Lemon Bucket Orkestra, aterriza en México y convierte el folk, el punk y las tradiciones del mundo en una fiesta sin fronteras

• La explosiva agrupación canadiense se presentará en Festival Cultura UNAM, el Festival Internacional Cervantino y otros escenarios de México del 11 al 17 de octubre

Escucha: Live in Bogotá

Olvídense de los pasaportes, los mapas y las etiquetas. Cuando Lemon Bucket Orkestra llega a un escenario, las fronteras musicales dejan de existir.

La agrupación canadiense, originaria de Toronto y reconocida por llevar el folclore de Europa del Este hacia territorios donde conviven el punk, los metales balcánicos, el reggae, los ritmos latinoamericanos y el teatro, regresa a México este octubre para realizar una gira por distintas ciudades del país, con presentaciones en Festival Cultura UNAM, el Festival Internacional Cervantino, Guadalajara, Pachuca y San Miguel de Allende.

Su propuesta es difícil de encasillar. La propia banda rechaza la etiqueta de world music para definir lo que hace.

“La gente nos llama banda de world music, pero eso nunca nos ha hecho sentido. Esto no es world music. Es lo que pasa cuando las tradiciones dejan de portarse bien”, explica Mark Marczyk, líder de Lemon Bucket Orkestra.

Conocidos como los “guerrilla-folk-party-punks” de Toronto, los integrantes de LBO han construido durante casi dos décadas una propuesta en la que las tradiciones no funcionan como piezas de museo, sino como materia viva: se transforman, viajan, se mezclan y encuentran nuevas formas de conectar con las comunidades que las reciben.

De Toronto a México: una experiencia que no se limita al escenario

La gira mexicana de Lemon Bucket Orkestra será una oportunidad para experimentar una de las características fundamentales de la agrupación: sus conciertos no son únicamente presentaciones musicales, sino experiencias colectivas en las que el público termina formando parte del espectáculo.

La polifonía de Europa del Este se encuentra con el punk; las brass bands balcánicas dialogan con el reggae; las melodías romaníes se cruzan con ritmos latinoamericanos y el teatro se integra a una celebración que puede trasladarse del escenario a los pasillos y al público.

En sus presentaciones, los músicos abandonan el escenario, el público canta y baila, y la distancia entre intérpretes y espectadores prácticamente desaparece.

Para Marczyk, esa conexión es más importante que cualquier destino: “No estamos coleccionando destinos; estamos coleccionando comunidades. Las ciudades no te cambian, la gente sí.”

Esa filosofía adquiere especial significado en México, un país donde las tradiciones populares, la música comunitaria y las celebraciones colectivas forman parte esencial de la identidad cultural de numerosas regiones.

La visita de Lemon Bucket Orkestra contempla seis fechas y actividades en cinco ciudades, incluyendo algunos de los encuentros culturales más importantes de México.

 

Gira México 2026:

11 de octubre — Ciudad de México

Festival Cultura UNAM

13 de octubre — Pachuca

Feria de San Francisco

14 de octubre — San Miguel de Allende

Taller de danza folclórica eslava

15 de octubre — San Miguel de Allende

El Sindicato

16 de octubre — Guanajuato

Festival Internacional Cervantino

17 de octubre — Guadalajara

Centro Cultural Bretón

Redes Sociales:

 

     

Más sobre Lemon Bucket Orkestra 

Lemon Bucket Orkestra de Canadá es una banda multicultural nacida del folclore tradicional de Europa del Este, canalizado a través de una actitud punk que la define como una de las más originales y únicas del mundo. Este grupo está galardonado con numerosos premios, ha sido descrito como frenético, carismático y gloriosamente anárquico por el New York Times, The Guardian UK y muchos más.

Después de 16 años, continúan actuando internacionalmente en lugares tan diversos como WOMAD en Inglaterra/Nueva Zelanda, Pohoda en Eslovaquia, Festival D’Été en la ciudad de Quebec y el New Orleans Jazz Fest en Luisiana. Con una mezcla de precisión estimulante y desenfreno total, los conciertos de LBO son una experiencia verdaderamente inmersiva, donde se combinan la pasión y la emoción con los coros del público y la euforia desbordante.

El Concierskazo 2026: Donde el ska, el reggae y el punk serán protagonistas en Bogotá

• Del 22 de agosto al 3 de octubre, el circuito reunirá bandas, selectores y DJs en seis jornadas de música en vivo, cultura independiente y acción solidaria.

El circuito musical El Concierskazo regresa con seis fechas con agrupaciones, selectores, DJs, escenarios y públicos de las escenas ska, reggae y punk de la ciudad. La programación se desarrolla entre el 22 de agosto al 3 de octubre en Boro Room, Latino Power, Secta Colectiva y La Sucursal Venue, combinando conciertos de bandas en vivo con jornadas centradas en la cultura del vinilo y la selección musical.

El proyecto fue seleccionado como ganador de la Beca LEP de Circulación – Circuitos de Música en Vivo 2026 del Programa Distrital de Estímulos de Idartes, y su edición 2026 continúa el trabajo que El Concierskazo viene desarrollando como plataforma de circulación para músicas alternativas en Bogotá.

