(vídeo) Perpetual Warfare estrena “Nihil Sumus” y confirma Rock al Parque 30 Años 2026

• Perpetual Warfare confirma show en “Rock al Parque 30 Años” y lanza “Nihil Sumus”, el primer sencillo de su nuevo álbum con M-Theory Audio.

Lead: Como uno de los estandartes del metal colombiano, Perpetual Warfare marca un hito histórico en sus 20 años de trayectoria con el lanzamiento de "Nihil Sumus", el flamante primer sencillo que da título a su próximo álbum de estudio. Este demoledor estreno viene acompañado de la firma oficial con el reconocido sello discográfico estadounidense M-Theory Audio, la confirmación de una nueva gira nacional y su esperada presentación en la histórica edición de los 30 años del Festival Rock al Parque, consolidando esta nueva etapa como el momento más ambicioso y de mayor proyección internacional en la carrera de la banda.

Sirviendo como la carta de presentación y el primer corte oficial de su próximo disco homónimo, "Nihil Sumus" (No Somos Nada) se destaca musicalmente como una pieza extremadamente pesada, veloz y agresiva que explora la locura, el aislamiento y el abismo existencial del ser humano. A nivel lírico y conceptual, la canción es un viaje visceral hacia la desesperanza que cuestiona el ego, la fragilidad de nuestra existencia y la autodestrucción de una sociedad fragmentada. Es un grito crudo y claustrofóbico que refleja la inmensa madurez de la banda, entregando un thrash/death metal arrollador, oscuro y cargado de una profunda crítica a la naturaleza humana, sentando así las implacables bases sonoras y temáticas de lo que será su nueva obra discográfica.

Marcando el mayor salto de internacionalización en su historia, Perpetual Warfare oficializa su firma con el reconocido sello estadounidense M-Theory Audio. Al unirse a un prestigioso roster global junto a bandas como Sworn Enemy, Fueled By Fire, Hecate Enthroned, Cemican y Hatchet, la agrupación asegura una robusta red de distribución mundial. Este respaldo de veteranos de la industria garantiza que la agresividad de su nueva obra conquiste los mercados más exigentes, abriendo un nuevo capítulo para el metal colombiano.

Como parte de este nuevo lanzamiento, “Nihil Sumus” también tendrá una edición especial en formato vinilo de 7 pulgadas, un lanzamiento pensado especialmente para los seguidores y coleccionistas del metal.

En Colombia, esta edición será posible gracias a la alianza entre Red Label y M-Theory Audio, quienes se unen para llevar este sencillo al formato físico y sumar un nuevo capítulo a la historia de Perpetual Warfare. Esta colaboración representa además una importante apuesta por mantener vigente el formato físico dentro de la escena del metal nacional y acercar la música de la banda a los coleccionistas.

La edición de 7 pulgadas se suma así al lanzamiento de “Nihil Sumus”, consolidando la nueva etapa de Perpetual Warfare junto a M-Theory Audio y ampliando el alcance de una producción que busca conectar tanto con las nuevas generaciones como con los seguidores de siempre.

A nivel sonoro, el primer sencillo es una obra meticulosamente lograda que fusiona la identidad agresiva de la banda con un estándar de producción de talla mundial. Fue producido por Camilo Muñoz y Wilson Muñoz, con ingeniería y coproducción a cargo de Nicolas Sadovnik en El Bunker Studio, en Bogotá. Para garantizar una contundencia implacable que cumpla con las exigencias de su nuevo sello internacional, la mezcla y masterización fueron confiadas a la experiencia del reconocido ingeniero Zack Ohren (Death Angel, Machine Head, Warbringer) en Oakland, California. El apartado visual de "Nihil Sumus" cuenta con un vídeoclip de alta factura dirigido por los Hermanos Jiménez bajo su reconocida Productora SHARPBALL, quienes lograron materializar la crudeza y angustia de la canción en una pieza audiovisual implacable.

Para conmemorar este legado y presentar en vivo el inicio de esta era, la agrupación se embarcará en una gira nacional que llevará la potencia de este primer sencillo a diferentes escenarios del país. El punto cumbre de este recorrido será su esperada presentación en la histórica trigésima edición del festival Rock al Parque, donde Perpetual Warfare compartirá tarima con leyendas de la música extrema mundial como Ministry, Apocalyptica, Triptykon (con su aclamado set de Celtic Frost/Hellhammer), Grave, Hellbutcher y Rata Blanca, demostrando con toda su artillería por qué son uno de los máximos referentes del metal en el continente.

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Mauricio Riveros presenta el álbum "Radioexcavaciones"

En un ejercicio de arqueología personal y musical, Mauricio Riveros presenta “Radioexcavaciones”, una colección de trece presentaciones en formato desenchufado realizadas en radio y televisión de México a lo largo de los últimos años.

“Siempre que me invitan a una entrevista en radio o en TV, espero que se pueda tocar en vivo, si hay un instrumento y mi voz, entonces está la canción, sin excusas” dice el chileno. Esa costumbre lo ha hecho guardar muchas grabaciones como archivo personal, y hoy presenta esta selección como una manera de no perder contacto con lo esencial, justo cuando la IA se cuela incluso en la música.

“Radioexcavaciones” reúne interpretaciones minimalistas en una sola toma, lo que permite apreciar la poesía en sus letras y las figuras literarias que habitan todos sus discos a la fecha, incluyendo una breve mirada a Truman, banda que Mauricio Riveros lideró en Chile en la primera década de los 2000.

La selección abarca un periodo de diez años entre 2012 y 2022 en medios mexicanos como Código Radio, el Instituto Latinoamericano de la Comunicación Educativa (ILCE), Irresponsable TV, Radio Mexiquense o el mítico web show internacional Balcony TV, todo grabado con instrumentos acústicos, ya sea guitarra, ukelele o piano.

“Radioexcavaciones”, tiene una portada que evoca al milenario arte sumerio, en que cada músico que muestra representa una etapa del artista y el rescate personal a través de sus canciones. Este trabajo está disponible desde ya en todas las tiendas digitales.

(vídeo) Kaya Q presenta 'Ciclos', un disco introspectivo de liberación hecho para sanar y soltar

Kaya Q es una artista colombo-alemana que utiliza la música como un puente hacia el mundo interior. Su proyecto nace de una búsqueda profundamente personal y de la necesidad de transformar las experiencias más difíciles de su vida en historias capaces de conectar con otras personas. Más que escribir canciones, busca crear un espacio donde todos puedan verse reflejados, comprendidos y acompañados.

