La Ciudad de México vivió el nacimiento de una nueva plataforma para la música Punk, Ska y Hardcore con la primera edición de Rockout, que el pasado 2 de mayo tomó el Velódromo Olímpico y reunió a cerca de 8 mil personas en una jornada que, desde sus primeras horas, dejó claro que no se trataba de un intento más, sino de un festival con identidad, músculo y visión a largo plazo. La respuesta del público fue contundente: miles de asistentes se congregaron para convivir frente a un cartel que logró equilibrar nombres internacionales de peso con una representación sólida de la escena nacional.
El despliegue artístico estuvo encabezado por Bad Religion, cuya presentación se convirtió en uno de los momentos más potentes de la noche, reafirmando su lugar como una de las bandas más influyentes del Punk global. A su alrededor, la intensidad no bajó con las actuaciones de 2 Minutos, Save Ferris y Voodoo Glow Skulls, quienes mantuvieron al público en un estado constante de euforia entre coros, saltos y una energía colectiva que recorrió todo el recinto. La escena mexicana también tuvo un papel protagónico con la participación de Out of Control Army y Kotardo, que demostraron su capacidad de convocatoria y conexión frente a miles de asistentes.
Uno de los aspectos más celebrados de esta primera edición fue, sin duda, la organización. En contraste con otros eventos de gran formato, Rockout destacó por la puntualidad en sus horarios, que se cumplieron con rigor a lo largo de toda la jornada. Esta precisión permitió una experiencia fluida, sin tiempos muertos ni retrasos, generando una dinámica constante que favoreció tanto a artistas como al público. La sensación general fue la de un festival bien ejecutado, donde cada detalle respondió a una planeación previa cuidadosa.
La producción técnica acompañó este orden con un desempeño sólido. El audio se mantuvo claro y potente durante todo el día, incluso en los momentos de mayor exigencia sonora, mientras que la iluminación y el montaje escénico aportaron identidad visual sin distraer de lo esencial: la música. A esto se sumó una logística eficiente en accesos, servicios y circulación interna, lo que permitió que las 8 mil personas que se dieron cita pudieran disfrutar el evento con comodidad y seguridad.
Al término del festival, el balance fue ampliamente positivo. El público abandonó el Velódromo Olímpico con un evidente buen sabor de boca, reflejado en comentarios favorables y una sensación compartida de haber sido parte de un evento que superó expectativas. Más allá de la suma de bandas, Rockout logró construir una experiencia integral que conecta con una comunidad específica y exigente.
Con este arranque, el festival no sólo valida su propuesta, sino que abre una expectativa clara hacia el futuro. La conversación ya gira en torno a una segunda edición que promete ser aún más ambiciosa, con un line up de mayor alcance y nuevas sorpresas que podrían consolidar a Rockout como uno de los encuentros más relevantes dentro del circuito musical de la Ciudad de México.
Se presentarán el 15 de mayo en el C3 Stage en Guadalajara y el 16 de mayo en el Foro Alicia de CDMX
Durante el mes de mayo de este año, la emblemática banda argentina Eterna Inocencia desembarcará finalmente en México con presentaciones en Guadalajara y Ciudad de México, además de una fecha en San José, Costa Rica, ciudad a la que llegarán por primera vez. Será una gira significativa para un grupo que, después de más de treinta años de trayectoria, continúa expandiendo su influencia en el mapa del punk latinoamericano, reafirmando los pergaminos de una carrera que ha crecido desde la autogestión y la convicción artística. Se presentarán el 15 de mayo en el C3 Stage en Guadalajara y el 16 de mayo en el Foro Alicia de CDMX.
Para el público mexicano, la llegada de Eterna Inocencia no es simplemente una nueva visita internacional: representa el encuentro con una de las bandas más influyentes del hardcore melódico sudamericano, un proyecto que desde mediados de los años noventa ha construido una identidad propia basada en la intensidad musical, la sensibilidad lírica y un profundo compromiso social. Surgidos en 1995 en Quilmes, Argentina, el grupo se convirtió con el paso del tiempo en un referente del género gracias a su mezcla de melodía, energía punk y letras que dialogan con problemáticas sociales, políticas y humanas.
En paralelo a esta esperada llegada a México, la banda presenta nuevos lanzamientos digitales que capturan la potencia de su directo. Se trata de “Episodio 3 C Art Media” y “Episodio 4 Caupolicán”, disponibles tanto en audio como en vídeo. Estas entregas documentan dos de los conciertos más convocantes que realizaron durante 2025, reflejando la conexión visceral que mantienen con su público y el momento creativo que atraviesa el grupo.
