balada de montaña ucraniana coqueta sobre el amor y el hogar—para un instrumento que nadie dominaba.
A veces la música folk premia más el valor que la técnica.
El EP cierra con “Cuckoo”, tema homónimo de su disco más reciente: polifonía ucraniana, metales serbios, ritmos reggae, humor absurdo y un drop final que pega con la misma fuerza alegre que descubrir chicha colombiana a las dos de la mañana.
Cada canción recuerda lo mismo: Las tradiciones no son piezas de museo.
Están vivas.
Viajan.
Se prestan.
Se roban.
Se enamoran.
Bailan con desconocidos.
Y vuelven transformadas.
Ese espíritu trae de regreso a Lemon Bucket Orkestra a México este octubre, con presentaciones en Festival Cultura UNAM, el legendario Festival Internacional Cervantino, y comunidades entre medio.
Si nunca has visto a Lemon Bucket Orkestra en vivo, no esperes un concierto.
Espera metales en los pasillos.
Espera baile antes de las presentaciones.
Espera a los músicos bajándose del escenario.
Espera gente que no conocías cantando contigo como si fueran de toda la vida.
Porque así es como las tradiciones siguen vivas.
Se portan mal.
Se mueven.
Y le pertenecen a quien esté bailando.
Tracklist:
1- Romano Oro
2- Tomu Kosa
3- Cuckoo
Gira México 2026:
11 de octubre: Ciudad de México, Festival Cultura UNAM 13 de octubre: Pachuca, Feria de San Francisco 14 de octubre: San Miguel de Allende, Taller de danza folclórica eslava 15 de octubre: San Miguel de Allende, El Sindicato 16 de octubre: Guanajuato, Festival Internacional Cervantino
Lemon Bucket Orkestra de Canadá es una banda multicultural nacida del folclore tradicional de Europa del Este, canalizado a través de una actitud punk que la define como una de las más originales y únicas del mundo. Este grupo está galardonado con numerosos premios, ha sido descrito como frenético, carismático y gloriosamente anárquico por el New York Times, The Guardian UK y muchos más.
Después de 16 años, continúan actuando internacionalmente en lugares tan diversos como WOMAD en Inglaterra/Nueva Zelanda, Pohoda en Eslovaquia, Festival D’Été en la ciudad de Quebec y el New Orleans Jazz Fest en Luisiana. Con una mezcla de precisión estimulante y desenfreno total, los conciertos de LBO son una experiencia verdaderamente inmersiva, donde se combinan la pasión y la emoción con los coros del público y la euforia desbordante.
Después de un primer semestre de trabajo intenso en Madrid con productores como Carlos Almazan, Dabruk y Moisés Herrera en donde ha dado rienda suelta a su creatividad, la cantante, compositora y guitarrista colombiana Amparo Sandino, nacida en Bogotá y actualmente radicada en España, sigue construyendo lo que será su nuevo EP 'Sesenta y Tres' y hoy presenta su nuevo sencillo 'Ella'.
'Ella' de Amparo Sandino, compuesta en 2002 en conjunto con el compositor y productor español José Manuel Moles, es una canción con una gran carga emocional que visibiliza la realidad de la violencia de género a través de una historia íntima y desgarradora de supervivencia y esperanza, de una mujer marcada por el miedo y la búsqueda de libertad.
A nivel sonoro, 'Ella' es una canción de pop latino con influencias de flamenco pop y sonidos de contrastes: guitarras acústicas junto a sintetizadores, sobre una percusión que marca la intensidad donde la voz lleva carácter propio.
"Más que una canción, 'Ella' es un homenaje a las víctimas y un llamado a romper el silencio, transformando la música en conciencia social. Es un mensaje claro para recordar que el amor jamás debe confundirse con el sufrimiento. Es una pieza que combina emoción y una narrativa capaz de conectar profundamente con el oyente", comenta Amparo Sandino. "La voz lleva carácter propio — ni grita ni suplica — y eso la hace magnética en cualquier en cualquier momento del día", agrega.
El vídeo no fue construido sólo para acompañar la canción, es una pieza con discurso visual propio. El espejo donde se reflejan las imágenes no sólo representa dolor emocional, también es la memoria de 'Ella', de todo lo que vivió y de todas las señales que nadie quiso ver. Además, hay algo clave en cómo se plantea la violencia: no se enseña de forma explícita, más bien el enfoque simbólico genera más impacto emocional y universal para evitar caer en algo sensacionalista.