El Concierskazo surgió en 2023 y realizó sus primeras versiones en 2024 en el Centro Histórico de Bogotá. Su recorrido se articula con experiencias de gestión y circulación como Ska Para Todos Fest y Ska Punkie Reggae Parties, fortaleciendo la relación entre artistas, espacios culturales y audiencias de la ciudad.

Una programación entre bandas, selectores y DJ's 

La edición 2026 propone una programación que cruza agrupaciones de ska, reggae y punk con selectores y DJs. Entre los proyectos anunciados están El Punto Ska, Alma de León, La Fiskalia, Skandalo Oi, The Toughers, Los Sordos, La Kumbia Skandela, La Brigada RPF, Urban Noise, Los Candelarians y Desorden Social, además de una banda sorpresa que será revelada para el cierre del circuito.

En las jornadas de selección musical participarán Alejo Sounds, Diego 25, Mr Tosh, Zozo Hell, Invasor Sonidero, Black Rooster, Villana, Zeta Pe, Lord Harriot, La Calandria, Insectoi, Laura Casas y Big Dirty Beat. Esta combinación permite que cada fecha tenga una identidad propia y, al mismo tiempo, haga parte de un recorrido común por distintas expresiones de la escena independiente bogotana del ska.

Programación del circuito El Concierskazo 2026

VOL. 2. Sábado 29 de agosto en Latino Power. The Toughers, Los Sordos, La Kumbia Skandela, La Brigada RPF y Diego 25. Costo $30.000 en preventa y $40.000 el día del evento.

VOL. 3. Viernes 4 de septiembre en Secta Colectiva. Mr Tosh, Zozo Hell, Invasor Sonidero y más por confirmar. Entrada libre.

VOL. 4. Sábado 19 de septiembre en La Sucursal Venue. Black Rooster, Villana, Zeta Pe, Lord Harriot y más por confirmar. Costo $15.000 en preventa y $20.000 el día del evento.

VOL. 5. Sábado 26 de septiembre en Secta Colectiva. La Calandria, Insectoi, Laura Casas y más por confirmar. Entrada libre.

VOL. 6. Sábado 3 de octubre en Boro Room. El Punto Ska (Lanzamiento álbum 'Contratempo'), Urban Noise, Los Candelarians, Desorden Social, Banda sorpresa y Big Dirty Beat, Costo $30.000 en preventa y $40.000 el día del evento.

Entradas que también pueden convertirse en ayuda

Las entradas para las fechas pagas también podrán intercambiarse por mercados o donaciones destinadas a las familias y animales damnificados por el terremoto. Las donaciones pueden gestionarse a través de las bandas participantes o entregarse en los puntos aliados Lucky Cat Store, Oi Distro y Z4 Custom.

Esta acción solidaria hace parte del circuito y busca aprovechar cada fecha como un punto de encuentro para movilizar ayuda hacia las zonas afectadas, con especial atención a Chocó y a las comunidades que requieren apoyo.

Circulación, públicos y escena independiente

El circuito articula programación artística, producción técnica, gestión de públicos y trabajo conjunto con los espacios. Su propósito es sostener oportunidades de circulación para proyectos activos, fortalecer la relación entre las escenas y sus audiencias y generar condiciones de encuentro alrededor de la música en vivo.

Las fechas pagas mantienen valores de acceso entre $15.000 y $40.000, mientras que los Vol. 3 y Vol. 5 tendrán entrada libre. Esta combinación amplía las posibilidades de participación del público y permite que el circuito funcione con formatos distintos a lo largo de sus seis jornadas.

Un cierre especial para el Vol. 6

El sábado 3 de octubre, Boro Room recibirá el cierre del circuito con El Punto Ska presentando su nuevo álbum 'Contratempo'. La jornada contará además con Urban Noise, Los Candelarians, Desorden Social, una banda sorpresa y la selección de Big Dirty Beat.

Sobre El Concierskazo 

El Concierskazo es una iniciativa de circulación musical nacida en Bogotá que desarrolla espacios para las escenas ska, reggae, punk y músicas afines. Su trabajo combina producción de conciertos, gestión cultural, circulación de artistas y desarrollo de públicos, con una mirada centrada en la continuidad de la escena independiente y la articulación entre artistas, espacios y la escena independiente de la ciudad.

Rockout enciende el Velódromo Olímpico y perfila una ambiciosa segunda edición

La Ciudad de México vivió el nacimiento de una nueva plataforma para la música Punk, Ska y Hardcore con la primera edición de Rockout, que el pasado 2 de mayo tomó el Velódromo Olímpico y reunió a cerca de 8 mil personas en una jornada que, desde sus primeras horas, dejó claro que no se trataba de un intento más, sino de un festival con identidad, músculo y visión a largo plazo. La respuesta del público fue contundente: miles de asistentes se congregaron para convivir frente a un cartel que logró equilibrar nombres internacionales de peso con una representación sólida de la escena nacional.

