Después de una serie de lanzamientos que han fortalecido su propuesta musical, entre ellos 'Story', 'Pero Tú', 'Voy a Beberme el Mundo' y 'Vivamos en Paz', la agrupación boyacense Ubanda presenta 'La Reversa', una canción que nace desde la nostalgia y se convierte en la banda sonora perfecta para dedicarle a esa persona que, a pesar del tiempo, sigue ocupando un lugar en el corazón.
'La Reversa' es mucho más que una canción de amor. Es esa conversación imaginaria, esa llamada telefónica que muchos quisieran hacer para regresar el tiempo y decir todo aquello que quedó pendiente. Una historia contada desde la honestidad, donde el deseo de recuperar un amor perdido se transforma en melodía.
Con una propuesta de cumbia pop, Ubanda apuesta por una canción capaz de despertar emociones profundas, tocar fibras sensibles y conectar con quienes alguna vez han querido poner la vida "en reversa". Su sonido fresco, combinado con una letra cargada de sentimiento, convierte este lanzamiento en una experiencia cercana, emotiva y fácil de hacer propia.
Para este proyecto, la agrupación invitó a Requilates, un talentoso grupo conformado por cuatro jóvenes artistas, entre los 12 y los 15 años, quienes viajaron hasta Boyacá para sumarse a la producción. Su participación no sólo aporta frescura desde la interpretación vocal, sino también una energía única gracias a su talento para el baile y la puesta en escena, creando una mezcla generacional que enriquece la esencia de la canción.
El vídeo fue grabado en diferentes escenarios del departamento de Boyacá, principalmente entre los municipios de Sogamoso y Duitama, resaltando paisajes y locaciones que acompañan la historia de esta producción audiovisual y fortalecen la identidad de la región como escenario artístico.
Detrás de 'La Reversa' se reunió un equipo de reconocidos talentos. La producción musical estuvo a cargo del maestro Norberto Domínguez, mientras que la composición y autoría de la obra fueron realizadas por Sergio Lizarazo. La interpretación estuvo a cargo de Ubanda y Requilates, quienes unieron sus voces y su talento para dar vida a una canción con un mensaje universal.
Más que un sencillo, 'La Reversa' representa una nueva etapa para Ubanda, una agrupación que continúa consolidando su identidad artística a través de propuestas que combinan letras profundas, sonidos actuales y producciones audiovisuales de alta calidad.
Porque hay sentimientos que nunca desaparecen, 'La Reversa' llega para recordarnos que todos, alguna vez, hemos querido regresar el tiempo. 'La Reversa' no es sólo una canción; es un poema hecho canción.
Escucha 'La Reversa’ de Ubanda y Requilates en tu plataforma musical favorita:
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La distancia entre Puerto Rico y México pareció desaparecer este fin de semana bajo el pulso acelerado del ska. Los Inconformes cumplieron una intensa gira por territorio mexicano con presentaciones en el Tianguis Cultural del Chopo, Toluca y Xochimilco, escenarios donde comprobaron que su música ya no resulta ajena para el público nacional: sus letras fueron coreadas, sus canciones recibidas con entusiasmo y, al terminar cada recital, la petición de un bis confirmó la creciente conexión entre la banda y sus seguidores.
La jornada comenzó el pasado sábado 25 de julio en el Tianguis Cultural del Chopo, uno de los espacios más emblemáticos de la contracultura en la Ciudad de México. Ante un público conocedor y exigente, la agrupación puertorriqueña desplegó una actuación poderosa, sostenida por la velocidad del ska, la rebeldía del punk, la fuerza de los metales y los matices caribeños que han definido su identidad durante más de tres décadas.
Esa misma noche, Los Inconformes trasladaron su energía a Toluca, donde volvieron a encontrarse con una audiencia receptiva que respondió desde los primeros acordes. El recorrido continuó el domingo 26 de julio en Pilares San Luis, en Tulyehualco, Xochimilco, como parte de un encuentro solidario en el que compartieron escenario con agrupaciones mexicanas y refrendaron el espíritu comunitario que históricamente ha acompañado al ska latinoamericano.
En cada una de estas presentaciones, el público mexicano demostró conocer cada vez mejor la propuesta de Los Inconformes. Canciones como “El Final” y “Así no se puede querer” fueron recibidas con especial entusiasmo, resultado del desarrollo artístico y promocional que la banda ha construido en México. Ambos sencillos han encontrado espacio en estaciones de radio mexicanas, plataformas digitales y medios especializados, ampliando el alcance de una agrupación que comienza a establecer una presencia sólida en el país.
El repertorio también incluyó temas como “Señor Ley”, “Ratas” y “Vuelvo de nuevo”, además de otras composiciones representativas de su trayectoria. Entre guitarras ásperas, metales contundentes y coros colectivos, los recitales se convirtieron en una celebración compartida. La respuesta fue tan cálida que, al finalizar cada actuación, los asistentes pidieron más canciones, obligando a la banda a prolongar la descarga musical con el esperado bis.
La acogida confirma que Los Inconformes han comenzado a superar la etapa de presentación ante el público mexicano. La banda ya encuentra seguidores capaces de reconocer sus canciones, acompañar sus letras y responder a una propuesta que combina ska, reggae, punk, rock alternativo, hardcore y ritmos caribeños sin perder una personalidad propia.
“El Final”, su lanzamiento más reciente, ha sido fundamental dentro de este proceso. La canción aborda el momento en que una relación, sostenida únicamente por los recuerdos, debe llegar a su conclusión. Su letra directa y emocional, acompañada por una instrumentación vigorosa, ha permitido que el tema encuentre eco entre nuevos oyentes y fortalezca el camino abierto previamente por “Así no se puede querer”.
Con su paso por el Chopo, Toluca y Xochimilco, Los Inconformes demostraron que su vínculo con México crece concierto tras concierto. La agrupación puertorriqueña avanza con firmeza dentro de la escena nacional y, poco a poco, deja de ser una visita ocasional para convertirse en una presencia reconocible. Cada coro aprendido, cada petición de bis y cada escenario conquistado confirman que su música ha encontrado un nuevo territorio donde echar raíces y seguir demostrando su poder.