La propuesta artística de Kaya Q nace del deseo de abrir conversaciones sobre temas que muchas veces permanecen en silencio: la salud mental, la identidad, el trauma generacional, el duelo, el amor propio y la importancia de reconectar con las emociones. En un mundo que constantemente invita a reprimir lo que sentimos, su música propone detenerse, mirar hacia adentro y descubrir que la vulnerabilidad también puede convertirse en una fuente de fortaleza. Musicalmente, fusiona el pop alternativo, el indie pop y las influencias latinas, construyendo un sonido que evoluciona junto con la historia de cada canción. Su formación como actriz de cine influye profundamente en su proceso creativo, llevando una mirada cinematográfica a sus composiciones, videoclips y presentaciones en vivo, donde cada elemento forma parte de un mismo universo narrativo.

'Ciclos' es el viaje más íntimo y honesto de Kaya Q. Es un álbum conceptual inspirado en la década que más la transformó: sus veintes. A través de 14 canciones, recorre un camino de introspección que nace después de años de tocar fondo, romperse en mil pedazos, cuestionarlo todo y volver a encontrarse consigo misma. Más que un álbum, representa el cierre de una etapa transformadora: la despedida, desde el amor, de una versión de sí misma que ya no existe y el comienzo de una nueva, donde finalmente se permite vivir y sentir con autenticidad. A lo largo del disco aborda temas como la depresión, el duelo, el vacío, la niña interior, el trauma generacional, el amor, la identidad, la búsqueda de un hogar, la reconexión con la naturaleza y, finalmente, la liberación. Aunque las historias nacen de experiencias muy personales, el deseo de Kaya siempre fue que cualquier persona pudiera verse reflejada en ellas y recordar que nunca está sola en lo que siente.

'Ciclos' también marca un antes y un después en su carrera. Es el proyecto más honesto que ha creado y en él puso todo su corazón, su alma y todo lo que es como artista y como persona. Durante algunos de los momentos más oscuros de su vida, la música fue el lugar donde encontró refugio y esperanza. Por eso, este álbum es mucho más que un debut: es el recuerdo de todo lo que vivió, de todo lo que sobrevivió y del camino que la llevó a convertirse en la versión más fiel de sí misma.

Al mismo tiempo, 'Ciclos' cierra un ciclo creativo y abre uno nuevo. Después de este proceso, Kaya siente que ha descubierto una nueva profundidad en su mundo interior que apenas comienza a explorar y que será el punto de partida de los próximos capítulos de su proyecto artístico.

"Con 'Ciclos' quiero recordar que está bien sentir y que todas las emociones son válidas e importantes. Vivimos en un mundo que muchas veces nos enseña a reprimir nuestras emociones, cuando en realidad son ellas las que nos ayudan a conocernos, sanar y transformarnos", comenta la artista con influencias de Michael Jackson, Lauryn Hill, Amy Winehouse, Jessie Reyez, H.E.R., Naïka, Juanes, Tini y Humbe, artistas que admira por la honestidad de sus letras, la autenticidad de sus propuestas y su capacidad de conectar emocionalmente con el público.

"Espero aportar a generar más conciencia sobre la salud mental y sobre esas partes oscuras de nuestro mundo interior de las que tan poco hablamos. Ojalá este álbum pueda ser una compañía para quienes están atravesando momentos difíciles, un refugio donde puedan sentirse vistos, comprendidos y menos solos, y un espacio que cree una conexión genuina entre las personas. Creo profundamente que la música tiene el poder de sanar, de unir y de devolvernos un poco de la humanidad que, muchas veces, parece que estamos perdiendo", agrega la colombo-alemana.

Cada canción del disco tiene su propio universo sonoro porque cada etapa del viaje emocional necesitaba un lenguaje distinto. 'Ciclos' mezcla pop alternativo, indie pop, el afrobeat, e influencias latinas, explorando desde baladas íntimas hasta sonidos más orgánicos y rítmicos. Más que seguir un sólo estilo, el disco sigue la historia. Y con eso también evolucionan los sonidos en cada canción.

"La mayor inspiración que tuve para este disco fue mi propia vida, mis experiencias vividas, y la oscuridad en mí. Especialmente la década de mis veintes. Fueron años de mucho aprendizaje, de tocar fondo, sanar, viajar, conectar con personas increíbles y reencontrarme conmigo misma. También me inspiró profundamente la naturaleza, que me enseñó que todo cambia, todo termina y todo vuelve a empezar", puntualiza la artista.

'Ciclos' de Kaya Q evoca en 'Nieve' un sentimiento de frío, 'Fantasma' es una desconexión y un desgaste emocional, 'Vacía' es fragilidad, 'Hay Alguien Ahí' le canta a la oscuridad y la supervivencia, 'Días de Lluvia' es resiliencia y depresión, 'Hogar' habla de nostalgia y esperanza, 'Sin Raíces' es búsqueda y exploración, 'Primer Amor' habla de perdón y una herida de abandono, 'Mi Niña' es reconexión y sanación, 'Te Creí' es rebeldía y empoderamiento, 'Yo Primero' es amor propio, 'Abuela' le canta a las raíces, 'Ciclo Natural' es aceptación y paz, y 'Suelto' habla de ligereza y renacimiento.

'Abuela' es el focus track del disco porque representa uno de los mensajes más profundos del álbum. Es un homenaje a la abuela de Kaya Q, a sus ancestras y a todas las generaciones que vinieron antes de ella. Habla del trauma generacional, del dolor heredado y de la decisión de romper esos ciclos para liberar tanto a quienes estuvieron antes como a quienes vendrán después. Musicalmente es una canción muy orgánica y emocional, inspirada en mis raíces latinoamericanas. El videoclip refleja ese viaje hacia los ancestros y la sanación, mostrando cómo todas las generaciones están conectadas y cómo el amor también puede heredarse.

"Mi mayor deseo es que las personas se sientan acompañadas. Si una sola canción logra que alguien se sienta visto, comprendido o encuentre un poco de esperanza en un momento difícil, ya habrá cumplido su propósito. Más allá de los números, quiero que 'Ciclos' conecte de verdad con las personas. Y que los pueda acompañar a la gente en su viaje interno más personal", enfatiza.

'Ciclos' es un álbum para esos momentos en los que se necesita detenerse y escucharse. Puede ser durante un viaje, una caminata, un atardecer o simplemente cuando la vida invita a mirar hacia adentro. Es un disco para quienes están atravesando un cambio o buscan reconectar consigo mismos. Pero también para quienes quizás nunca se han dado el tiempo de conocerse realmente o de explorar su mundo interior. Y para quienes quieren comprender mejor a alguien cercano que está viviendo un proceso así. Al final, es una invitación a mirar hacia adentro con más empatía, tanto hacia uno mismo como hacia los demás.