El despliegue artístico estuvo encabezado por Bad Religion, cuya presentación se convirtió en uno de los momentos más potentes de la noche, reafirmando su lugar como una de las bandas más influyentes del Punk global. A su alrededor, la intensidad no bajó con las actuaciones de 2 Minutos, Save Ferris y Voodoo Glow Skulls, quienes mantuvieron al público en un estado constante de euforia entre coros, saltos y una energía colectiva que recorrió todo el recinto. La escena mexicana también tuvo un papel protagónico con la participación de Out of Control Army y Kotardo, que demostraron su capacidad de convocatoria y conexión frente a miles de asistentes.

Uno de los aspectos más celebrados de esta primera edición fue, sin duda, la organización. En contraste con otros eventos de gran formato, Rockout destacó por la puntualidad en sus horarios, que se cumplieron con rigor a lo largo de toda la jornada. Esta precisión permitió una experiencia fluida, sin tiempos muertos ni retrasos, generando una dinámica constante que favoreció tanto a artistas como al público. La sensación general fue la de un festival bien ejecutado, donde cada detalle respondió a una planeación previa cuidadosa.

La producción técnica acompañó este orden con un desempeño sólido. El audio se mantuvo claro y potente durante todo el día, incluso en los momentos de mayor exigencia sonora, mientras que la iluminación y el montaje escénico aportaron identidad visual sin distraer de lo esencial: la música. A esto se sumó una logística eficiente en accesos, servicios y circulación interna, lo que permitió que las 8 mil personas que se dieron cita pudieran disfrutar el evento con comodidad y seguridad.

Al término del festival, el balance fue ampliamente positivo. El público abandonó el Velódromo Olímpico con un evidente buen sabor de boca, reflejado en comentarios favorables y una sensación compartida de haber sido parte de un evento que superó expectativas. Más allá de la suma de bandas, Rockout logró construir una experiencia integral que conecta con una comunidad específica y exigente.

Con este arranque, el festival no sólo valida su propuesta, sino que abre una expectativa clara hacia el futuro. La conversación ya gira en torno a una segunda edición que promete ser aún más ambiciosa, con un line up de mayor alcance y nuevas sorpresas que podrían consolidar a Rockout como uno de los encuentros más relevantes dentro del circuito musical de la Ciudad de México. 

Bad Religion, 2 Minutos y Cock Sparrer encabezan Rockout 2026 en el Velódromo Olímpico

• El Festival Rockout llegará a la Ciudad de México, el sábado 2 de mayo de 2026 en el Velódromo Olímpico con un cartel que reúne figuras clave del punk, el hardcore y el ska internacional

• La venta de boletos ya se encuentra disponible en el sistema Superboletos

La Ciudad de México se prepara para recibir una de las reuniones más contundentes de la escena punk internacional de los últimos años. El próximo sábado 2 de mayo de 2026, el Velódromo Olímpico será la sede del Festival Rockout, un encuentro que reunirá a figuras históricas del género junto con representantes esenciales del circuito latinoamericano y una sólida presencia de bandas nacionales. Las entradas para esta jornada ya se encuentran disponibles a través del sistema Superboletos.

Más que un simple cartel de conciertos, Rockout se plantea como una cita generacional para el público que ha acompañado el crecimiento del punk durante décadas y para nuevas audiencias que han descubierto en este movimiento una forma de identidad cultural. La selección artística del festival responde a esa lógica: nombres que marcaron época conviven con agrupaciones que han mantenido vivo el pulso de la escena independiente en distintas latitudes.

Encabezando el festival aparece Bad Religion, una de las instituciones más influyentes del punk rock estadounidense. Desde su formación en California a principios de los años ochenta, la banda se ha distinguido por un repertorio que combina velocidad, contundencia melódica y un discurso crítico que aborda temas sociales, políticos y culturales. Su presencia en Rockout marcará su única presentación en México dentro de esta etapa de su trayectoria, lo que convierte su actuación en uno de los momentos centrales del encuentro.

Otro de los puntos más esperados del festival será la participación de Cock Sparrer. La agrupación londinense, considerada una referencia absoluta dentro del street punk y el Oi!, llegará a Latinoamérica por primera vez como parte de su gira de despedida. El hecho de que su debut en la región coincida con el cierre de su historia como banda añade una carga simbólica especial a su presentación, que promete convertirse en uno de los episodios más memorables del festival.

La presencia latinoamericana estará representada por 2 Minutos, banda originaria de Valentín Alsina, Argentina, que desde los años noventa se ha consolidado como uno de los pilares del punk en español. Con Walter “Mosca” Velázquez al frente, el grupo ha construido un repertorio que mezcla crudeza sonora con relatos urbanos cargados de ironía, inconformidad social y memoria de barrio, elementos que los han convertido en un referente indiscutible del género en el continente.

El cartel se complementa con propuestas que amplían el espectro sonoro del festival. Save Ferris aportará la energía característica del ska punk californiano, mientras que Doyle Wolfgang von Frankenstein, conocido por su papel en la historia de Misfits, llevará al escenario la estética oscura y contundente del horror punk. Ambos proyectos añaden nuevas texturas musicales a una jornada que promete recorrer diversas vertientes del rock alternativo.