La incombustible y legendaria agrupación chilena Los Ángeles Negros se prepara para escribir uno de los capítulos más emotivos, trascendentales y catárticos de su vasta trayectoria con el inminente lanzamiento nacional del sencillo "No Murió Aquella Flor". Este nuevo y desgarrador tema aterrizará oficialmente en la escena musical contemporánea el próximo viernes 31 de julio de 2026 en punto de las 12:00 horas, erigiéndose como un sentido, merecido y monumental homenaje póstumo dedicado a la memoria de Mario Gutiérrez (Q.E.P.D.), fundador y alma absoluta de la institución. Con una imponente estrategia de difusión que garantizará su rotación intensiva en las principales emisoras de todo México y en el ecosistema virtual, esta nostálgica balada celebra y perpetúa un legado que sigue vivo, logrando conectar su laureada historia con las nuevas generaciones a través de una interpretación profunda, plagada de memoria, gratitud y una emoción desbordante.
A lo largo de más de cinco décadas de aplausos ininterrumpidos, la figura de Mario Gutiérrez no sólo fungió como el pilar estructural de la agrupación, sino que se consolidó por mérito propio como el arquitecto de una de las bandas más influyentes de la música en español. Su guitarra patentó ese lamento melancólico, elegante y apasionado que redefinió por completo el género romántico en el continente. La concepción lírica de "No Murió Aquella Flor" logra evocar con maestría los momentos que marcaron la historia de la banda, gracias a la fina pluma del destacado compositor Víctor Manuel HernándezCarrillo. El autor jalisciense logró plasmar en cada uno de sus versos el respeto y el afecto inquebrantable que envuelve a la alineación, transformando el profundo luto en una genuina declaración de amor eterno que trasciende la barrera del tiempo y el espacio.
Para garantizar que la identidad rítmica del ensamble se mantuviera imponente y fiel a sus raíces sonoras, la titánica responsabilidad de los arreglos musicales recayó en los experimentados hombros de Víctor Bonifaz Parra. Como actual tecladista del proyecto, Bonifaz logró arropar la poesía de la letra con esa inconfundible atmósfera oscura y cadenciosa que catapultó al grupo a la cima del éxito mundial en sus años de mayor gloria. A la par, para dar voz, aliento y humanidad a este tributo monumental, la interpretación principal fue encomendada al innegable talento de Emilio Araya, una de las tres sólidas y magistrales voces que actualmente lideran con gallardía el frente de la agrupación. La sobresaliente capacidad interpretativa de Araya transmite con exactitud el peso emocional de esta despedida, honrando con devoción la memoria de su mentor y elevando la composición a la sagrada categoría de un himno inquebrantable para los corazones rotos.
El impacto mediático y sentimental de este esperado lanzamiento encuentra su núcleo estratégico en la agresiva, vasta y contundente penetración diseñada para el espectro radiofónico del territorio mexicano. Reconociendo históricamente a México como el bastión más leal y ferviente de su fanaticada a nivel global, la decisión de que este homenaje suene con una fuerza inusitada en la radio nacional representa un gesto de sincero agradecimiento hacia el público que los ha cobijado por generaciones. Las ondas hertzianas mexicanas se encargarán de llevar el eco incesante de esta balada hasta el último rincón del país, reafirmando una alianza cultural inquebrantable. "No Murió Aquella Flor" rebasa holgadamente la categoría de un simple estreno comercial para convertirse en un solemne acto de comunión masiva; una confirmación rotunda y definitiva de que la música de Los Ángeles Negros y el genio indiscutible de Mario Gutiérrez seguirán floreciendo en el cuadrante, alcanzando la ansiada e inminente inmortalidad.
Kaya Q es una artista colombo-alemana que utiliza la música como un puente hacia el mundo interior. Su proyecto nace de una búsqueda profundamente personal y de la necesidad de transformar las experiencias más difíciles de su vida en historias capaces de conectar con otras personas. Más que escribir canciones, busca crear un espacio donde todos puedan verse reflejados, comprendidos y acompañados.
La propuesta artística de Kaya Q nace del deseo de abrir conversaciones sobre temas que muchas veces permanecen en silencio: la salud mental, la identidad, el trauma generacional, el duelo, el amor propio y la importancia de reconectar con las emociones. En un mundo que constantemente invita a reprimir lo que sentimos, su música propone detenerse, mirar hacia adentro y descubrir que la vulnerabilidad también puede convertirse en una fuente de fortaleza. Musicalmente, fusiona el pop alternativo, el indie pop y las influencias latinas, construyendo un sonido que evoluciona junto con la historia de cada canción. Su formación como actriz de cine influye profundamente en su proceso creativo, llevando una mirada cinematográfica a sus composiciones, videoclips y presentaciones en vivo, donde cada elemento forma parte de un mismo universo narrativo.
'Ciclos' es el viaje más íntimo y honesto de Kaya Q. Es un álbum conceptual inspirado en la década que más la transformó: sus veintes. A través de 14 canciones, recorre un camino de introspección que nace después de años de tocar fondo, romperse en mil pedazos, cuestionarlo todo y volver a encontrarse consigo misma. Más que un álbum, representa el cierre de una etapa transformadora: la despedida, desde el amor, de una versión de sí misma que ya no existe y el comienzo de una nueva, donde finalmente se permite vivir y sentir con autenticidad. A lo largo del disco aborda temas como la depresión, el duelo, el vacío, la niña interior, el trauma generacional, el amor, la identidad, la búsqueda de un hogar, la reconexión con la naturaleza y, finalmente, la liberación. Aunque las historias nacen de experiencias muy personales, el deseo de Kaya siempre fue que cualquier persona pudiera verse reflejada en ellas y recordar que nunca está sola en lo que siente.
'Ciclos' también marca un antes y un después en su carrera. Es el proyecto más honesto que ha creado y en él puso todo su corazón, su alma y todo lo que es como artista y como persona. Durante algunos de los momentos más oscuros de su vida, la música fue el lugar donde encontró refugio y esperanza. Por eso, este álbum es mucho más que un debut: es el recuerdo de todo lo que vivió, de todo lo que sobrevivió y del camino que la llevó a convertirse en la versión más fiel de sí misma.