La portada del álbum representa el renacimiento. La artista quería mostrar el momento en el que, después de atravesar la oscuridad, el ser humano vuelve a florecer. La naturaleza está presente como símbolo de transformación, recordando que todo en la vida vive sus propios ciclos y que incluso después de las tormentas siempre existe la posibilidad de volver a empezar. Por eso, está representado con colores tierra, y verdes, y blanco; para unir los distintos mundos, de la naturaleza, la vulnerabilidad y el renacimiento.

Este lanzamiento es sólo el comienzo de Kaya Q. Durante el resto del año, la artista seguirá llevando 'Ciclos' a más personas a través de contenido, presentaciones en vivo y, ojalá, algunas versiones acústicas de canciones del álbum. Al mismo tiempo, ya está comenzando a desarrollar la siguiente etapa de su universo artístico.

"Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Kaya porque creo que hoy más que nunca necesitamos artistas que nos recuerden la importancia de sentir. Mi deseo es aportar un mensaje de conexión, empatía y esperanza, demostrando que la vulnerabilidad también puede ser una fortaleza y que la música tiene el poder de unirnos. También me gustaría tender puentes entre culturas y lenguas a través de mi música. Como artista colombo-alemana, quiero representar a quienes crecimos entre dos mundos y demostrar que no tenemos que elegir una sola identidad. Nuestras distintas influencias son una fortaleza y creo que es hermoso abrir más espacio para esas historias y esas mezclas que también forman parte de Latinoamérica", concluye.

Sobre Kaya Q

Desde pequeña, Katharina Quiñones soñaba con estar sobre un escenario, conectar con las personas a través de la música e inspirar un cambio positivo con sus canciones. Paralelamente, descubrió otra de sus pasiones: la actuación. Esa inquietud la llevó a estudiar actuación para cine, con el sueño unir sus dos mundos y construir una propuesta donde la música, la imagen y la narrativa convivieran en un mismo universo. Durante su adolescencia comenzó a escribir poemas y sus primeras canciones. Más adelante empezó a crear con distintos músicos, desarrollando su faceta como compositora en inglés y alemán. Sin embargo, todavía le costaba compartir sus propias canciones más personales que escribía en español. Fue durante la pandemia cuando decidió dar el paso y apostar por su propio proyecto artístico. Así nació Kaya Q, hace siete años, mientras aún vivía en Alemania.

Haber crecido entre los idiomas español, alemán e inglés, y entre distintas culturas marcó profundamente su identidad y su forma de entender el mundo. Esa experiencia le enseñó que, aunque cambien los idiomas y las costumbres, las emociones son universales. Desde entonces, esa convicción se convirtió en uno de los pilares de su proyecto: creer que la música es el lenguaje más universal que existe, capaz de cruzar cualquier frontera y conectar a las personas desde lo humano.

Con el lanzamiento de 'Ciclos'- su álbum debut, esa visión encontró su forma más auténtica. El proyecto dejó de ser únicamente una colección de canciones para convertirse en un universo artístico donde la música, la imagen y la narrativa cuentan una misma historia.

Escucha 'Ciclos' de Kaya Q en tu plataforma musical favorita:

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Ese Zea presenta “Todo Tiene Su Final”, un EP dedicado al duelo

Ese Zea es un proyecto colombiano nacido en la ciudad de Medellín de la mano del músico Santiago Zea Arrubla originalmente como un proyecto unipersonal. Es una propuesta musical que explora diversos ambientes sonoros con la premisa de no coartar la creatividad del artista. 

La intención de la propuesta de Ese Zea es convertir imágenes cotidianas en melodías y letras, transmitir a los oyentes emociones que conecten con sus historias personales, sublimar momentos que pueden ser comunes a muchas personas y enmarcarlos en una sonoridad especial, además de crear imágenes en la cabeza del oyente en las que pueda proyectar sus propias vivencias o fantasear. 

"Con mis canciones quiero dejar un mensaje de que nos vamos a morir y es momento de hacer una pausa para ponerle atención a los pequeños momentos que nos brinda esta corta estancia. En este limitado tiempo que tenemos, deberíamos poder conectar con otros seres humanos, con nosotros mismos y con nuestros deseos; qué hacer con ellos ya es problema de cada quién, eso sí. Estamos en un mundo en el que constantemente, aunque estamos rodeados de gente, nos sentimos solos, y eso es muestra de que algo no está bien", cuenta el músico colombiano de la ciudad de Medellín con influencias de indie rock, shoegaze, post punk, bedroom pop e incluso el trap en proyectos como The Strokes, Molchat Doma, Tame Impala, Mac DeMarco, La Femme y Artemas. 

'Todo Tiene Su Final' es el tercer EP de Ese Zea, siendo los anteriores “NSFW” de 2023 y “Quiero” de 2024. Además, es el primer lanzamiento del artista tras la publicación de su primer álbum 'En Vivo: Primera Y (Tal Vez) Última Vez'. El nombre del trabajo hace alusión a una situación por la que todo ser humano pasa en algún momento del trasegar existencial: la pérdida, el duelo. 

Link Spotify: https://open.spotify.com/intl-es/album/1YT0S071iV3mVd9gGaA9cj

'Todo Tiene Su Final' está conformado por 5 canciones, entre las cuales se encuentra una colaboración publicada anteriormente por la artista Saurea, titulada “Adonde No Volver”. Para la grabación del trabajo fue utilizada la guitarra Jackson King V con microfonía Humbucker que se ha vuelto característica del sonido de Ese Zea, un teclado Roland Juno D6, un bajo y una guitarra acústica de las cuales los luthiers no tienen siquiera una red social. Dichos instrumentos se grabaron en el home studio del músico paisa, sin embargo, las voces fueron grabadas en el estudio de Rdrueda. 

“Todos los días estamos perdiendo cosas, atravesando pequeños duelos. Sin embargo, hay situaciones que son mucho más difíciles de procesar que otras, duelos que se complejizan porque tienen a su alrededor un montón de pequeñas pérdidas, la traición, el desamor, la muerte. Todo ello hace parte de la vida y es algo con lo que no se puede luchar, es algo que hay que aprender a aceptar”, comenta el músico. 