El contexto no podría ser más intenso; 2026 comenzó para Eterna Inocencia con una agenda que no da respiro, confirmando que el grupo atraviesa uno de los momentos más activos de su historia reciente. El primer gran hito del año será el 22 de abril, cuando abrirán el escenario para Bad Religion en el Microestadio Malvinas Argentinas de Buenos Aires, un encuentro que une a dos generaciones fundamentales del punk internacional. Apenas tres días después, el 25 de abril, participarán en el festival RockOut Chile en el Estadio Santa Laura de Santiago, compartiendo cartel con figuras como Bad Religion y Evaristo Páramos, reafirmando así el gran momento que viven en el país trasandino.
Hablar de Eterna Inocencia implica recorrer una historia extensa dentro del punk latinoamericano. Desde su primer álbum “Punkypatin” (1995) hasta trabajos fundamentales como “A los que se han apagado” (2001), “Las Palabras y los Ríos” (2004), “Ei” (2009) y “Entre Llanos y Antigales” (2014), la banda ha construido una discografía que combina urgencia política, introspección y una constante evolución musical. Su más reciente álbum de estudio, “No Bien Abran Las Flores”, marcó su regreso tras la pandemia con doce canciones que incorporan influencias del post-punk sin abandonar el espíritu combativo que los caracteriza.
A lo largo de tres décadas, el grupo también ha compartido escenario con referentes globales del género como The Offspring, NOFX y la propia Bad Religion, consolidando una reputación internacional forjada desde la ética Do It Yourself y la autogestión independiente.
La formación actual está integrada por Guillermo Mármol en la voz, Roy Ota en guitarra, Alejandro Navajas en bajo, Tomás Portela en guitarra y Germán Rodríguez en batería, músicos que combinan su vida artística con profesiones como la docencia y la medicina. Esa dualidad entre compromiso cotidiano y militancia cultural ha sido parte esencial de su identidad.
En ese contexto, la llegada de Eterna Inocencia a México adquiere un carácter casi simbólico. Después de años de giras por Sudamérica y Europa, la banda pisa finalmente un territorio donde el punk y el hardcore han encontrado históricamente un público apasionado.
México recibirá entonces no sólo a una banda, sino a una historia viva del punk latinoamericano: tres décadas de canciones, resistencia y convicción que siguen encontrando nuevas voces dispuestas a corearlas.
Dúplex presenta ‘Embrace the Pain’, un álbum que recorre la secuencia de ruptura, confrontación y aceptación del dolor
En ‘Embrace the Pain’, la agrupación nacida en Manizales, Colombia; transforma el caos y el sufrimiento en un recorrido sonoro de groove metal y hardcore.
Dúplex destapa su cuarta producción discográfica, ‘Embrace the Pain’, un disco conceptual que traduce el tránsito interno de una persona en crisis, buscando retratar cada etapa desde el colapso y la desestabilización, hasta la aceptación del dolor como punto de quiebre y reconfiguración. La angustia, la inestabilidad, el silencio, la confrontación y el desahogo, son retratados en las 12 piezas musicales que forman parte de la placa que nos presenta la agrupación conformada por Checho Pachanga (batería), Chalo Escobar (bajo), Pipe Cantillo (guitarra líder) y Ross Lemus (voz Líder y guitarra rítmica).
«Es una descarga introspectiva que rompe el silencio y enfrenta la oscuridad interior del ser, a causa del dolor que ha ido abrazando a través del tiempo», señala Dúplex.
El álbum articula su narrativa central a través de una trilogía de canciones que marcan el pulso de ese viaje emocional: ‘Chaotic’, ‘Broken Silence’ e ‘Inside the Pain’.
«La trilogía retrata las diferentes emociones que atraviesa una persona antes de aceptar el dolor: ira, desconcierto, desesperación, entre otras», agrega la agrupación.
‘Chaotic’, abre el ciclo mostrando el estado de confusión y fractura donde las certezas se mueven y todo parece desordenado. Desde el inicio, la canción se percibe como una pieza musical densa, de voces guturales graves y de segmentos instrumentales prolongados que, en combinación con la letra, refuerza la intención de retratar el caos interior de una persona atormentada.