En el apartado nacional, Rockout apuesta por visibilizar a algunas de las agrupaciones más representativas del circuito mexicano. Out of Control Army, Kotardo, Garrobos, Acidez, Natty Congo Crew, Ace Kool y Atoxxxico integran una alineación que refleja la diversidad y vitalidad de la escena local, un movimiento que durante décadas ha mantenido su independencia a través de la autogestión, los foros alternativos y la conexión directa con el público.

El festival también busca consolidarse como una experiencia cultural más amplia. Además de la música en vivo, el recinto contará con espacios dedicados a lucha libre, pista de skateboard, exhibiciones de tatuaje, juegos mecánicos y un pabellón especializado en cerveza artesanal, elementos que dialogan con distintas expresiones de la cultura urbana y alternativa.

La elección del Velódromo Olímpico como sede permitirá recibir a miles de asistentes en un espacio amplio, pensado para mantener la intensidad de los conciertos sin perder la cercanía que caracteriza a los encuentros de esta escena. Bajo esta premisa, Rockout 2026 se proyecta como una celebración de la historia del punk, pero también como un punto de encuentro para quienes continúan construyendo su presente.

El próximo 2 de mayo, el Velódromo Olímpico se convertirá en el epicentro de una jornada donde convergerán distintas generaciones de seguidores del punk, el hardcore y el ska. Los boletos para formar parte de esta experiencia ya se encuentran disponibles a través del sistema Superboletos.

Rockout México reúne a Bad Religion, Cock Sparrer y Evaristo en una jornada histórica

• El Festival Rockout llega a CDMX el sábado 2 de mayo de 2026, en el Foro Cuauhtémoc, ubicado dentro del Deportivo Cuauhtémoc, a 10 minutos de Parque Toreo Central y del Metro Toreo

• La venta de boletos ya disponible en el Sistema Superboletos. Descuento del 30% con tarjeta Stori en todas las zonas

La Ciudad de México se alista para vivir uno de los episodios más relevantes en la historia reciente del punk, el hardcore y el ska con la realización del Festival Rockout, programado para el sábado 2 de mayo de 2026 en el Foro Cuauhtémoc, ubicado dentro del Deportivo Cuauhtémoc, a pocos minutos de Parque Toreo y del Metro Toreo. Concebido como un proyecto con identidad, memoria y vocación cultural, el festival reunirá a algunas de las figuras más influyentes del género en una jornada que trasciende el formato de concierto para convertirse en un manifiesto generacional. La venta de boletos se encuentra disponible a través del sistema Superboletos. Con tarjeta Stori, los tarjetahabientes tendrán un descuento adicional del 30% en todas las zonas,

Encabezando esta edición histórica se encuentra Bad Religion, en lo que será su único show en México, una presentación que adquiere carácter de acontecimiento por su peso simbólico, artístico y político. Desde su formación en Los Ángeles en 1980, la banda transformó el punk en un vehículo de pensamiento crítico, articulando discursos sobre religión, poder, ética y alienación social sin renunciar a la velocidad ni a la contundencia sonora. Su regreso al país confirma una relación profunda con el público mexicano y coloca al Festival Rockout en una dimensión internacional desde su primera edición.

A este momento irrepetible se suma la participación de Cock Sparrer, quienes llegarán por primera vez a Latinoamérica en el marco de su gira de despedida. Su presencia representa un hecho histórico: será su adiós continental y, al mismo tiempo, un show único para toda la región. Pioneros del street punk británico, Cock Sparrer cerrará su trayectoria frente a una audiencia latinoamericana que, durante décadas, los ha adoptado como referente ético y musical, convirtiendo su actuación en uno de los momentos más emotivos del festival.

El cartel se fortalece con la presencia de Evaristo Páramos, quien llegará a México con un show especial centrado en el legado de La Polla Records y en un recorrido por los grandes himnos de su carrera. Su participación no sólo representa el regreso de una de las voces más influyentes del punk ibérico, sino también la continuidad de una tradición combativa que ha marcado a generaciones enteras en ambos lados del Atlántico. Su encuentro con Bad Religion simboliza el diálogo entre dos escuelas distintas, unidas por la misma urgencia de cuestionar y resistir.

La dimensión internacional del Festival Rockout se amplía con la inclusión de Save Ferris, una de las bandas más representativas del ska punk californiano, cuya energía festiva y actitud rebelde han conquistado escenarios de todo el mundo, y de Doyle Wolfgang von Frankenstein, guitarrista histórico de Misfits, cuya presencia añade una conexión directa con las raíces del horror punk y el hardcore estadounidense.

En el plano nacional, el festival consolida su identidad al integrar a proyectos fundamentales de la escena mexicana como Out of Control Army, una de las bandas más sólidas del ska contemporáneo; Kotardo, voz emblemática de Sekta Core; Garrobos, Acidez, Natty Congo Crew, Ace Kool y Atoxxxico, entre otras agrupaciones, que representan la fuerza, la persistencia y la autenticidad del circuito independiente nacional.

Este ensamble de talentos articula un recorrido sonoro que va del hardcore melódico al street punk, del ska al crust, del legado internacional a la resistencia local, construyendo una narrativa que reconoce el pasado sin renunciar al presente. Cada nombre del cartel aporta una pieza fundamental a este mapa cultural, donde conviven distintas generaciones, estéticas y discursos bajo una misma bandera: la música como herramienta de expresión, conciencia y comunidad. Adicional habrá juegos mecánicos, lucha libre, pista de skateboard, pabellón de cerveza artesanal y expo tatuajes.