El EP viene acompañado por el lanzamiento del vídeo de la canción 'Mantente Alejada De Mí'. En dicho trabajo audiovisual se puede observar a dos personajes principales que nunca comparten escena. Los protagonistas habitan y se les observa en el mismo espacio, pero nunca lo hacen al mismo tiempo. Lo único que conecta a los personajes es un gato que aparece junto con ambos. Además, se observa simbología asociada a creencias espirituales relacionadas con el tarot, apareciendo representaciones de la traición, la derrota y la maldad. La actriz que acompaña al músico en el vídeo es “Val Johnson”, quien también apoyó la dirección de luces dados sus conocimientos adquiridos en la industria para adultos. 

"En el vídeo, la habitación representa la mente de quien experimenta el duelo, lo que en ella pasa son sus pensamientos. Cuando hay espacio para que él aparezca en primer plano es porque logra que ella no esté presente completamente. Las acciones de ella, cuando está en escena, realmente están en la cabeza de él: ella manipula las cartas, ella revela los secretos, ella no dice nada. Realmente ella en el cuarto es la idea de que él tiene de ella", enfatiza Santiago. 

'Todo Tiene Su Final' inicia precisamente con la canción “Mantente Alejada De Mí”, la cual representa la decepción mezclada con rabia que se puede sentir durante algunos duelos amorosos; en la siguiente canción “Siempre La Víctima Sos” la rabia pasa a ser la emoción predominante; posteriormente, se experimenta la nostalgia y añoranza del pasado en “Casi Algo”, una canción a esos amores que nunca alcanzaron a ser; tras ello, se abandona el amor romántico y se aborda el duelo por la pérdida de una mascota, un tipo de duelo que apenas está empezando a ser visibilizado; y por último, se termina por la aceptación de la pérdida con “Adonde no volver”. 

Es un EP para escucharse a solas en la habitación y dejar salir eso que se carga, soltar, pero algunas de sus canciones son perfectas para una noche de despecho entre amigos o para motivarse en el gimnasio. La producción conserva ese sonido íntimo, sincero y espacial que caracteriza el proyecto Ese Zea. 

"En “Todo Tiene Su Final” saqué un montón de cosas que me estuvieron apretando el cuello por mucho tiempo. Pocas palabras, muchas sensaciones. Espero que las personas que lo escuchen puedan liberar un poco de eso que tengan atrancado entre pecho y la garganta. Además, uno como músico hace la música para que sea escuchada, así que quisiera llegar a nuevo público, que la gente que lo escuche por primera vez se interese en escuchar mis trabajos anteriores y cogerse el chisme entero", menciona el artista. 

En la portada del álbum se observa la silueta borrosa de una mujer al lado de un piano y una ventana. La pérdida muchas veces donde más duele es en la cotidianidad de los espacios que se han habitado, y eso representa la imagen. 

Probablemente ésta sea la única publicación de Ese Zea este año. Respecto a shows, el proyecto se ha caracterizado por brindar pocos de estos espectáculos, sin embargo, se encuentra participando de varias convocatorias para participar de festivales en su país, Colombia. 

"Ese Zea es como esa persona que mira feo a todo el mundo, pero te acercas a hablarle y resulta ser super chévere y amable. Anhelo que sea un proyecto en el que esas personas que se sienten en un lugar extraño, o como que no pertenecieran o encajaran, se puedan reflejar, que podamos crear comunidad y empatizar entre nosotros. Además, es un proyecto que siempre intenta transmitir algo, hacer sentir, y no se encasilla en un tema, sino que puede transmitir amor, rabia, desazón, tristeza o tranquilidad", concluye el músico colombiano. 

Escucha “Todo Tiene Su Final” de Ese Zea en tu plataforma musical favorita: https://linktr.ee/_EseZea_

Sigue a Ese Zea en sus redes sociales:

Instagram: https://www.instagram.com/esezea/ 

TikTok: https://www.tiktok.com/@esezea 

Facebook: https://www.facebook.com/EseZea

Sigue a Val Johnson: 

Instagram: https://www.instagram.com/gohtsatangirl/

Sobre Ese Zea 

Ese Zea, el artista, es una salida para Santiago, la persona. Santiago no le da la vida a Ese Zea, Ese Zea le da algo de vida a Santiago. Ese Zea es la salida para muchas emociones de Santiago, un joven tranquilo y comprometido con su trabajo, es básicamente una estrategia de gestión emocional. 

Santiago es un muchacho de Medellín, no tan joven pero no tan viejo, que a veces siente que está en el lugar equivocado, que a veces siente que el trabajo le deja poco tiempo libre, pero que aún así intenta disfrutar su vida y hacer lo que le gusta. Ese Zea es un man que ama la música, es un beso, una mirada, un insulto y un castigo; no se encasilla porque le gusta la independencia. También es un proyecto al que se ha ido uniendo gente muy talentosa.

Su primer lanzamiento se dio en octubre de 2021, con el sencillo 'Tengo Con Quien Andar', tras el gran encierro por la pandemia. En esa época, Zea exploró diferentes inquietudes musicales y al no poder tocar con otros músicos, se aventuró a iniciar un proyecto unipersonal. El primer EP del proyecto, titulado NSFW, fue lanzado en julio de 2023. Su primer álbum fue en directo y se lanzó en septiembre de 2025.

Dada la buena acogida de sencillos como 'Tal Vez', 'Tengo con Quien Andar' y 'Párchese', el proyecto giró el timón y se decidió a subir a los escenarios, siendo Santiago Zea Arrubla acompañado por Miguel Ángel Rueda Zamora en la guitarra, Nicolas Barreiro Navas en el bajo, Daniela Gallo Tobón en los teclados y Luciano Rincón en la batería. En el año 2024 se lanzó su segundo EP titulado 'Quiero', con el vídeo de la canción homónima el proyecto estuvo nominado en la categoría de mejor vídeo musical en The International Filmmaker Festival of New York, celebrado en mayo de dicho año.

Además, en dicho año el proyecto finalmente se subió a los escenarios. Actualmente, Ese Zea se puede catalogar como un proyecto de indie rock que convierte imágenes cotidianas en melodías y letras, y que busca transmitir a sus oyentes emociones que conecten con sus historias personales.

(vídeo) Suiza vende paz. Coilguns promueve la verdad: “Peace Trader” es una bomba directa al pecho.

• El nuevo sencillo llega el 24 de abril, Humus Records y apunta sin rodeos a la hipocresía suiza, justo antes de que la banda regrese a México para tocarlo en tu cara.

Suiza lleva décadas vendiéndose como el póster perfecto de la neutralidad: diplomacia, derechos humanos, relojes precisos y una pulcritud moral casi intocable. Coilguns acaba de hacerle fuego a esa fantasía.