Al mismo tiempo, 'Ciclos' cierra un ciclo creativo y abre uno nuevo. Después de este proceso, Kaya siente que ha descubierto una nueva profundidad en su mundo interior que apenas comienza a explorar y que será el punto de partida de los próximos capítulos de su proyecto artístico.
"Con 'Ciclos' quiero recordar que está bien sentir y que todas las emociones son válidas e importantes. Vivimos en un mundo que muchas veces nos enseña a reprimir nuestras emociones, cuando en realidad son ellas las que nos ayudan a conocernos, sanar y transformarnos", comenta la artista con influencias de Michael Jackson, Lauryn Hill, Amy Winehouse, Jessie Reyez, H.E.R., Naïka, Juanes, Tini y Humbe, artistas que admira por la honestidad de sus letras, la autenticidad de sus propuestas y su capacidad de conectar emocionalmente con el público.
"Espero aportar a generar más conciencia sobre la salud mental y sobre esas partes oscuras de nuestro mundo interior de las que tan poco hablamos. Ojalá este álbum pueda ser una compañía para quienes están atravesando momentos difíciles, un refugio donde puedan sentirse vistos, comprendidos y menos solos, y un espacio que cree una conexión genuina entre las personas. Creo profundamente que la música tiene el poder de sanar, de unir y de devolvernos un poco de la humanidad que, muchas veces, parece que estamos perdiendo", agrega la colombo-alemana.
Cada canción del disco tiene su propio universo sonoro porque cada etapa del viaje emocional necesitaba un lenguaje distinto. 'Ciclos' mezcla pop alternativo, indie pop, el afrobeat, e influencias latinas, explorando desde baladas íntimas hasta sonidos más orgánicos y rítmicos. Más que seguir un sólo estilo, el disco sigue la historia. Y con eso también evolucionan los sonidos en cada canción.
"La mayor inspiración que tuve para este disco fue mi propia vida, mis experiencias vividas, y la oscuridad en mí. Especialmente la década de mis veintes. Fueron años de mucho aprendizaje, de tocar fondo, sanar, viajar, conectar con personas increíbles y reencontrarme conmigo misma. También me inspiró profundamente la naturaleza, que me enseñó que todo cambia, todo termina y todo vuelve a empezar", puntualiza la artista.
'Ciclos' de Kaya Q evoca en 'Nieve' un sentimiento de frío, 'Fantasma' es una desconexión y un desgaste emocional, 'Vacía' es fragilidad, 'Hay Alguien Ahí' le canta a la oscuridad y la supervivencia, 'Días de Lluvia' es resiliencia y depresión, 'Hogar' habla de nostalgia y esperanza, 'Sin Raíces' es búsqueda y exploración, 'Primer Amor' habla de perdón y una herida de abandono, 'Mi Niña' es reconexión y sanación, 'Te Creí' es rebeldía y empoderamiento, 'Yo Primero' es amor propio, 'Abuela' le canta a las raíces, 'Ciclo Natural' es aceptación y paz, y 'Suelto' habla de ligereza y renacimiento.
'Abuela' es el focus track del disco porque representa uno de los mensajes más profundos del álbum. Es un homenaje a la abuela de Kaya Q, a sus ancestras y a todas las generaciones que vinieron antes de ella. Habla del trauma generacional, del dolor heredado y de la decisión de romper esos ciclos para liberar tanto a quienes estuvieron antes como a quienes vendrán después. Musicalmente es una canción muy orgánica y emocional, inspirada en mis raíces latinoamericanas. El videoclip refleja ese viaje hacia los ancestros y la sanación, mostrando cómo todas las generaciones están conectadas y cómo el amor también puede heredarse.
"Mi mayor deseo es que las personas se sientan acompañadas. Si una sola canción logra que alguien se sienta visto, comprendido o encuentre un poco de esperanza en un momento difícil, ya habrá cumplido su propósito. Más allá de los números, quiero que 'Ciclos' conecte de verdad con las personas. Y que los pueda acompañar a la gente en su viaje interno más personal", enfatiza.
'Ciclos' es un álbum para esos momentos en los que se necesita detenerse y escucharse. Puede ser durante un viaje, una caminata, un atardecer o simplemente cuando la vida invita a mirar hacia adentro. Es un disco para quienes están atravesando un cambio o buscan reconectar consigo mismos. Pero también para quienes quizás nunca se han dado el tiempo de conocerse realmente o de explorar su mundo interior. Y para quienes quieren comprender mejor a alguien cercano que está viviendo un proceso así. Al final, es una invitación a mirar hacia adentro con más empatía, tanto hacia uno mismo como hacia los demás.
La portada del álbum representa el renacimiento. La artista quería mostrar el momento en el que, después de atravesar la oscuridad, el ser humano vuelve a florecer. La naturaleza está presente como símbolo de transformación, recordando que todo en la vida vive sus propios ciclos y que incluso después de las tormentas siempre existe la posibilidad de volver a empezar. Por eso, está representado con colores tierra, y verdes, y blanco; para unir los distintos mundos, de la naturaleza, la vulnerabilidad y el renacimiento.
Este lanzamiento es sólo el comienzo de Kaya Q. Durante el resto del año, la artista seguirá llevando 'Ciclos' a más personas a través de contenido, presentaciones en vivo y, ojalá, algunas versiones acústicas de canciones del álbum. Al mismo tiempo, ya está comenzando a desarrollar la siguiente etapa de su universo artístico.
"Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Kaya porque creo que hoy más que nunca necesitamos artistas que nos recuerden la importancia de sentir. Mi deseo es aportar un mensaje de conexión, empatía y esperanza, demostrando que la vulnerabilidad también puede ser una fortaleza y que la música tiene el poder de unirnos. También me gustaría tender puentes entre culturas y lenguas a través de mi música. Como artista colombo-alemana, quiero representar a quienes crecimos entre dos mundos y demostrar que no tenemos que elegir una sola identidad. Nuestras distintas influencias son una fortaleza y creo que es hermoso abrir más espacio para esas historias y esas mezclas que también forman parte de Latinoamérica", concluye.