Desde su concepción, el Festival Rockout nace con la intención de convertirse en un referente real de las diferentes escenas, alejándose de fórmulas pasajeras y apostando por una curaduría con sentido histórico y coherencia ideológica. La coincidencia en un mismo escenario de Bad Religion en su único show en el país, la despedida continental de Cock Sparrer, el regreso combativo de Evaristo, así como el horror punk de Doyle y una sólida representación nacional confirma que el proyecto no busca sólo convocar multitudes, sino construir memoria.

El próximo 2 de mayo, el Foro Cuauhtémoc se transformará en un espacio de distorsión, reflexión y catarsis colectiva. Será una jornada marcada por guitarras urgentes, letras incómodas y una comunión generacional que reivindica al punk como un lenguaje vigente. Rockout 2026 no es únicamente un festival: es un punto de encuentro entre historia, ideología y futuro, un acontecimiento irrepetible para quienes entienden la música como un acto de resistencia y una forma de vida. La venta de boletos se encuentra disponible a través del sistema Superboletos. 

Punk como terapia y provocación: Los Provos lanzan "Las Pulgas las Tienes Tú" en México

Desde la entraña de la Ciudad de México y sin pedir permiso, Los Provos irrumpen en la escena punk con el lanzamiento en México de su álbum debut "Las Pulgas las Tienes Tú", un manifiesto sonoro que no busca agradar ni acomodarse, sino decir lo que arde, lo que incomoda y lo que se queda atorado en la cabeza cuando el mundo aprieta demasiado. La banda nace en 2025 no como un ejercicio estético ni como un guiño nostálgico al pasado, sino como una forma de terapia: ruido como desahogo, canciones como válvula de escape y sarcasmo como arma principal.

"Las Pulgas las Tienes Tú" es un disco que escupe provocación con una sonrisa torcida. Cada canción funciona como una pedrada directa, sin rodeos ni discursos edulcorados. Los Provos le tiran a todo y a todos, sin excepciones ni zonas de confort, usando la ironía afilada, la burla frontal y una actitud que busca sacudir al escucha, obligarlo a reaccionar, a reírse o a incomodarse, pero nunca a quedarse indiferente. Aquí el punk no es pose ni museo: es urgencia, es presente y es una forma de decir “esto es lo que hay”.

El sonido que atraviesa el álbum se inscribe claramente en el punk rock ibérico: rápido, duro, ruidoso y sin ornamentos innecesarios. Canciones cortas, directas, con golpes que van a la cara y no piden permiso. La influencia de la ola del punk español es evidente y asumida con honestidad. Ecos de La Polla Records, Non Servium, Los de Marras y Boikot aparecen como referencias naturales, no como calco, sino como combustible para construir un discurso propio, adaptado al contexto y al pulso urbano de la capital mexicana.

El lanzamiento de este primer disco marca un momento clave para la banda, que no se detiene. Mientras "Las Pulgas las Tienes Tú" comienza a circular y a encontrar oídos atentos, Los Provos ya trabajan en nuevo material y refuerzan su presencia en vivo, entendiendo que el punk se confirma en el escenario, en el sudor compartido y en el contacto directo con la gente. Su actividad constante los ha llevado a tocar en festivales y a abrir conciertos para bandas fundamentales del punk español, ampliando su alcance y consolidando su lugar dentro de la escena.

En vivo, Los Provos son una descarga continua. No hay pausas innecesarias ni poses ensayadas. El show es frontal, sincero y cargado de energía, con una mezcla de fuerza y humor que conecta de inmediato con el público. Incluso quienes los ven por primera vez terminan absorbidos por la vibra: cantando, riéndose y entendiendo que están frente a una banda que dice lo que piensa a volumen alto, sin filtros y sin pedir disculpas.

Su participación en dos ediciones del Festival Transgresivo y el haber compartido escenario con agrupaciones como Los de Marras, Malos Vicios, Txapelpunk, Barracuda y El Último Ke Zierre refuerzan el carácter de una propuesta punk honesta, directa y sin concesiones. "Las Pulgas las Tienes Tú" no es sólo un álbum debut, es una declaración de principios: el punk sigue vivo, incómodo y necesario, y Los Provos están dispuestos a recordarlo canción tras canción. 

Ska Punk Reggae Parties 2026: un circuito de seis fechas para fortalecer la escena independiente en Bogotá

Bogotá se prepara para vivir el Ska Punkie Reggae Parties 2026, un circuito de seis conciertos que reunirá a destacadas agrupaciones de ska, punk y reggae, junto a nuevas propuestas de la escena independiente.

El circuito se desarrollará entre el 31 de enero y el 28 de marzo de 2026, en alianza con tres espacios clave para la música alternativa de la ciudad: Boro Room, Latino Power y Relevent Music Hall, todos ubicados en Chapinero.