“Peace Trader” no es una canción cómoda ni pretende serlo: es una acusación directa, un escupitajo bien colocado contra un país que, según la propia banda, negocia con la paz mientras mira hacia otro lado cuando le conviene.

 

“¿Qué sentido tienen las leyes cuando nuestras naciones lo negocian todo?” no es sólo una línea: es el eje de una canción que nace del desencanto. De crecer creyendo en un mito nacional impecable y descubrir, poco a poco, que detrás hay exportaciones de “doble uso”, políticas migratorias racistas disfrazadas de burocracia y empresas intocables operando con lógica colonialista. Coilguns no suaviza nada, no hace metáforas: nombra directamente.

 

Musicalmente, el golpe es igual de frontal. Grabado por Scott Evans (Thrice, La Dispute, Neurosis), con producción adicional de Ben Chisholm (Chelsea Wolfe, The Armed) y mezclada por Tom Dalgety (Ghost, Pixies, Royal Blood), “Peace Trader” suena exactamente como debería sonar una banda que ya no tiene interés en caer bien: denso, agresivo, incómodo, con esa sensación constante de que todo puede colapsar en cualquier momento.

 

Coilguns viene de revender escenarios por todo el mundo tras el ciclo de Odd Love, con más de 80 fechas en 2025, y no parece tener ninguna intención de bajar la intensidad. Al contrario: este nuevo sencillo es el primer aviso de un próximo álbum y, más importante, de una nueva etapa todavía más afilada.

Coilguns no se queda en el discurso. Para el público mexicano, después de una primera visita reciente, la banda prepara su regreso con una serie de conciertos donde “Peace Trader” no se va a escuchar: se va a sentir en el cuerpo. Sudor, empujones, ruido y una descarga emocional que no distingue entre escenario y público. Si su música ya es confrontativa en estudio, en vivo es directamente un espacio donde todo (incluyendo la idea de “neutralidad”) deja de existir.

 

Porque eso es lo que hace Coilguns en 2026: incomodar en serio. Mientras otros cuidan su narrativa para no perder seguidores, ellos deciden quemar el relato completo y ver quién se queda.

 

“Peace Trader” no pide permiso. Y definitivamente no pide perdón.

 

Formados oficialmente en 2011, aunque con más de dos décadas de historia musical compartida, Coilguns surgió desde la escena hardcore DIY suiza y ha desarrollado con el tiempo un lenguaje propio que mezcla la urgencia del punk con la exploración sonora del noise-rock. La historia del grupo está estrechamente ligada al sello Humus Records, fundado por su guitarrista Jona Nido, que hoy reúne más de 170 lanzamientos de artistas suizos de distintos horizontes sonoros.

 

Coilguns vuelve a México en mayo con una segunda visita que reafirma el vínculo que la banda ha construido con el público local desde su primera gira por el país. El cuarteto suizo de noise-rock y hardcore experimental se presentará el 7 de mayo en Guadalajara, el 8 de mayo en Querétaro y el 9 de mayo en Ciudad de México, en una gira producida por Rock Hard Productions y compartida con las bandas mexicanas Joliette y Tresseises, consolidando un encuentro entre escenas internacionales y locales.

El artista ascenso de la música mexicana Saúl Villarreal Regresa con “Delirio y ambición,” la versión deluxe de su álbum debut “Ambición y delirio,” con el tema principal “Malasia”

Los Ángeles, CA (abril de 2026) - El prometedor cantautor de música mexicana, Saúl Villarreal, presenta la edición deluxe de su álbum debut Ambición y Delirio. Tras causar un impacto impresionante, entrando en el Top 200 de álbumes latinos de Apple Music. En menos de 24 horas, el proyecto original de 13 pistas se expande ahora a una edición de lujo de 17 pistas titulada Delirio. y Ambición (Deluxe) presenta nuevas colaboraciones con Los Aptos y El De La Tinta. El álbum original se definió por su movimiento entre la vulnerabilidad y la introspección, arraigadas en el melancólico género sad-sierreño y la energía cruda y sin complejos de la música mexicana. Este contraste creó una mitología más profunda, invitando a los oyentes a adentrarse en la historia en evolución de Saúl. La edición deluxe amplía esta base, con un título reelaborado que refleja un cambio de perspectiva, inclinándose aún más hacia un tono más suave, impulsado por el amor y el desamor, ofreciendo una extensión más vulnerable del proyecto. Delirio y Ambición (Deluxe) ya está disponible en todas las plataformas de streaming.

Lista de canciones de Delirio y Ambición (Deluxe):

Disco 1:

1. 1000 Corazones ft Los Aptos

2. Ahora Que No Estas

3. Piel De Seda (cover)

4. Déjenme Solo 

5. Llorar ft. Fabio Capri

6. Éramos Perfectos ft Eddy 

7. Quiero Amor 

8. Perdimos Eso ft Julio Caesar

9. Me Duele 

10. Ay Que Dolor

11. Ya No 

12. Interlude 

Disco 2:

13. Malasia Ft El De La Tinta

14. Burj Khalifa 

15. Blue Moon 

16. MaryJane

17. Otro Pex

Delirio y Ambición (Deluxe) arranca con “ 1000 Corazones” ft Los Aptos. El tema comienza con un suave piano y guitarra, estableciendo un tono reflexivo que se centra en la añoranza de una relación pasada y la lucha por seguir adelante. “1000 corazones” simboliza la sobrecarga emocional, con el corazón cargando el pesado y persistente dolor de una ruptura. Después de encontrar el coraje para alejarse, el tema transmite el contraste entre tener mil razones para irse y aún aferrarse a la esperanza de que las cosas puedan funcionar de alguna manera. Como declaración de apertura del proyecto, el tema establece el cambio conceptual del álbum, donde lo que una vez fue ambición da paso al delirio. Esta idea se refuerza a través de la inversión deliberada del título de Ambición y Delirio a Delirio. y Ambición (Deluxe), que señala una transición de una certeza impulsada a un estado emocionalmente más inestable e introspectivo.

“Ahora Que No Estás” continúa con el tono melancólico del proyecto. La canción transmite un profundo sentimiento de arrepentimiento, reconociendo la responsabilidad personal por el fin de una relación. A través de letras íntimas y cargadas de emoción, y una delicada instrumentación de piano, Saúl utiliza una narrativa honesta para transmitir una persistente sensación de vacío y las secuelas emocionales que deja la pérdida. El álbum continúa con “Piel de Seda”, una versión de la canción original de Esteban Gabriel, reinterpretada a través de la singular visión artística de Saúl. Si bien se mantiene fiel a su esencia, Saúl transforma la canción introduciendo un tempo ligeramente más rápido, lo que le otorga una energía renovada sin perder su intimidad y vulnerabilidad. Con esta interpretación, Saúl ofrece una presentación personal y reflexiva, demostrando su capacidad para honrar la original a la vez que aporta una perspectiva única a la canción.