A continuación, ‘Broken Silence’ representa la confrontación: el momento en que se rompe el mutismo, se dicen las verdades ocultas y se enfrenta lo que se ha retenido. Musicalmente, la segunda canción de la trilogía, toma influencias del hardcore que se integran al sonido que identifica a la agrupación. Sus pasajes melódicos otorgan cambios de texturas que sirven de metáfora al estado que busca retratar Dúplex.
La secuencia cierra con ‘Inside the Pain’, donde el dolor se convierte en un punto de partida, en un abrazo consciente a ese individuo roto que por fin aceptó el caos y la angustia que lo atormentan. Es una aceptación cruda, pero necesaria, con la que una persona reconoce su crisis sin compadecerse y reafirma la intención de convivir con ella.
´Prelude’, ‘Don’t Say a Word’, ‘Liar’, ‘My Sickness’, ‘The Land of War’, ‘Rebirth’, ‘The Viper City’, ‘The Red’ y ‘This Love Dies Today’, complementan el retrato que Dúplex elabora del rostro más oscuro y doloroso del ser humano.
«‘Embrace the Pain’ es la acción y la reacción que desencadenan sentimientos, emociones y consecuencias» enfatiza.
El camino que inició tiempo atrás con el video de ‘Don't Say a Word’, primera canción en ser liberada, culmina con la entrega de una placa conceptual en la que música, letras y portadas, elaboran una secuencia narrativa que invita a aceptar el colapso como esa ruptura que nos permitirá caminar de la mano con el dolor.
«‘Embrace the Pain’ recorre el descenso hacia el abismo oscuro emocional más profundo y aparentemente sin final», complementa la banda, para invitarnos a reconocer el dolor como parte de la vida misma.
Sobre Dúplex
Dúplex nació en Manizales, Colombia, en 2013 como una banda que explora la dualidad del ser a través del groove y el hardcore. Sus canciones recogen la intención de traducir la tensión entre las caras opuestas del ser humano.
Desde su formación, la agrupación se ha mantenido en actividad ininterrumpida a través de los cuatro trabajos musicales que ha grabado; de la circulación por importantes escenarios como Feria de Manizales, Grita Rock o Tattoo Music Fest y de las tarimas que ha compartido con Brujería, La Pestilencia, Koyi K Utho, entre otras.
‘Paralelo 45 presenta ‘Hombre en llamas’, una canción de resistencia y fuego interior, incluido en su álbum debut ‘Camaleón’
En su más reciente sencillo, Paralelo 45 se sumerge en las profundidades de la resistencia emocional con ‘Hombre en llamas’, una pieza cargada de simbolismo, crudeza y poesía abrasiva. Este lanzamiento hace parte de ‘Camaleón’, el álbum debut de larga duración de la banda bogotana, que retrata los múltiples rostros de la identidad humana en constante transformación.
Desde su título, ‘Hombre en llamas’ sugiere una combustión interna que no sólo quema, sino que también revela. La canción retrata el tránsito entre el dolor y el renacimiento, entre el fuego que destruye y el que purifica. En su letra, se funden imágenes de infiernos personales, candela y estrellas, mientras una voz que no se quiebra canta con intensidad, emoción.
Musicalmente, el tema conjuga influencias que van desde Tool y The Mars Volta hasta Rage Against the Machine y el hardcore, pasando por la introspección lírica del grunge noventero. Esta fusión da como resultado un sonido que se sostiene entre la fuerza visceral y el detalle técnico, sin perder la esencia alternativa que ha caracterizado a la banda desde su nacimiento en 2017.
“Cada canción del disco representa una transformación”, afirman sus integrantes. Y en este caso, esa mutación viene acompañada por una estética sonora cargada de texturas, fraseos intensos y estructuras poco convencionales, desarrolladas tras años de trabajo independiente, desde escenarios autogestionados hasta colaboraciones con estudios como Árbol Naranja.
La historia de Paralelo 45 es también la de una ruta que conecta realidades distintas. Su nombre alude a la carretera que cruza Colombia de norte a sur, y que, simbólicamente, atraviesa los matices de una escena alternativa que muchas veces se mantiene viva a pesar del olvido.
La banda está conformada actualmente por Iván Rojas Velandia (voz), Juan Sebastián Fernández (bajo), David Ortiz y Édgar Grimaldos (guitarras), y Camilo Torres en la batería. Con un enfoque lírico que aborda temas como la memoria, la resistencia y la exploración del yo, ‘Camaleón’ se perfila como un testimonio sonoro de quienes no temen enfrentarse a sus propios incendios.