El proyecto es una iniciativa liderada por El Punto Ska, agrupación ganadora de la Beca LEP Rutas Culturales 24/7 de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte (SCRD). Además de su trayectoria artística, El Punto Ska cuenta con una experiencia consolidada como productor cultural, siendo responsable de proyectos como el Ska Para Todos Fest y El Concierskazo Fest, cuya próxima edición se realizará el 1 de marzo de 2026 en el Teatro al Aire Libre La Media Torta.

Un circuito construido desde la escena

El Ska Punkie Reggae Parties 2026 nace a partir de una convocatoria abierta impulsada por iniciativa propia, con la intención de escuchar a la escena, conocer nuevos proyectos y ampliar el diálogo con artistas no sólo de Bogotá, sino también de otras latitudes. La convocatoria recibió 58 proyectos inscritos, de los cuales fueron seleccionados 20 artistas mediante un proceso de evaluación claro y transparente. A estos se suman 4 artistas invitados, quienes participarán en la fecha especial Vol. 3 (21 de febrero).

Cada fecha del circuito contará con un cartel compuesto por una banda de ska, una de reggae, una de punk y un DJ, promoviendo el cruce de públicos, la circulación real de los proyectos y el fortalecimiento de la comunidad musical alternativa.

Carteles por fecha

Vol. 1 – 31 de enero | Boro Room

Ley Ska (Ska) · Asamblea Feeling Roots (Reggae) · Los Sordos (Punk) · Mr Tosh (DJ)

Vol. 2 – 14 de febrero | Latino Power

Big Beaters (Ska) · Los Makonnen (Reggae) · Dosiis (Punk) · Diego 25 (DJ)

Vol. 3 – 21 de febrero | Boro Room

El Punto Ska (Ska) · Alto Grado (Reggae) · Chite (Punk) · Fat Bastard (DJ)

Vol. 4 – 28 de marzo | Relevent Music Hall

Atrapamoskas (Ska) · Los Candelarians (Reggae) · Los  Highros (Punk) · Matjahman (DJ)

Vol. 5 – 14 de marzo | Latino Power

La Farsa (Ska) · Juan Camacho & La Roots Stop (Reggae) · Kaoz Kapital  (Punk) · La Calandria (DJ)

Vol. 6 – 21 de marzo | Relevent Music Hall

Dama Juana (Ska) · Fausto Moreno (Reggae) · Lost Take (Punk) · Zeta Pe (DJ)

Estas alianzas con los venues buscan garantizar condiciones técnicas adecuadas, buen sonido, organización profesional y una experiencia respetuosa tanto para artistas como para públicos, reafirmando el compromiso del circuito con el bienestar de quienes hacen parte de la escena.

Precios y puntos de venta

Uno de los pilares del Ska Punkie Reggae Parties 2026 es facilitar el acceso del público a los conciertos. En todas las fechas, la boletería tendrá un valor de $30.000 + servicio en preventa y $40.000 en taquilla. Se incluye cerveza.

Además, el circuito ofrece una promoción especial para quienes quieran vivir la experiencia completa:

Entrada a los seis conciertos por $170.000 + servicio, promoción que incluye seis cervezas.

Las boletas pueden adquirirse en los siguientes puntos físicos:

• Secta Colectiva – Carrera 17 #61A-40

•La Valija de Fuego – Carrera 7 #45-52, Local 3

•Fun Skateboards – Cra. 27A #52A-13

•Oi! Distro

También se puede obtener información y realizar la compra de boletería y promociones escribiendo al WhatsApp 310 493 8907.

Sana convivenvia, no al Fascismo

Desde su concepción, el Ska Punkie Reggae Parties se plantea como un espacio antifascista, respetuoso y libre de cualquier forma de discriminación, alineado con el espíritu histórico del ska, el punk y el reggae como músicas de resistencia, encuentro y comunidad.

Al respecto, Pablo Marroquín, Productor General del circuito e integrante de El Punto Ska, señala:

"Este circuito nace desde la experiencia real de estar en la escena: tocar, producir, girar y entender lo difícil que es sostener un proyecto independiente. Nos alegra ver cómo la escena está cada vez más fuerte y diversa. La invitación es a vivir estos espacios en paz, con respeto, entendiendo que la música también es una forma de unión y de postura frente a lo que pasa a nuestro alrededor. Hoy más que nunca necesitamos comunidad, apoyo mutuo y espacios donde la diferencia sume".

Con seis fechas, más de veinte proyectos en tarima, más de 100 artistas músicos en tarima y una apuesta clara por la circulación real e independiente, el Ska Punkie Reggae Parties 2026 se consolida como uno de los circuitos más importantes del primer semestre del año en Bogotá.

Sigue a Ska Punk Reggae Parties en sus redes sociales:

(video) Distópxica presenta 'Arde' Una canción de protesta y revolución con inteligencia

Es una canción para cuando necesitas valentía: para levantar la voz, salir del miedo y recordar que tu tiempo es limitado, pero tu fuego no.

Distópxica es una banda de rock de Bogotá y, al tiempo, un proyecto de reflexión crítica. Usan la música para hablar de las toxicidades de los tiempos actuales, la crisis ecológica, la desigualdad, la migración, la violencia y la resistencia. Cada canción es un mapa emocional: no dan respuestas fáciles, abren preguntas incómodas y recursos para habitar la incertidumbre con dignidad.