“MALASIA”, en colaboración con El De La Tinta, cierra el álbum de lujo y retoma la dualidad introducida en el álbum debut de Saúl , reforzando el tema de sus dos facetas. Destaca por su producción enérgica y de ritmo vertiginoso, con vibrantes elementos de la música mexicana. A diferencia de los momentos más introspectivos del álbum de lujo, “MALASIA” se inclina hacia una mentalidad más desenfrenada e impulsiva. Saúl explora temas como la ambición y el lujo, utilizando narrativas centradas en la vida nocturna para transmitir el deseo de escapar de la realidad. El tema sirve como un contundente cierre para el álbum, reafirmando la dualidad que define el sonido de Saúl .

El tema principal, “MALASIA”, en colaboración con El De La Tinta, abre el Disco 2, retomando la dualidad introducida en el álbum debut de Saúl y reforzando el tema de dos caras distintas. El tema destaca por su producción enérgica y de ritmo rápido, con vibrantes elementos de la música mexicana. A diferencia de los momentos más introspectivos del Disco 1, “MALASIA” se inclina hacia una mentalidad más temeraria e impulsiva. Saúl explora temas de ambición y lujo, utilizando narrativas centradas en la vida nocturna para transmitir un deseo de escapar de la realidad. El tema sirve como la última incorporación al álbum de lujo, reforzando la dualidad que define el sonido de Saúl.

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OMV RADIO recomienda: (video) Highway presenta el 'Viral Tour' en el Planetario de Bogotá

Highway anuncia el 'Viral Tour' en el Planetario de Bogotá, un concierto que profundiza en las historias y tensiones de su álbum 'Viral'.

La agrupación bogotana Highway presentará el 'Viral Tour' el 5 de diciembre en el Auditorio del Planetario de Bogotá , un concierto que retoma el concepto de su disco más reciente, 'Viral', álbum en el que explora las historias, tropiezos y resistencias que atraviesan las mujeres en su vida cotidiana. La presentación incluye un espacio de encuentro y bienvenida para el público asistente.

Con dos décadas de trayectoria en la escena del hard rock y el heavy metal, Highway, conformada actualmente por Lina de la Parra en el bajo, Carolina Portela en la guitarra y Beth Martínez en la voz, ha construido un camino que la ha llevado a escenarios nacionales e internacionales y ha sido reconocida como la primera agrupación del país integrada en su totalidad por mujeres.

'Viral' ocupa un lugar central en esta nueva etapa. El álbum fue presentado por la banda como una obra que aborda la fuerza interior y la capacidad de transformación de las mujeres, así como los desafíos que enfrentan frente a estructuras sociales restrictivas. «Este disco es una prueba de resiliencia y empoderamiento femenino. Las mujeres hemos tenido que luchar valientemente y salir avante en contra de los abusos de poder», afirma Highway.

En este repertorio destaca 'Sin Temor' , canción que, de acuerdo con la agrupación, «simboliza un renacer y la fortaleza que nos caracteriza como seres humanos para superar la adversidad». Estos relatos han acompañado su presencia reciente en festivales como Festival Centro y el Festival de la Pirotecnia en México, además de su participación en Rock al Parque 2024, donde presentó el álbum ante un público masivo.

El concierto en el Planetario de Bogotá continúa ese recorrido: un escenario que permitirá reencontrarse con sus seguidores en un formato cercano, con un espectáculo que incorpora elementos visuales y una puesta en escena construida a partir del concepto del disco.

Detalles del evento

• Lugar: Auditorio del Planetario de Bogotá, Calle 26 B # 5-93
• Fecha: viernes 5 de diciembre
• Hora: 5:00 pm
• Entradas:  $30.000 + servicio  https://idartes.checkout.tuboleta.com/selection/event/date?productId=10230276932218

Explora el universo musical de Highway:

• Spotify: https://open.spotify.com/intl-es/artist/6RKCfRvmyFBxhuswQHipK8?si=Gyteqg4CQkC4Slp0aOiK6w
• YouTube: https://youtube.com/@highwaygirlscolombia?si=dfs87-JLSofnrpns

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Renacer desde la música: Grupo Arriesgado presenta "Resilencia", su proyecto más íntimo y poderoso que será lanzado en 2026

Grupo Arriesgado, una de las propuestas más sólidas y ascendentes del regional mexicano, se prepara para abrir un nuevo capítulo en su historia con el lanzamiento de Resiliencia, un álbum concebido como una declaración profunda de identidad, fortaleza y evolución artística. El proyecto, integrado por catorce canciones inéditas, será revelado a partir de enero de 2026 mediante una estrategia de estrenos mensuales que comenzará el 8 de enero, fecha en que verá la luz el primer sencillo de esta nueva etapa creativa.

Para la agrupación originaria de Culiacán, Sinaloa, Resiliencia no sólo es el título de un disco: es el nombre de un trayecto marcado por la constancia, los desafíos, la unión y la necesidad de transformar cada experiencia en una canción con sentido. Desde su formación en diciembre de 2013 en el rancho Costa Rica, el grupo ha enfrentado cambios en su alineación y etapas de reinvención que no han hecho más que fortalecer su dirección musical y su vínculo con el público. Esa misma esencia se cristaliza ahora en un álbum que busca dejar huella tanto en la escena como en las emociones de quienes lo escuchan.

En este nuevo material, Grupo Arriesgado comparte micrófonos y guitarras con figuras que han marcado su camino artístico y afectivo. Voces como Oscar Ortiz, Tony Aguirre, Edgardo Núñez y Luis Ángel “El Flaco”, entre otros colegas cercanos, se suman para convertir al disco en un encuentro fraterno donde cada colaboración agrega un matiz distinto al sonido del grupo. La banda describe este proyecto como un testimonio de su vínculo con la gente que la ha acompañado desde sus inicios: “La resiliencia representa fuerza, unidad y el camino que hemos recorrido juntos con todos ustedes —nuestro pueblo, que siempre nos ha apoyado”.