Sobre Kaya Q
Desde pequeña, Katharina Quiñones soñaba con estar sobre un escenario, conectar con las personas a través de la música e inspirar un cambio positivo con sus canciones. Paralelamente, descubrió otra de sus pasiones: la actuación. Esa inquietud la llevó a estudiar actuación para cine, con el sueño unir sus dos mundos y construir una propuesta donde la música, la imagen y la narrativa convivieran en un mismo universo. Durante su adolescencia comenzó a escribir poemas y sus primeras canciones. Más adelante empezó a crear con distintos músicos, desarrollando su faceta como compositora en inglés y alemán. Sin embargo, todavía le costaba compartir sus propias canciones más personales que escribía en español. Fue durante la pandemia cuando decidió dar el paso y apostar por su propio proyecto artístico. Así nació Kaya Q, hace siete años, mientras aún vivía en Alemania.
Haber crecido entre los idiomas español, alemán e inglés, y entre distintas culturas marcó profundamente su identidad y su forma de entender el mundo. Esa experiencia le enseñó que, aunque cambien los idiomas y las costumbres, las emociones son universales. Desde entonces, esa convicción se convirtió en uno de los pilares de su proyecto: creer que la música es el lenguaje más universal que existe, capaz de cruzar cualquier frontera y conectar a las personas desde lo humano.
Con el lanzamiento de 'Ciclos'- su álbum debut, esa visión encontró su forma más auténtica. El proyecto dejó de ser únicamente una colección de canciones para convertirse en un universo artístico donde la música, la imagen y la narrativa cuentan una misma historia.
Escucha 'Ciclos' de Kaya Q en tu plataforma musical favorita:
El cantautor español Javi Robles fortalece su presencia en México con el lanzamiento de “Recuerdos de Vietnam”, su nuevo sencillo, publicado el pasado 3 de julio y disponible en Spotify y en las principales plataformas digitales. La canción ha comenzado a abrirse camino entre el público nacional y, como parte de su campaña de promoción, ya se escucha en estaciones de radio mexicanas, confirmando el creciente interés que despierta la propuesta del artista navarro.
“Recuerdos de Vietnam” se adentra en las cicatrices de una relación que alguna vez pareció caminar hacia un futuro compartido, pero que terminó convertida en un territorio de silencios, desencuentros y recuerdos difíciles de abandonar. El sencillo fue publicado bajo el sello de Javi Robles y DDB Music, mientras que su lanzamiento fue anunciado por el propio músico para el 3 de julio. La grabación también aparece acreditada en la campaña del artista a Estudios Aberin.
La canción conserva una de las cualidades más reconocibles del trabajo de Robles: la capacidad de construir historias emocionales con imágenes sencillas, pero profundamente evocadoras. Desde sus primeros versos, el músico sitúa al oyente dentro de una relación marcada por la distancia afectiva, el cansancio y esa extraña convivencia entre el cariño que permanece y la certeza de que algo se ha roto. Frases como “la vida, cuanto más vacía, más te pesa” concentran el espíritu de una composición en la que la nostalgia no aparece como un adorno, sino como el centro mismo del relato.
El título utiliza la expresión popular “Recuerdos de Vietnam” como una metáfora de aquellas experiencias que dejan huellas persistentes y regresan inesperadamente a la memoria. No se refiere de manera literal al conflicto bélico, sino a las pequeñas guerras íntimas que sobreviven dentro de una persona: discusiones, ausencias, rutinas fracturadas y escenas cotidianas que continúan apareciendo mucho después de que una historia ha terminado.
“Recuerdos de Vietnam” representa también un nuevo paso dentro de una etapa especialmente activa para el cantautor, cuya obra reciente incluye sencillos como “Gran Cañón”, “No te pido que perdones a este idiota” y “Después puede que sea tarde”. En todos ellos permanece una línea autoral coherente: canciones que parten de la experiencia personal para hablar de emociones universales, sostenidas por una sensibilidad cercana al folk, el pop de autor y el rock acústico.
México se ha convertido en el territorio de mayor impacto y proyección internacional para Javi Robles. La relación comenzó a consolidarse gracias a “Guerra Mundial”, canción que despertó un vínculo particularmente fuerte con los oyentes mexicanos y le abrió las puertas para presentarse en el país. El propio compositor ha reconocido que ese tema fue el que lo trajo a México y el que mejor conecta con su audiencia nacional, además de destacar la importancia que tienen para él los conciertos cercanos y las salas donde se construyen comunidades alrededor de las canciones.
Su participación en escenarios mexicanos y su encuentro con nuevas audiencias han permitido que su música deje de ser una propuesta distante llegada desde España para convertirse en una voz cada vez más familiar dentro del circuito independiente nacional. El funcionamiento favorable de “Recuerdos de Vietnam”, su incorporación a la programación de emisoras mexicanas (de acuerdo con la información de promoción del lanzamiento) y la conversación que comienza a generar entre los seguidores confirman que México ya no representa solamente una escala dentro de su recorrido, sino el principal nicho de crecimiento para su proyecto. Esta es la canción: https://youtu.be/tDlpJqTO-Zo
En este proceso ha resultado fundamental el trabajo de Artemisa Music, empresa mexicana que ha acompañado el posicionamiento y la difusión de Javi Robles en el país. Su labor ha permitido acercar las canciones del compositor a medios de comunicación, estaciones de radio, espacios culturales y públicos interesados en propuestas con identidad propia. La promotora también respaldó públicamente el estreno e invitó a la audiencia a escuchar “Recuerdos de Vietnam”, como parte de una estrategia sostenida para ampliar su presencia en México.
Más allá de la promoción de un sencillo, Artemisa Music mantiene una apuesta por ofrecer buenos momentos a la audiencia mediante artistas de calidad, canciones honestas y experiencias capaces de generar una conexión duradera. En Javi Robles encontró a un narrador que antepone las letras a las fórmulas comerciales y que entiende la música como una manera de contar aquello que muchas veces resulta difícil expresar en una conversación.
Con “Recuerdos de Vietnam”, Javi Robles reafirma que las historias personales pueden cruzar fronteras cuando están contadas desde la verdad. El sencillo llega desde España, pero encuentra en México su caja de resonancia más poderosa: un público dispuesto a escuchar, reconocerse en cada verso y acompañar a un cantautor que continúa haciendo de la memoria, las pérdidas y las segundas oportunidades la materia prima de sus canciones.