Distópxica es la mezcla entre distopía, territorio y toxicidad entendida como catalizador de cambio. No es sólo un nombre, es un manifiesto: incomodar para transformar. Es un núcleo conformado por Javier Vaca, voz y letras; Sergio Moreno, guitarra y coros; y Gabriel García, sintetizadores y guitarra.

La intención de su propuesta musical es simple y, al mismo tiempo, agresiva: usar el rock como laboratorio de conciencia. Distópxica es un cruce de caminos a nivel sonoro. La base es la intensidad del rock y del metal, pero dialoga con el punk, la energía de la salsa, la cadencia de la cumbia y la tradición de la canción latinoamericana de denuncia.

"No hacemos "música de protesta" en el sentido tradicional; trabajamos una especie de arqueología emocional del presente. Tomamos temas pesados —crisis ecológica, desigualdad, violencia estructural— y los traducimos en canciones que puedan ser gritadas en un pogo, pero que también resistan una lectura intelectual", cuenta la agrupación colombiana.

"Buscamos transformar el trauma ecológico y social en comprensión, motivar la duda y generar incomodidad constructiva. Denunciamos sin caer en el panfleto porque nuestras letras están pensadas para perdurar, para seguir insistiendo en algo dentro de diez o veinte años", agrega.

'Arde' es lo nuevo de Distópxica, una canción que nace de la necesidad de replantear la forma en que se entiende la rabia y la protesta. Habla de alguien que ha marchado, que ha enfrentado gases, balas y persecuciones políticas, pero que decide que su verdadero campo de batalla es el aula, el conocimiento y la organización social.

El tema cruza varias capas: educación como arma, revolución, raza, memoria, supremacías que se jactan de intocables y culturas que se niegan a desaparecer. Es una invitación a incendiar lo que oprime, no existe nada más incendiario que los argumentos, el pensamiento crítico, la comunidad y su acción colectiva.

"Cuando decimos "La educación es el arma de mi raza", estamos diciendo que no queremos más generaciones entregadas al plomo; queremos generaciones armadas de libros, preguntas y conciencia", enfatiza la banda bogotana.

'Arde' mezcla rock, punk y metal con una cadencia de salsa marcada en la voz. Se siente ecos de bandas como Rage Against the Machine y The Mars Volta en la energía y la estructura, pero filtrados por la realidad bogotana y latinoamericana. Distópxica también se nutre de músicas de raíz, de los ritmos de calle, de la sonoridad de los barrios y de la historia política reciente de Colombia.

El video toma un lugar aparentemente neutro —una oficina de un corporativo real— y lo convierte en escenario de resistencia. Ese espacio de trajes, escritorios y reuniones se transforma en un coro de voces que ya no hablan de ventas, sino de dignidad.

La historia gira alrededor de esa tensión: gente común, en un entorno cotidiano, que decide levantar la voz, cantar y ocupar el lugar como si fuera un escenario. Visualmente juega con la idea de que la revolución no siempre está en la calle; también puede empezar en el pasillo de una oficina, en un aula, en cualquier espacio donde la gente se organice o trabaje.

Para la banda, "el mensaje es claro: si el sistema nos encierra, convertimos ese encierro en eco. La educación, la palabra y la comunidad son las armas que cargan la canción y la imagen".

La canción, producida por Baltika Records, está construida sobre batería, bajo, guitarras y coros reales grabados en una oficina corporativa llamada "Visionarios" (empresa BHIP), el mismo espacio donde se filmó el video con el fin de que sonara a gente real, en un lugar donde normalmente se habla de metas y cifras, no de revolución.

"Más que números, esperamos que 'Arde' se convierta en mantra: que la gente la use para marchar, para entrenar, para ir al trabajo teniendo muy presente que su tiempo vale más que cualquier campaña de marketing. Queremos que la canción abra conversaciones sobre educación, racismo estructural, supremacía y colonialidad, pero también sobre orgullo de raza y cultura. Esperamos que funcione como puerta de entrada al universo de Distópxica y al álbum completo 'Distopía Tóxica', tanto en Colombia como en otros territorios de Latinoamérica", enfatiza la agrupación.

'Arde' es la pista número 5 del disco debut de Distópxica titulado 'Distopía Tóxica', un trabajo de 11 canciones cuyo eje conceptual se ve incluso en el arte: la portada muestra un mundo en destrucción, mientras la contraportada propone un horizonte de esperanza. El álbum recoge historias de colapso y resistencia y las ordena en un viaje: del territorio herido a la posibilidad de transformación.

Para el próximo año, Distópxica estrenará el disco en el mes de enero, lanzará dos nuevas canciones y presentará una versión acústica del álbum en formato íntimo.

"Es importante descubrir a Distopxica en Colombia y Latinoamérica porque contamos la distopía desde adentro: desde un país atravesado por guerra, desplazamiento y resistencia. Ofrecemos una lectura propia de ese caos, una mezcla rara de rigor conceptual, lenguaje callejero y sonido pesado, hecha para este tiempo y esta región. En un continente saturado de discursos vacíos, creemos que es urgente defender proyectos que apuestan por la denuncia, la memoria, la crítica y la herencia", concluye la banda colombiana.