Ese espíritu de resistencia también se refleja en la arquitectura del álbum, donde cada pista es una pieza que narra una etapa de transformación, una herida cerrada o un triunfo que llegó después de la tormenta. Resiliencia se construye como un puente entre lo emocional y lo musical, amalgamando la esencia del grupo con sonoridades contemporáneas que buscan conectar con una audiencia en crecimiento constante. Su propuesta se envuelve en guitarras firmes, voces que se entrelazan y una identidad sonora que se mantiene fiel a sus raíces mientras mira hacia adelante.

La estrategia de lanzamiento diseñada para 2026 refuerza esta visión de constancia y presencia permanente. Con un sencillo nuevo cada mes, Grupo Arriesgado se propone mantener un contacto vivo con su público y ocupar un lugar constante en el panorama digital y radiofónico. Esta dinámica permitirá que cada canción tenga su propio espacio narrativo y emocional, acompañado por acciones de marketing que incluyen contenido audiovisual, pre-guardados y campañas móviles que buscarán no solamente posicionar cada tema, sino hacer de Resiliencia un proyecto sostenido en el tiempo.

La agrupación, actualmente integrada por César Alfonso Rodríguez Favela en la primera voz, Jesús Alberto Cuadras Gaxiola en el bajo eléctrico, César Eduardo Soto Vega en el bajo quinto, Luis Ángel González De León en la batería y segunda voz, y José Luis Campos Sandoval en el acordeón, continúa abriendo camino dentro de un género donde la competencia es constante y feroz. Su historia ya incluye momentos decisivos, como aquella noche de 2021 en la que vendieron siete mil boletos en menos de una hora para su presentación en el Microsoft Theater de Los Ángeles, un logro que los colocó definitivamente en el radar internacional.

Hoy, más maduros y con un enfoque claro, Grupo Arriesgado apuesta por un proyecto que retoma su origen, su carácter y su deseo de trascender. Resiliencia es, en sí misma, la crónica del grupo y de su gente: una suma de heridas, aprendizajes y victorias que se convierten en música para resistir, sanar y celebrar. Con determinación inquebrantable y una visión artística que sigue expandiéndose, la agrupación sinaloense se prepara para escribir uno de los capítulos más significativos de su carrera, con la firme intención de dejar una marca profunda en la música regional mexicana.

(vídeos) Sailawway abre las puertas de FASES, un viaje etérro hacia la memoria

• FASES el nuevo álbum de Sailawway estará disponible el 5 de septiembre en plataformas digitales. 

• Presentación del álbum en vivo será el 9 de octubre en Rebel Rebel, CDMX.

• Con su dreampop Sailawway ha sido acto abridor de bandas internacionales como Tame Impala, Tops, Wild Nothing y más en México. 

Sailawway, el proyecto musical de María Fernanda Fuentes, anuncia el lanzamiento de su esperado primer álbum de larga duración FASES, que estará disponible el próximo 5 de septiembre en plataformas digitales. El disco será presentado en vivo el 9 de octubre en Rebel Rebel (Oxford 11, Col. Juárez, CDMX).

El primer sencillo del álbum es “Alma”, publicado en 2025 como su primer lanzamiento desde  “Especial” (2022), corte que también forma parte de este nuevo trabajo. “Alma” es una canción profundamente personal que surge tras el fallecimiento de su madre. Habla del deseo de volver a conversar con ella, de compartir tiempo en casa, y de reconocer su presencia en cada amanecer y atardecer. Con esta pieza nos acercamos a la narrativa de FASES, un álbum que aborda el duelo desde distintas etapas y que se construye como un espacio de sanación.

Sobre el proceso creativo, Fuentes comparte:

“Este disco me llevó mucho tiempo en crearlo, componerlo, grabarlo y finalmente lograr el sonido perfecto que quería transmitir. Un disco atemporal. Un disco para cualquiera que se haya sentido así y no haya podido expresar sus emociones con palabras y música. Honesto y personal.”

FASES reúne canciones que transitan por despedidas, memoria y reconstrucción interior, en las que cada título refleja una memoria mediante una sola palabra. Con una producción cuidadosa y texturas etéreas, el álbum confirma la capacidad de Sailawway para transformar experiencias íntimas en un lenguaje sonoro universal. El disco fue creado junto a Memo Martínez (Cuatro Sobre La Luna), Patricio Casablanca y Pablo Ochoa, quienes colaboraron en la construcción del sonido final. 

Escucha FASES en plataformas digitales: https://sailawway.lnk.to/FASES

Trayectoria

Desde la elección de un nombre que significa “navegar lejos”, Sailawway ha trazado un mapa emocional propio dentro del dream pop. En 2017 lanzó el EP Fragments, donde comenzó a delinear su propuesta sonora. 

Sus canciones superan los ocho millones de reproducciones en plataformas digitales y han formado parte de soundtracks internacionales como Unstoppable (Netflix) y Cloudy River (Australia). Además, se ha presentado en festivales como Festival Nrmal, Hellow Fest, SXSW y en el Museo Marco, consolidándose como una de las voces más singulares del género en México. Así como ha sido acto abridor de bandas internacionales como Tame Impala, Tops, Wild Nothing y más en México. 

Presentación oficial del álbum FASES:

Lugar: Rebel Rebel Oxford 11, colonia Juárez, CDMX.

Día: 9 de octubre /  Hora: 21:00 horas +18 

Costo: $300

Boletos: https://www.passline.com/eventos/crr-showcase-sailawway-en-cdmx-presentando-fases 

Redes sociales

Instagram / Youtube / Spotify

www.sailawway.com

La nostalgia hecha himno: Lobel lanza el fin y celebra en México su nuevo álbum

• Lobel se presenta en el Bajo Circuito el próximo 05 de septiembre a partir de las 8:00 pm

• Boletos a la venta en el Sistema Passline y en taquillas el inmueble

El circuito del rock latinoamericano suma un nuevo latido con la llegada de El momento perfecto, el tercer álbum de estudio del músico argentino Facundo Bugallo, mejor conocido como Lobel, quien ha decidido presentar este trabajo en la Ciudad de México el próximo 5 de septiembre en Bajo Circuito, uno de los foros más emblemáticos para la escena independiente. El lanzamiento, bajo el sello Popart Discos, ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y marca un paso decisivo en la consolidación de una propuesta que, desde sus primeros compases, ha sabido conjugar la sensibilidad del cantautor con la energía expansiva del pop rock. Boletos en el Sistema Passline.

En esta nueva entrega, Lobel ofrece una reflexión sonora en torno a la inmediatez del presente. Cada canción parece reclamar que el tiempo de actuar, soltar o abrazar lo inevitable es siempre ahora. Así lo expresó el propio artista al señalar que cada momento, incluso en medio de la frustración y la dificultad, se vuelve perfecto en la medida en que nos permite encontrar un equilibrio entre lo que vivimos y lo que decidimos. El momento perfecto se convierte, de ese modo, en un manifiesto de autenticidad frente al vértigo de la vida cotidiana.