Filmado en “La Tortuga”, un temazcal en Huixquilucan que forma parte fundamental de su proceso de sobriedad, el vídeo captura el profundo significado emocional de una canción que ha acompañado a la banda desde la infancia hasta uno de sus momentos más transformadores
Ciudad de México, México.— Son Rompe Pera comparte una presentación en vivo de El Reencuentro registrada en un espacio profundamente significativo para la agrupación: “La Tortuga”, un temazcal ubicado en Huixquilucan. Más que un escenario, el temazcal representa para la banda un lugar de cuidado, introspección y renacimiento, al que acuden como parte de su proceso de sobriedad y reconstrucción personal.
El vídeo, ahora disponible en YouTube, documenta una interpretación cargada de emoción y simbolismo. En ella, Son Rompe Pera revisita una melodía que marcó sus primeros años y que, con el paso del tiempo, se convirtió en una pieza clave para atravesar momentos difíciles.
El Reencuentro llegó por primera vez a sus vidas cuando eran niños, en los trayectos en autobús rumbo a la escuela, donde aquella pieza original Con el sol en la piel sonaba constantemente en la radio. Aquella melodía quedó grabada en su memoria colectiva desde muy temprano, convirtiéndose en un recuerdo compartido de infancia.
Años después, la canción reapareció en un momento especialmente complejo, cuando la banda atravesaba una etapa de crisis personal. En ese periodo, El Reencuentro dejó de ser sólo una canción conocida y se transformó en una guía emocional: una presencia capaz de acompañarlos cuando todo parecía desmoronarse.
Por ello, elegir el temazcal “La Tortuga” como lugar para filmar esta interpretación no fue casualidad. Para Son Rompe Pera, este espacio sagrado simboliza contención, limpieza espiritual y comunidad. Es un sitio donde la música, la memoria y el proceso de sobriedad se encuentran, dando forma a una pieza audiovisual que habla de resistencia, gratitud y transformación.
La grabación también adquiere un valor especial por la presencia de Marcos Pacheco, el músico que interpretaba la versión que la banda escuchaba de niños. Su participación convierte esta sesión en un verdadero reencuentro: con la canción, con la infancia, con la posibilidad de sanar y con una historia musical que ha acompañado a Son Rompe Pera durante distintas etapas de su vida.
El realizador Vincent Moon acompañó a la banda en este encuentro y documentó la interpretación en vivo, capturando la fuerza ritual del espacio y la intensidad emocional de la canción. El resultado es un testimonio íntimo de cómo la música puede tender puentes entre el pasado y el presente, y convertirse en una herramienta de acompañamiento en procesos de cambio profundo.
“Esta canción nos ha acompañado desde que éramos niños y volvió a aparecer cuando más la necesitábamos. Grabarla en el temazcal, un lugar tan importante para nuestro proceso, fue una forma de honrar todo lo que hemos vivido y agradecer el camino que seguimos recorriendo”, comparte la banda.
Con esta presentación de El Reencuentro, Son Rompe Pera ofrece una mirada honesta a la dimensión humana detrás de su música. El vídeo no sólo presenta una nueva versión de una canción significativa: también celebra el temazcal como un espacio de sanación, vínculo y renacimiento, fundamental en la historia reciente de la agrupación.
Vicent Moon es un director de vídeos musicales, así como productor y director de documentales y cine experimentales.Moon ha dirigido videos musicales para varios artistas, como R.E.M., Tom Jones, Bloc Party, Seasick Steve, Fleet Foxes, The Wombats, dEUS, An Pierle, Bon Iver, Black Lips, Yeasayer, Liars, Arcade Fire.
The Wombats, dEUS, An Pierle, Bon Iver, Black Lips, Yeasayer, Liars, Arcade Fire, O'Death, The Ex, De Kift, Stephen Malkmus, Scout Niblett, Caribou, Vic Chesnutt, Architecture in Helsinki, The National, The Young Gods, The Shins, Andrew Bird, The Kooks, Okkervil River, Xiu Xiu, Sufjan Stevens y Beirut.
Convirtiendo la inteligencia artificial en una experiencia emocional y bailable
Después de una gira global de presentaciones en Tokio, Nueva Delhi, Taiwán, Cartagena y California, la Artista colombiana Carolina Castilla entra en el capítulo más íntimo de su álbum de conciencia sobre inteligencia artificial
Love My Robot, el universo musical de conciencia sobre inteligencia artificial creado por la productora colombiana de música electrónica, TEDx speaker, Inversionista y Fundadora Carolina Castilla, lanza el segundo capítulo de su álbum conceptual 'Sense of Reality: The Human-Machine Interface - Where Minds & Machines Converge'.
Después de 'Capítulo 1: The Dawn of AI — Living in the Shadows of Progress', que presentó el universo del álbum a través de temas como ciudades inteligentes, computación cuántica, humanos sintéticos y ChatGPT, el Capítulo 2 se mueve hacia el interior. Esta nueva etapa explora lo que ocurre cuando la inteligencia artificial deja de ser una tecnología distante y se convierte en un espejo íntimo: aprende nuestros pensamientos, recuerda nuestros patrones, personaliza nuestras realidades y cuestiona lo que significa ser humano.
Para Castilla, este capítulo llega en un momento personal. Después de casi cinco años desarrollando su live act (años de música, visuales, tecnología, errores, miedo, reinvención, trabajo invisible y valentía) Love My Robot entra en una nueva fase como experiencia global de performance.
En los últimos meses, Carolina ha presentado Sense of Reality en escenarios y ecosistemas culturales internacionales, incluyendo DIG Shibuya en Tokio, el marco del India AI Impact Summit en Nueva Delhi, el Asia Fragrance Festival en Taiwán, el encuentro del Festival de Cine de Bogotá en el FICCI en Cartagena, y unSCruz, evento regional de Burning Man en California.