‘Hombre en llamas’ es, en esencia, una consigna fundamental: todo arde, pero no todo se extingue.
‘La banda de hardcore formada por migrantes colombianos en Nueva York recorrerá más de 15 ciudades de EE.UU. en una gira que reivindica la identidad latina en el circuito anglo.
Del 30 de julio al 10 de agosto de 2025, F.A.C.A. recorrerá 11 ciudades de Estados Unidos como parte de su primera gran gira nacional. Con paradas en lugares como Brooklyn, Phoenix, Las Vegas y Coachella Valley, la agrupación buscará visibilizar una realidad poco contada en los escenarios del hardcore: la de los migrantes latinos que crean música desde los márgenes y para las calles.
Formada a inicios de 2024 en Nueva York, F.A.C.A. es una banda de hardcore/metal moderno integrada por colombianos que crecieron entre el underground de dos mundos. Su propuesta mezcla el sonido crudo y directo que identificó al género en los 2000 con letras escritas en dos idiomas, combinando frases en inglés y español con un slang auténtico.
«Cantamos en los dos idiomas porque vivimos en los dos mundos. Eso también es resistencia», enfatiza F.A.C.A.
El concepto que envuelve el nombre de la agrupación no se encierra en una sola geografía. Sus significados atraviesan el latín, el español y el inglés. FACA en portugués traduce cuchillo, al tiempo que es acrónimo de expresiones como For All Capable Attitude o Frente Adversidades el Coraje Aflora, dependiendo del contexto. Por otra parte, es una referencia directa a Facatativá, ciudad natal de dos de sus integrantes.
«F.A.C.A. es raíz, cuchillo, slang y memoria. Somos eso: una navaja migrante que corta el ruido con nuestras propias palabras», afirma Beavis Rico, vocalista del grupo.
En 2024 F.A.C.A publicó los sencillos ‘Tribu’ y ‘Blindness’, cuyos videoclips circularon ampliamente en redes y medios digitales. En mayo de 2025, la agrupación presentó su EP homónimo y firmó con Upstate Records, sello estadounidense con presencia en la escena hardcore del país. ‘Tribu’ fue construida como una pieza visual a partir de clips tomados durante su primera mini gira por Manhattan (NYC), Tampa (Florida) y Daytona Beach. La canción —escrita en inglés y español— es una declaración de pertenencia a la comunidad latina dentro de una escena que históricamente ha invisibilizado otras identidades. A través de riffs pesados, cambios de ritmo y una lírica que mezcla frases urbanas y códigos compartidos, refuerza el orgullo de ser parte de algo colectivo: «crear y pertenecer a la comunidad latina», como explica la banda.
‘Blindness’, por su parte, fue grabada en un hospital mental abandonado en Staten Island, Nueva York. Es un ejercicio de crítica al control social y al espejismo de libertad en el que se mueve la vida cotidiana.
«Nos mantienen ciegos creyendo que somos libres, pero nos tienen como esclavos», afirma el grupo sobre el concepto detrás de la canción.
En esta pieza participaron los integrantes de Shoot Da 5, banda hermana de Long Island, cuyo vocalista, Shay, suma su voz en un tema que explora la oscuridad como punto de partida para hallar la luz interior. Fue filmado, dirigido y editado por Angélica Jiménez, cineasta cercana a la banda.
Ambos temas condensan la propuesta conceptual de F.A.C.A.: unidad, crítica social, migración, comunidad y resistencia. Una música que no responde a una industria, sino a la necesidad de decir: Aquí estamos.
«Este proyecto es nuestra forma de decir que también somos parte de esta escena, aunque vengamos de otro idioma, de otras calles, de otras batallas», agrega Rico.
Con riffs filosos, ritmos acelerados y una energía en vivo que ya ha conectado con públicos en distintas ciudades de Estados Unidos, F.A.C.A. inicia esta gira como un acto simbólico y real: Levantar la voz desde los márgenes y romper el molde de lo que se espera del hardcore en el norte global.
A lo largo de 2024, la banda de punk rock de Ipiales, Nariño, Isla de Perros ha demostrado un compromiso constante con su evolución musical, realizando dos lanzamientos significativos que refuerzan su identidad sonora y su presencia en la escena. El primero de estos trabajos es el álbum 'E.C.O'., una recopilación vibrante que captura la energía y la esencia del sonido en vivo de la banda, mostrando la intensidad de sus presentaciones en directo y la conexión única con su público. Este lanzamiento resalta la versatilidad del grupo y su capacidad para trasladar su fuerza y autenticidad del escenario al disco.