"El impacto que espero tener con este lanzamiento es puramente emocional, que quien la escuche se sienta visto, comprendido y fortalecido. Si esta canción logra tocar el corazón de alguien y darle un poco de inspiración o esperanza, habrá cumplido su misión. Quiero mantener mi línea de composición que está muy conectada con mensajes de identidad, resiliencia y experiencias personales. Es un homenaje a todas esas mujeres que han aprendido a levantarse una y otra vez", enfatiza la artista colombiana.
'Ella' hace parte de un EP de 6 canciones, otras dos composiciones propias con el musico cubano Pavel Urquiza, un bossa nova y una canción que forma parte de la identidad colombiana que verá la luz a finales de octubre de 2026.
Sobre Amparo Sandino
Amparo Sandino inició su carrera artística en 1990 con apariciones en radio y televisión. En la década de los 90 colaboró con varias bandas de rock y en 1993 formó parte de La Provincia de Carlos Vives como guitarrista y corista, grabando el disco 'Clásicos de La Provincia' y yendo de gira por Latinoamérica, España y Estados Unidos. Durante un show en Nueva York en el Radio City Music Hall, Mark Kamins (ejecutivo de Elektra/Warner Music) se dio cuenta de su talento y la firmó, convirtiéndose en la primera artista latinoamericana en tener un contrato discográfico con esta casa disquera en la cual publicó varios discos de estudio.
En 1996 publicó su disco debut 'Punto de partida' reuniendo ritmos y estilos de vallenato, merengue, bolero y balada. Contiene dos duetos, con Gipsy Kings ('Báilame') y Benny Ibarra ('Espérame'). Su segundo álbum 'El año del gato' se publicó en 1999 y consta de once temas de vallenato e influencias caribeñas vendiendo más de cien mil ejemplares por canciones como 'Gózate la vida' y 'Camino de corazón'. En el 2000, la artista lanzó su tercer disco 'Así es mi gente' con nuevos remixes de 'Camino del Corazón' y 'Gózate la vida' y contiene un dúo con el grupo español Café Quijano.
En 2003 Amparo Sandino tomó la decisión de retirarse y dedicarse totalmente a su familia hasta 2017 cuando retomó su carrera musical de forma independiente. Durante esta etapa, la cantante ha publicado ocho sencillos: 'Fin de semana' (2017), 'Me liberaré' feat Jerau (2018), 'Rosas y espinas' (2019), 'La tusa' (2019), 'Un poco más de amor' (2020), 'Así como soy' (2021), 'No me lastimes' (2022), 'Primero tú' (2025) y 'Ella' (2026). Durante su estancia en España ha sido bautizada como 'La Reina del Tropipop'.
Escucha 'Ella' de Amparo Sandino en tu plataforma musical favorita:
En una era de sobreexposición y productos musicales diseñados para la complacencia, Deer MX decide dar un paso hacia el vacío. La agrupación, consolidada como la única propuesta alternativa mexicana en la escena de Hong Kong, anuncia el lanzamiento de su EP más visceral y conceptual hasta la fecha: The Bravery of Emptiness (La Valentía del Vacío), ya está disponible en plataformas digitales.
Este nuevo material no es sólo una colección de temas, sino el resultado de un "impasse" creativo y una montaña rusa de emociones vivida por Adriana Martínez y Miguel Bastida. En este breve paréntesis, la banda se cuestiona: ¿Y si nos atrevemos a ser auténticos en lugar de ser el ejemplo de un producto musical perfecto?
El concepto: Habitar el vacío como acto de fe
The Bravery of Emptiness nace de experiencias profundas que se traducen en un sonido denso y una actitud firme. Para Deer MX, el vacío no representa ausencia, sino el espacio necesario para que surja un discurso inflexible. Despojadas de la necesidad de encajar, las canciones de este EP sonríen al riesgo; son obras que algunos definen como vanguardistas o conceptuales, pero que la banda describe simplemente como brutalmente honestas.
A través de una evolución sonora que va del trip rock a un industrial de vanguardia, el EP se aleja de la "ilusión complaciente" de la industria para confrontar al oyente con la realidad del sujeto frente a su propia artificialidad.
The Arrogant: Una pieza de la disección social
Como preámbulo a esta entrega total, el sencillo The Arrogant se integra al concepto del EP como una crítica mordaz al ego moderno. A través de un rock alternativo de ritmos complejos, la letra disecciona al personaje del "arrogante"—aquel que se oculta tras títulos de poder, máscaras de influencer o figuras de autoridad.
Inspirados en el proverbio chino “Cara de Buda y alma de escorpión”, la canción funciona como un viaje sonoro de resistencia. Culmina con un mantra que resume la esencia del EP: la fortaleza interna de no ser destruido por la superioridad ajena, celebrando la liberación en una explosión rítmica que encuentra luz al final del espiral de sonidos.