"Esta última etapa ha sido especialmente emocional para mí", dice Carolina Castilla. "Mi live act ha estado casi cinco años en construcción. Después de casi veinte años moviéndome entre tecnología, música, startups, inversionistas, artistas, conferencias e ideas imposibles, estoy entendiendo algo simple y poderoso: este es mi llamado", agrega el cerebro de Love My Robot.
Un álbum sobre IA, pero también sobre responsabilidad humana
Sense of Reality es el segundo álbum conceptual de Love My Robot. Construido como un viaje de tres capítulos y doce canciones, el álbum explora cómo la inteligencia artificial está transformando lo que los humanos ven, creen, compran, sienten y entienden como "real". Su mensaje central es que la IA no es sólo tecnología: es cultura, poder, identidad, memoria y decisión humana.
El proyecto combina música electrónica, videoclips, performance en vivo y colaboradores de distintas partes del mundo para ayudar a las personas a comprender la inteligencia artificial no desde el miedo, sino desde la curiosidad, la emoción, la ética y la imaginación.
"Con Love My Robot usamos arte, música electrónica, videoclips y colaboración global para ayudar a las personas a relacionarse con la inteligencia artificial de otra manera", explica Castilla. "No desde el pánico. No desde el hype. Desde la curiosidad, la emoción, la ética y la imaginación", agrega.
El Capítulo 2 expande el mapa conceptual del álbum entrando en la capa de la interfaz humana: cognición, memoria, personalización y super inteligencia. Si el Capítulo 1 mostró la infraestructura y las sombras del progreso tecnológico, el Capítulo 2 revela la frontera psicológica y emocional donde las mentes y las máquinas empiezan a converger.
Lista de canciones del Capítulo 2
1. Thinking Archetype — Arquitecturas cognitivas, emoción vs. computación
Thinking Archetype abre el capítulo con uno de los conceptos intelectuales centrales de Castilla: la idea de que cada artista, fundador, inversionista, líder y tecnólogo opera desde una arquitectura cognitiva oculta. La canción explora la tensión entre emoción y computación: intuición y lógica, sesgo y reconocimiento de patrones, memoria y toma de decisiones. En el trabajo más amplio de Castilla, los thinking archetypes son planos cognitivos que ayudan a entender cómo las personas procesan realidad, poder, creatividad y riesgo. Musicalmente, el track se convierte en una máquina psicológica: por capas, pulsante, analítica, emocional y profundamente humana. La pregunta que plantea es: ¿Puede la IA modelar cómo pensamos sin entender por qué sentimos?
2. Infinite Context — Memoria, modelos de contexto largo y dilemas de privacidad
Infinite Context explora el sueño y el peligro de las máquinas que nunca olvidan. A medida que los sistemas de IA expanden sus capacidades de memoria y contexto largo, comienzan a retener más de nuestras conversaciones, hábitos, preferencias, procesos creativos, señales emocionales y decisiones. La canción transforma este concepto en un ambiente sonoro hipnótico hecho de repetición, acumulación, ecos, fragmentos y bucles de memoria digital. La pregunta que plantea es: ¿Qué ocurre cuando la conveniencia se convierte en dependencia? ¿Quién es dueño de la memoria de nuestras vidas? ¿Qué deberían poder recordar las máquinas y qué deberíamos poder olvidar los humanos?
3. Personalized AI — El espejo que aprende tu deseo
Personalized AI examina el poder seductor de los sistemas inteligentes diseñados alrededor del individuo. Asistentes de IA, motores de recomendación, interfaces adaptativas, compañeros sintéticos, feeds algorítmicos y herramientas emocionalmente responsivas prometen un mundo hecho “sólo para ti”. Pero la personalización también puede convertirse en manipulación cuando los sistemas aprenden no sólo lo que queremos, sino cómo influir en lo que querremos después. Musicalmente, el track vive entre intimidad y vigilancia, comodidad y control, seducción y autonomía. La pregunta que plantea es: Cuando la tecnología conoce tus preferencias mejor que tú, ¿eres más libre o más programable?
La canción 'Personalized AI' cuenta con un remix en colaboración con Benny Bajo, una de las canciones más importantes para Carolina Castilla en el álbum. Allí, la artista presenta una perspectiva positiva de interacción con la AI, mientras que Benny muestra una perspectiva más apática a través de unos coros de house en la canción.
4. Super Intelligence — El umbral más allá de la escala humana
Super Intelligence cierra el Capítulo 2 desplazándose más allá de la interfaz personal hacia la frontera de la inteligencia misma. La canción confronta la posibilidad de sistemas que superen la capacidad cognitiva humana, no como ciencia ficción, sino como un umbral cultural, político y ético. Para Castilla, la pregunta no es si la inteligencia puede volverse más poderosa, sino si la humanidad puede volverse lo suficientemente consciente para guiarla.
Sense of Reality es un álbum conceptual de tres capítulos sobre cómo la inteligencia artificial está reescribiendo la realidad. El viaje conceptual del álbum se mueve a través de tres capas:
Capítulo 1: The Dawn of AI — Living in the Shadows of Progress: El mundo descubre la IA a través de infraestructura, ciudades, computación, identidad sintética y poder institucional.
Capítulo 2: The Human-Machine Interface — Where Minds & Machines Converge: La IA entra en la capa íntima: cognición, memoria, personalización, emoción y superinteligencia.
Capítulo 3: The Future Unwritten — Autonomy Redefined, Humanity Amplified: El capítulo final explora las consecuencias: autonomía, regulación, cultura, poder y el futuro de la agencia humana.
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Mustela Nivalis es un proyecto musical solista creado por el artista ecuatoriano Said Jhessua Moncayo Pérez y que nace del ímpetu por dar a conocer la música que ha creado desde muy joven. Empezó a componer a los 12 años y, desde entonces, siempre tuvo el deseo de compartir su arte y lograr que otras personas pudieran conectar con él. El proyecto se fundó en 2023 con el propósito de darle identidad y un espacio propio a sus ideas y composiciones.
Desde su creación, Mustela Nivalis ha sido un proyecto solista. Said se encarga de todo el proceso creativo: la composición, la producción musical y la creación de las portadas y la identidad visual que acompaña cada lanzamiento. La intención de su propuesta musical es crear una propuesta que se aleje de lo repetitivo y explore emociones y realidades que muchas veces son difíciles de expresar.