El segundo proyecto que lanza este año la banda colombiana es el EP 'MOLOTOV', un trabajo de estudio que refleja la madurez musical y la experimentación del grupo. Con un enfoque más pulido y elaborado, 'MOLOTOV' presenta nuevas facetas del sonido de Isla de Perros, llevando su propuesta a nuevas alturas y manteniendo su esencia rude boy cruda y directa.
Ambos lanzamientos evidencian la continuidad y el crecimiento de Isla de Perros, consolidándose como una banda que no solo mantiene su autenticidad, sino que también sigue explorando nuevos caminos dentro de su estilo musical. Con 'E.C.O.' y 'MOLOTOV', la banda se reafirma como una propuesta fresca y dinámica dentro del panorama musical del país, demostrando que, a pesar de la experimentación, nunca pierde de vista su identidad única.
'MOLOTOV' de Isla de Perros nace de manera orgánica durante el proceso de grabación de su primer álbum. A medida que la banda avanzaba en la creación de su música, se fueron sumando nuevas ideas y perspectivas sobre su propio sonido, lo que llevó a la gestación de este proyecto paralelo. Durante esas sesiones de estudio, la banda empezó a experimentar con nuevas influencias y a profundizar en su identidad musical, lo que dio como resultado un trabajo más crudo, directo y lleno de energía, que reflejaba la madurez adquirida durante el proceso creativo.
'MOLOTOV' es una reflexión crítica sobre la realidad social del país. El EP aborda temáticas profundas relacionadas con las clases obreras, poniendo especial énfasis en momentos de tensión social como el paro nacional y las luchas estudiantiles. Cada tema del EP se convierte en un recordatorio para el oyente, una llamada de atención sobre las injusticias sociales y las desigualdades que persisten en el día a día. A través de sus letras y su sonido potente, MOLOTOV ofrece una visión de resistencia, rebeldía y solidaridad, poniendo al descubierto las problemáticas que afectan a los sectores más vulnerables de la sociedad", comenta el grupo.
Es una obra cargada de mensaje y acción, que no solo ofrece una reflexión sobre el contexto social, sino que también impulsa a la acción. Isla de Perros captura la furia y la pasión de aquellos que luchan por un cambio, convirtiendo 'MOLOTOV' en un manifiesto sonoro que invita al oyente a tomar conciencia de las luchas que se libran en las calles, en las universidades y en las fábricas del país.
En este EP Isla de Perros hace una fusión explosiva de géneros que reflejan la diversidad y la energía del sonido del grupo. Entre sus influencias predominantes se encuentran el punk, el rock duro y el hardcore, estilos que se combinan con la fuerza y la crudeza que caracterizan a la banda. A esta base sólida de guitarras intensas y ritmos imponentes, Isla de Perros incorpora elementos de cumbia y ska, creando una mezcla única que impulsa el dinamismo de sus composiciones y también añade una capa de sabor y ritmos bailables. Este crisol de sonidos refleja la versatilidad del grupo y su capacidad para mezclar la agresividad de los géneros más duros con la frescura y la espontaneidad de ritmos más populares, creando un EP que es tanto enérgico como impredecible.
Escapar - Isla de Perros
'Escapar', primera canción del EP, surge de la necesidad del grupo de experimentar con sonidos más rápidos y agresivos, un paso hacia una sonoridad más cruda y directa que refleja la furia contenida de su mensaje. Con una base punk potente y acelerada, la canción se convierte en un grito urgente de protesta, donde la energía de las guitarras y la velocidad de los riffs capturan perfectamente el sentimiento de desesperación y lucha. La letra, cargada de rabia y desencanto, expone la frustración de las clases obreras frente a las desigualdades sociales, especialmente la brecha con las clases más adineradas del país. A través de versos directos y confrontativos, 'Escapar' aborda la sensación de impotencia ante un sistema que margina a quienes más lo necesitan, reflejando la falta de oportunidades y la constante lucha por alcanzar una vida mejor. La canción, además invita al oyente a escapar de la opresión y luchar por un cambio real.