Acerca de Deer MX
Deer MX es la única banda alternativa con origen mexicano en Hong Kong y la primera banda alternativa mexicana en iniciar su carrera en dicha región. Mezclan sonidos industriales, con un poco de trip rock, más la poderosa voz de Adriana Martínez y los sintetizadores de Miguel Bastida.
Estrenaron su primer EP en marzo de 2018 bajo el título de Portraits. Un año después lanzan su primer álbum de estudio, There’s No Future, en 2022 lanzan otro EP, Epilogue; y en 2023 su más reciente EP, Fables Of Humanity And Mother Nature, con un rock duro por sonido, sin dejar de lado sus densas atmósferas.
En 2025 lanzaron Ai, EP que completa una trilogía de singles donde muestran una desbordante preocupación por el uso desmedido de la inteligencia artificial, volviéndose parte habitual en nuestras vidas. Se trata de un EP que aborda de manera conceptual la artificialidad (la máquina), la búsqueda (el sujeto) y la utopía (masificar el pensamiento y homogeneizar a sólo uno).
En su EP debut, la agrupación bogotana de rock alternativo explora el delirio de la urbe, la crudeza del conflicto armado y reflexiones existenciales.
El camino que trazó ‘Caótica Belleza’, primera canción que presentó No Hay Con Quien, se refleja ahora en su primer EP. Esta producción surge como la respuesta lógica a una trayectoria que comenzó en 2011, cuando la banda buscaba dejar huella en la exigente escena nacional con una propuesta que desafiara los esquemas y consolidara un sello identitario propio.
El vídeo de la canción toma como punto de partida la cotidianidad ruidosa de la ciudad, mostrando la intención de la agrupación: «retratar el amor por Bogotá y hacer una crítica directa a quienes la menosprecian; pero que, aun así, sacan provecho de ella», explican los miembros de la agrupación. Esa mezcla entre afecto y crítica define buena parte del espíritu del EP.
Con ‘Caótica Belleza’, el proyecto conformado por Joel Córdoba (batería), Juan Felipe Daza (bajo), David Mejía (guitarra líder y sintetizadores) y Juan Forero (voz líder y guitarra rítmica) abre el EP ‘No Hay Con Quien’. La producción incluye además otras cinco canciones: ‘Erizos’, ‘Espiral’, ‘Paradigmas’, ‘Tinta & Papel’ y ‘Ángel’.
Inspirada en el mito de la caverna de Platón, ‘Paradigmas’ reflexiona sobre la búsqueda de la verdad desde la alegoría del filósofo griego. Invita a decidir con autonomía, dejando atrás opiniones ajenas y dogmas religiosos o políticos.
Su lírica lo expresa con claridad en versos como: «La salida es romper sin temer las cadenas que nos aprisionan y tomar un rumbo propio». A nivel musical, los acordes eléctricos y los pasajes guiados por sintetizadores acompañan ese tránsito interior entre la oscuridad y la revelación.
Finalmente, ‘Tinta & Papel’ rinde homenaje a las víctimas de la guerra en Colombia. Es una voz que se suma al deseo de construir memoria, una necesidad que ha cobrado fuerza en las últimas décadas del país. Con una lírica en la que la resistencia se convierte en arma contra el olvido, la banda canta sobre la importancia de recordar: «Con la mano en alto yo les gritaré, recordándoles a aquellos que no ven».
«Este EP es una radiografía de lo que somos como generación: hijos de una ciudad contradictoria, de un país que no olvida y de una época que busca sentido», afirma No Hay Con Quien.
Con influencias que transitan entre Muse, Zoé, Telebit y Caifanes, la agrupación apuesta por un sonido que combina la energía del rock alternativo con un enfoque lírico que dialoga con la realidad nacional y las preguntas más íntimas del ser.
Ángela Soracá fue la fotógrafa responsable de la sesión, mientras que Juan Forero estuvo a cargo de la portada. En ambos casos, la banda entiende lo visual como una extensión natural del sonido: «En el contexto del rock, esto sugiere una actitud de rebeldía casual o de anti-estándares», señala.
"No Hay Con Quien’ consolida de esta manera más de una década de búsqueda musical y emocional. En sus canciones hay espacio para la cotidianidad, el amor, la convulsión social y la introspección personal. Cada una es, al mismo tiempo, una declaración artística y una radiografía de la existencia.
En ‘No Hay Con Quien’ conviven la melancolía, la crítica y el impulso vital que solo el rock alternativo puede traducir: «Somos la energía que el Rock nos da en la vida», concluye.