"Busco conectar especialmente con las nuevas generaciones y con aquellas personas que encuentran en la música una forma de sentirse comprendidas. Quiero que quien escuche una canción de Mustela Nivalis pueda encontrar esa sensación de semejanza, casi como escuchar un "yo te entiendo", y al mismo tiempo descubrir una propuesta musical que lo lleve hacia un lugar diferente", comenta el artista con influencias de The Growlers, Soundgarden, Extremoduro y Los Espíritus.
"El mensaje que quiero transmitir es que incluso las emociones más incómodas, oscuras y difíciles de expresar merecen tener un espacio. A través de mis canciones busco generar una sensación de identificación y compañía, una especie de "yo también he sentido esto". No pretendo ofrecer respuestas ni transmitir un optimismo forzado. Mi intención es transformar experiencias como el letargo, la monotonía, las adicciones, la muerte y el dolor en una forma de expresión artística con la que otras personas puedan conectar. Para mí, el arte también debe ser capaz de mirar de frente aquello que incomoda y duele", agrega el proyecto inspirado en sonoridades como el rock alternativo, la psicodelia, el post-punk y otros sonidos experimentales.
'Mors Latens' es lo nuevo de Mustela Nivalis, una canción que nació durante unos días grises de vacío y soledad, las horas pesaban y el artista encontraba pocas cosas en las que hallar consuelo. En uno de esos momentos tomó la guitarra para desahogarse y comenzó a improvisar. Mientras lo hacía apareció una melodía y, de forma casi espontánea, compuso toda la canción y su letra.
La canción habla de esa muerte latente que aparece cuando el ser humano existe, pero siente que algo dentro de él se apaga lentamente. La frase "la ciudad cementerio es ya de almas sin vida" lleva esa sensación más allá de lo personal, retrata un entorno lleno de personas atrapadas en la rutina, presentes físicamente, pero desconectadas de aquello que las hace sentirse vivas. Aborda el vacío existencial y la desconexión emocional, pero también la búsqueda de algo que, aunque sea por un instante, nos haga sentir vivos nuevamente.
A nivel sonoro, 'Mors Latens' es una atmósfera experimental y flotante, combina guitarra acústica y eléctrica, bajo, texturas lo-fi y saturaciones de cinta que dan un carácter cálido pero desgastado. No tiene batería, lo que ayuda a crear esa sensación etérea y melancólica. Tiene reverberaciones densas, delay y sonidos tétricos hechos con MIDI. Todos estos elementos buscan crear una sensación envolvente que acompañe el estado emocional de la letra.
El vídeo de 'Mors Latens' es una pieza audiovisual que busca transmitir al espectador la sensación de estar observando algo inusual y fuera de lo cotidiano. A través de imágenes surrealistas y una narrativa ambigua, se construye un universo visual que acompaña y profundiza en la esencia de la canción. Aparecen elementos como paisajes surrealistas, ojos que observan, miradas expresivas y sujetos extraños, todo acompañado por una estética vintage tipo VHS con ruido y texturas desgastadas que refuerzan la atmósfera melancólica e inquietante. La intención no es contar una historia con una interpretación única, sino crear una experiencia visual que dialogue con la letra y permita que cada espectador encuentre su propio significado dentro de las imágenes.
"Con este lanzamiento espero llegar a más oyentes que puedan conectar emocionalmente con la canción y encontrar en ella una experiencia con la que se sientan identificados. También busco mostrar una propuesta musical diferente, donde la música, la letra y la parte visual se unen para crear una atmósfera propia. La intención es que Mors Latens pueda encontrar personas que valoren una expresión más introspectiva, experimental y profunda", menciona Said Moncayo.
"La canción es perfecta para escuchar durante la noche o la madrugada, momentos en los que suele existir una mayor introspección y donde uno puede encontrarse más a solas consigo mismo. Es un ambiente en el que las emociones suelen sentirse con mayor profundidad y el tema puede conectar de una manera más íntima. A nivel personal, considero que puede acompañar aquellos momentos de la vida en los que buscamos mirar hacia nuestra propia melancolía y reflexionar sobre ciertas emociones, pero también puede ser disfrutada desde un lugar diferente incluso desde la tranquilidad o la felicidad, apreciando la canción como una experiencia artística y no únicamente desde la tristeza", enfatiza el artista ecuatoriano.
'Mors Latens' es un sencillo independiente y representa el sexto lanzamiento de Mustela Nivalis, siendo la continuación de 'Tríada de Ménière'. No forma parte de un disco o EP, sino que funciona como una pieza individual que busca ampliar el alcance del proyecto y conectar con nuevos oyentes.
Actualmente, Mustela Nivalis trabaja en nuevos sencillos para continuar desarrollando el proyecto y su catálogo musical. El músico cuenta con varias composiciones y se encuentra en proceso de producción de algunos temas que formarán parte de los próximos lanzamientos, continuando la exploración de diferentes atmósferas, emociones y conceptos dentro de la propuesta.
"Mis expectativas con Mustela Nivalis son llevar el proyecto a nuevos oyentes y encontrar personas que puedan conectar profundamente con la propuesta. Después de varios lanzamientos, el proyecto ha construido una identidad propia basada en la exploración de emociones complejas, una narrativa introspectiva y una estética que une lo musical con lo visual", puntualiza el artista.
"Considero importante que las personas descubran Mustela Nivalis porque es una propuesta que busca abrir espacio a una forma diferente de experimentar la música. En un contexto donde muchas canciones suelen enfocarse en temáticas más comunes, el proyecto explora lugares más internos de la experiencia humana como la soledad, la incertidumbre, la melancolía y aquellas emociones que también forman parte de nuestra vida. La intención no es únicamente transmitir un mensaje, sino crear una experiencia con la que cada persona pueda interpretar, sentir y encontrar su propio significado. Mustela Nivalis busca conectar con quienes encuentran en la música un refugio, una reflexión o simplemente una forma distinta de percibir el arte", concluye el ecuatoriano.