El disco llega acompañado por un corte de difusión que ya empieza a resonar con fuerza: El Fin, una balada de aire himnario que entrelaza el lirismo del pop rock latinoamericano con reminiscencias de las grandes baladas del britpop. Su atmósfera melancólica y atemporal transmite una declaración de amor nacida en los confines de la nostalgia, con una producción que no busca lo inmediato, sino lo que perdura. El videoclip que acompaña a este tema refuerza la propuesta estética que Lobel ha venido construyendo en los últimos años. Bajo la dirección de Demian Bello y con la fotografía de Armin Marchesini Weihmuller, el audiovisual da continuidad al pulso visual inaugurado en Almagro Studio Session (2024), reforzando la identidad de un artista que apuesta por la coherencia entre sonido e imagen.

Antes de su lanzamiento, el público ya había tenido un anticipo de lo que sería este álbum con los sencillos. Lo que me hacía bien, Melodía del adiós y Tú, piezas que dibujaban los primeros trazos de un trabajo cargado de emotividad y honestidad lírica. Ahora, con el disco completo, Lobel confirma su lugar como una de las voces emergentes más singulares de la nueva camada del rock pop argentino, una escena que en los últimos años ha demostrado su capacidad de reinventarse sin perder la raíz de lo que la hace trascendente.

La presentación en México cobra un valor especial, pues no sólo abre la posibilidad de escuchar en vivo por primera vez este material, sino que también refuerza el lazo de Lobel con una audiencia que ha acompañado con entusiasmo su evolución musical. Bajo Circuito se convertirá en el escenario perfecto para que los nuevos temas, junto a piezas ya conocidas de su repertorio, encuentren su resonancia natural en un público que se caracteriza por su apertura hacia las propuestas frescas y auténticas.

Con El momento perfecto, Lobel entrega un álbum que se resiste a las prisas de la industria y que, en su lugar, propone detenerse, escuchar y habitar el presente con la intensidad que merece. Un recordatorio, a través de la música, de que lo único que realmente tenemos es el ahora. Y ese ahora, para Lobel, se escribirá en la memoria de México la noche del 5 de septiembre a partir de las nueve de la noche. Boletos a la venta en el Sistema Passline y en taquillas del inmueble.

Los Califunkers lanza Funkaholics: una celebración urbana con sabor a frontera

• El cuarto álbum del dúo bajacaliforniano mezcla funk, rap y colaboraciones históricas como Arianna Puello, Ximbo, Eptos Uno y SerkoFu.

• Los Califunkers presentan Funkaholics en una gira de 8 fechas por el norte y centro del país.

El dúo bajacaliforniano Los Califunkers, integrado por Gustavo Siono y Jota Ele, anuncia el lanzamiento de su nuevo álbum Funkaholics, disponible en todas las plataformas digitales a partir del 20 de agosto. El disco reúne ocho canciones que mezclan funk, rap, ritmos latinos y el singular toque del autotune, en una fórmula que resuena con las calles de Mexicali y la vibra californiana de la costa oeste. Es un álbum que dialoga con la noche, el barrio y el baile, sin forzar discursos, pero con un sonido reconocible desde el primer beat.

En un contexto donde el norte del país sigue siendo periférico en muchas narrativas musicales, Los Califunkers demuestran que desde la frontera también se define el rumbo del sonido urbano latino, son el desmadre en las fiestas de primera. En su cuarto álbum de estudio, amplían su sonido con mayor libertad creativa y una visión colaborativa que suma voces esenciales del rap latino, sin perder el pulso festivo ni la conexión con la frontera que les da identidad. La producción es sólida, los coros son memorables y el flow va de lo relajado a lo explosivo, con una frescura que no busca complacer fórmulas, sino sonar auténtico.

Una de las grandes apuestas del disco es su lista de colaboraciones, que incluye figuras fundamentales del rap en español: Arianna Puello, Serko Fu, Ximbo y Eptos Uno. Cada intervención enriquece el álbum desde un lugar distinto, aportando versatilidad, experiencia y carácter. El sencillo del álbum será “Party Time”, con Arianna Puello y pronto estará el videoclip que capturará la esencia despreocupada y potente de Funkaholics, su nuevo álbum.

Grabado en parte a distancia, el proceso de creación del disco fue también un reto técnico y emocional. Lejos de sentirse forzado, el resultado suena natural, como si todos hubieran estado en la misma habitación tirando rimas y beats sin interrupción. A diferencia de sus álbumes anteriores, Funkaholics transmite una sensación más orgánica: no hay tracks de relleno ni fórmulas predecibles, sólo canciones que fluyen desde la complicidad y la claridad creativa.

La gira de presentación arrancó el pasado 2 de agosto en la Feria de Rosarito, y recorrerá Mexicali, Tijuana, Ensenada, Monterrey, el 30 de agosto en la Ciudad de México, en Hobos, y Guadalajara con una presentación que promete ser una explosión de funk, flow y baile. Cada show será una extensión del espíritu del disco: sin poses, sin solemnidades, solo música hecha desde el goce y el conocimiento del sonido callejero.

Escucha funkaholics 👉🏻 https://onerpm.link/192058069058

Fechas confirmadas:

02 agosto – Rosarito / Feria de Rosarito

08 agosto – Mexicali / Capital Cervecera

22 agosto – Tijuana / Casa Pública

23 agosto – Ensenada / Destilería

29 agosto – Monterrey / Lugar sorpresa

30 agosto – Ciudad de México / Vagabundos

5 de septiembre – Guadalajara/Centro

6 de septiembre – Guadalajara / Cervecería Loba

Redes Sociales:

Instagram / YouTube /

Tik tok / https://loscalifunkers.com/

¿Quién son Los Califunkers?

Con más de 20 años de trayectoria, Los Califunkers han construido un estilo inconfundible que parte del hip hop y el funk, pero se deja contaminar con libertad por cumbia, reggaetón, trap, regional mexicano y música electrónica. Su propuesta no se enmarca en un solo género, pero sí en una misma intención: mover cabezas, cuerpos y emociones con una banda completa y un show lleno de vitalidad. En su historial de escenarios destacan colaboraciones con artistas como Natanael Cano, Alemán, Cypress Hill, Plastilina Mosh, Nortec, Pitbull, Kumbia Kings, Los Tigres del Norte, entre otros.