El segundo tema del EP es 'Primera línea', una canción que surge de la experimentación de la banda con sonidos más cercanos al rocksteady, reggae, ska y cumbia, fusionando estos géneros con su característico estilo de ska punk. La canción busca un acercamiento más regional y tradicional con el oyente, empleando ritmos pegajosos y una base rítmica bailable que evoca la esencia de las músicas populares latinoamericanas. Sin embargo, lo que realmente distingue la canción es su carga emocional y política. A través de sus letras, la banda rinde homenaje y recuerda a los estudiantes desaparecidos, violentados y maltratados durante los estallidos sociales en Colombia, en un contexto de represión y lucha por los derechos humanos. Con su sonido fresco, la canción se convierte en un vehículo de memoria y resistencia, llamando a la reflexión sobre la violencia sistemática que ha marcado a la juventud y las clases populares en el país. 'Primera línea' no solo es un homenaje a las víctimas sino también un grito de justicia, buscando conectar con la identidad y la lucha de los pueblos latinoamericanos a través de una música que invita a la reflexión y al baile.
"El EP es una obra diseñada para ser escuchada en cualquier momento del día, siempre brindando un impulso de energía cuando más se necesita. Su mezcla de punk, rock duro, hardcore, ska y cumbia crea una atmósfera vibrante que enciende el ánimo y motiva a seguir adelante, especialmente en momentos de lucha y resistencia. Cada canción está impregnada de esa energía cruda y desafiante que invita a no rendirse, a seguir peleando por lo que es justo. Es un trabajo hecho por gente del barrio, para gente del barrio; un reflejo de las vivencias y desafíos de quienes, a pesar de las adversidades, siguen de pie. Es un llamado a la acción, un recordatorio de que la música también puede ser una herramienta de empoderamiento, un compañero en la lucha diaria", enfatiza la agrupación.
La portada del EP presenta una composición de elementos caricaturescos en un estilo de ilustración digital, con colores vivos donde se destacan personajes antropomorfos, mezclados con personajes humanos y otros elementos surrealistas. El concepto representa una sociedad caótica, criticando el estado de la sociedad actual, perros armados que representan figuras de poder y autoridad corrupta, mientras que los demás elementos representan la diversidad y la anarquía, el ojo gigante representa un símbolo de vigilancia y también de una presencia omnisciente que observa el caos, el escenario urbano representa un contexto callejero y marginal típico de los entornos de lucha social. La historia de la imagen narra un momento congelado en medio de una revuelta urbana, la banda representa la música como forma de resistencia, perros con trajes policiales actúan como antagonistas representando las fuerzas represivas, los demás personajes interactúan entre ellos con una actitud despreocupada con lo que sucede alrededor, el elemento a destacar es la mezcla de seres humanos y figuras surreales, una crítica a lo absurdo de las estructuras sociales actuales.
"Con este lanzamiento esperamos generar un impacto significativo tanto en el público como en el panorama musical. Al ser un EP cargado de mensajes sociales y políticos, especialmente enfocado en las luchas de las clases obreras y los estallidos sociales, la banda busca despertar la conciencia de sus oyentes y fomentar un sentido de unidad y resistencia. El impacto esperado es doble: primero, en un nivel emocional y simbólico, MOLOTOV quiere resonar con las personas que se sienten identificadas con las injusticias y desigualdades que se abordan en sus letras, especialmente aquellos del barrio y sectores populares. La banda quiere que este EP sirva como un grito de lucha, un recordatorio de la fuerza colectiva para enfrentar la adversidad, además, la banda aspira a conectar con un público más amplio, tanto en Colombia como en otras partes de América Latina, llevando su mensaje de resistencia y empoderamiento a diferentes comunidades", mencionan sus integrantes.
Para el 2025, Isla de Perros tiene en mente el lanzamiento de un nuevo álbum que promete ser una fusión vibrante de su sonido característico con influencias de la música tradicional del Pacífico. Este proyecto está siendo gestado en colaboración con grupos de la región, lo que aportará una riqueza sonora única y un acercamiento a las raíces culturales del país. En cuanto a sus presentaciones, la banda continuará respondiendo a invitaciones para festivales nacionales y eventos locales, llevando su enérgica propuesta musical a nuevos públicos. Además, el grupo se mantendrá fiel a su compromiso con la escena musical emergente, apoyando a nuevas bandas al ofrecerles espacio para mostrar sus proyectos, reafirmando su rol como catalizadores de la música independiente en Colombia. Con este enfoque, la banda no solo busca seguir creciendo, sino también fortalecer la comunidad musical y dar visibilidad a otras propuestas frescas y auténticas.