Escucha 'Mors Latens' de Mustela Nivalis en tu plataforma musical favorita:
El nuevo proyecto colaborativo presenta "la verdad sin filtros" a través del legado del hip hop latino, la identidad afro-latina, la cultura chicana, la esencia de la Costa Oeste y las experiencias de vida de sus integrantes
También estrenan el vídeo oficial animado de "Super Vato"
Los Ángeles, California, 10 de julio de 2026.–Negros De La Raza, el nuevo proyecto integrado por Sen Dog, miembro de Cypress Hill, y Kemo The Blaxican, ex integrante de Delinquent Habits, lanza hoy su álbum debut La Pura Neta a través de Dead Silence Records / Downtown Music.
El lanzamiento llega acompañado del estreno del vídeo oficial animado de "Super Vato", dirigido y animado por Anthony Edwards, ofreciendo a los seguidores una nueva experiencia visual dentro del universo creativo de Negros De La Raza. Al final de este comunicado se incluye la lista completa de canciones.
Producido en su totalidad por Chazz "Fiyastarta" Padilla, La Pura Neta reúne a dos de las voces más representativas del hip hop latino en un proyecto profundamente arraigado en la identidad afro-latina, la cultura chicana, el lirismo bilingüe, el hip hop de la Costa Oeste, el humor, la lucha, la familia, el orgullo y la supervivencia.
Más que una colaboración ocasional, Negros De La Raza representa una declaración artística integral de dos músicos cuya trayectoria ayudó a definir el sonido y el alcance del hip hop latino. El álbum parte de ese legado para presentar una nueva identidad sonora impulsada por la producción cinematográfica y contundente de Fiyastarta.
"Al principio sólo estábamos trabajando en un EP de tres canciones con Sen Dog, Fiyastarta y yo", comenta Kemo The Blaxican. "Sen Dog y yo hemos colaborado en distintas canciones desde principios de los años noventa, pero lo que estaba saliendo del estudio esta vez sonaba enorme, épico y diferente. Parecía algo que llevaba mucho tiempo esperando el momento de salir a la luz. Muy pronto entendimos que tres canciones no serían suficientes. Dejamos atrás la idea del EP, decidimos hacer un álbum completo y fue entonces cuando nació Negros De La Raza."
Para Sen Dog, el proyecto surgió de manera natural gracias a una larga relación creativa.
"La química entre Kemo y yo siempre ha sido muy buena. Nos conocemos desde hace muchos años y trabajar con él siempre ha sido un proceso muy fluido. Nuestras personalidades como artistas siempre han conectado y, cuando comenzamos este proyecto, sentí que ambos compartimos la misma visión."
El álbum llega después del lanzamiento de varios sencillos y sus respectivos vídeos oficiales, encabezados por "Para Mi Gente", que ya supera el millón de reproducciones en YouTube, además de "La Pura Neta" y "Jefe De Jefes", temas que ofrecen distintas perspectivas del universo musical de Negros De La Raza.
El proyecto también cuenta con la participación especial de la vocalista ganadora del Premio Grammy Melinda Salcido y Peoplemover, quienes aportan profundidad, textura y la esencia clásica del hip hop a la identidad sonora del álbum.
El recién estrenado vídeo animado de "Super Vato", dirigido y animado por Anthony Edwards, continúa expandiendo el universo visual del proyecto, explorando el legado del hip hop latino, la identidad cultural, las historias nacidas de la calle, el humor y la imaginación característica de la Costa Oeste.
"Quiero que la gente escuche algo honesto; un platillo familiar, pero con un sabor que nunca antes había probado", afirma Kemo. "Quiero que perciban que hay algo muy particular en este álbum, algo que pertenece únicamente a Negros De La Raza, aunque no puedan describirlo exactamente. Aquí encontrarán al Sen Dog y al Kemo The Blaxican de siempre, pero sobre un sonido completamente nuevo, creado especialmente para este proyecto, nacido y profundamente arraigado en Los Ángeles. Suena distinto a cualquier cosa que hayamos grabado juntos o por separado."
El título del álbum, La Pura Neta, hace referencia a "la verdad" o "la verdad sin filtros", marcando el tono de una producción construida a partir de historias reales, orgullo cultural y experiencias de vida. A lo largo del disco, Sen Dog y Kemo The Blaxican abordan temas relacionados con la identidad, la comunidad, la resiliencia y las realidades de las culturas que han definido sus vidas.
"Quiero que quienes escuchen este álbum sepan que estamos muy orgullosos de nuestras raíces", comenta Sen Dog. "Este disco representa un estilo de música que ha cobrado mucha fuerza en los últimos años y que hoy cuenta con artistas realmente extraordinarios."
El arte del álbum La Pura Neta fue realizado por el reconocido ilustrador Dan Lish, mientras que la portada del sencillo "La Pura Neta" fue creada por Isaac Pelayo. La Pura Neta ya está disponible en todas las plataformas digitales de streaming, además de ediciones físicas en CD y vinilo.
"Este álbum habla sobre identidad, cultura, lucha, orgullo, humor, familia y supervivencia", concluye Kemo. "Si alguien escucha estas canciones y logra sentirse identificado; si encuentra parte de su propia historia dentro de la nuestra, entonces habremos cumplido nuestro propósito. Todo lo demás es sólo ruido."
Negros De La Raza es el proyecto colaborativo de Sen Dog, integrante de Cypress Hill, y Kemo The Blaxican, exmiembro de Delinquent Habits. Respaldado por décadas de historia dentro del hip hop latino, el lirismo bilingüe, la energía de la Costa Oeste y las experiencias de vida de ambos artistas, el proyecto reúne a dos figuras fundamentales del género para presentar una nueva propuesta cultural. Su álbum debut, La Pura Neta, ya está disponible a través de Dead Silence Records, con distribución de Downtown Music. Producido íntegramente por Chazz "Fiyastarta" Padilla, el álbum fusiona un hip hop contundente con influencias latinas, una producción cinematográfica y una narrativa directa y auténtica.
Arraigado en la identidad afro-latina, la cultura chicana, la comunidad, la resiliencia y la verdad, Negros De La Raza representa mucho más que un nuevo grupo: es un nuevo capítulo en la trayectoria de dos artistas que ayudaron a construir el hip hop latino y que continúan impulsando su evolución.