Sobre Distópxica

La propuesta nace en 2010 como una bitácora de escritos de Javier Vaca que luego se convirtieron en canciones. Tras varias formaciones y la sacudida de la pandemia, en 2022 se consolida la banda actual bajo el nombre Distópxica, un neologismo construido como una ecuación: DIS–TOP–XICA.

DIS viene de "difícil / incómodo": es la disfunción, la grieta, lo que no encaja y nos obliga a cuestionar.

TOP viene de topos, "lugar": el territorio físico, social y mental donde se siente el colapso, las ciudades, los barrios, los cuerpos.

XICA viene de "tóxico", del veneno en la punta de la flecha: la incógnita, lo impredecible, eso que puede destruir o transformar según cómo se use.

Distopxica es entonces la mezcla entre distopía, territorio y toxicidad entendida como catalizador de cambio. No es solo un nombre, es un manifiesto: incomodar para transformar.

La formación actual del grupo es un trío alineado con su ecuación conceptual: Javier Vaca – Voz y letras (vértice XICA): el que pone la palabra, la duda y la herida que arde. Sergio Esteban Moreno – Guitarra y coros (vértice DIS): la crítica directa, el filo, la distorsión que incomoda. Gabriel García – Sintetizadores, guitarra y mezclas (vértice TOP): quien moldea el territorio sonoro, las atmósferas y el mapa donde ocurre todo. El proyecto tiene dos colaboradores clave: Baltika Records en la producción, mezcla y masterización; y Johan Echeverry en la producción audiovisual.

Sigue a Distópxica en sus redes sociales

(vídeo) Sad house para aprender a soltar: Revegian estrena "QMRNOOOS"

• El músico penquista siempre plasmando nuevas ideas sonoras se aleja en esta oportunidad de su recién estrenado álbum con un single alternativo que invita a olvidar.

El joven artista oriundo de Concepción, Revegian, a sus 17 años ya cuenta con 21 canciones, dos EP, dos sencillos, diversos videoclips y hasta un álbum llamado Bouquet, trabajos que navegan entre el post punk, alt y funk.

Ahora, inspirado en sus estilos personales, el también multinstrumentista se reencuentra por medio de "Quemarnos" con el pop -algo más alternativo- y toques de sad house, buscando captar nuevas audiencias. 

"Estoy componiendo, mezclando por mi cuenta y eso me ha llevado a cosas buenas como los singles que estoy lanzando y siento muy míos", adelanta Gian Franco. 

Desde el aspecto técnico, este nuevo sencillo tiene una duración de 2 minutos con 43 segundos de tecno pop, toques chill y ambient, disponible en todas las plataformas de reproducción musical como Spotify, Deezer o a través del canal de YouTube de Revegian.

"'QMRNOOOS' es una canción melancólica, para mí, una pieza que viene del miedo a perder; hablando sobre el futuro y también acerca del pasado, cosas que uno sobre piensa muchas veces", reflexiona Reve.

Finalmente, en cuanto a la portada del single, esta es una creación del propio artista con ayuda de la inteligencia artificial, donde quiso que la imagen se relacionara fielmente al título, dejándose ver una pareja envuelta "como una sola llama".

OMV RADIO recomienda: (vídeo) La banda de rock colombiana Voltana, le canta a la salud mental y emocional en 'Rainy Night'

Voltana es una banda de rock colombiana que nace en 2023 de la necesidad de expresar vivencias, emociones e identidades a través del arte y la música. Desde el inicio, cada integrante ha aportado sus fortalezas y enfrentado sus falencias, lo que les ha permitido crecer individual y colectivamente.

La banda conformada por Paula Rodríguez [voz], William Bastian [bajo y coros], Caam [guitarra y coros] y Diego Caputo [batería], se describe como energía, pasión y rebeldía. Es terquedad con un propósito, convicción con causa. Es seriedad y respeto por un proyecto que trasciende la música: una lucha colectiva hacia una misma meta. Nacida del amor por el rock, en un entorno donde las oportunidades escasean, Voltana es un grito frente a la adversidad. Una declaración firme de que, pese a los obstáculos, lo único que realmente importa son los sueños, esos mismos que muchos dijeron que jamás se podrían alcanzar.

"Voltana significa "voltaje": una carga de energía que nace de la presión que enfrentamos como seres humanos como: problemas laborales, personales o emocionales. Todo eso se transforma cuando entra la música. A través de ella, canalizamos esa tensión para convertirla en expresión, en arte. Los integrantes se conectan con esa energía, y juntos la hacen fluir en cada canción, transmitiendo al público con autenticidad y fuerza", comenta el grupo bogotano cuya intención principal es crear una propuesta versátil dentro del rock, tomando diferentes décadas del género y plasmándolo en un proyecto innovador, con una puesta visual atrevida y enérgica.

"A través de nuestras canciones queremos transmitir mensajes de confianza y de creer en sí mismo. De soñar, de hacer un llamado a no rendirse, de transformar la adversidad en fuerza para seguir luchando por los sueños. También hablamos sobre la fragilidad humana, sobre los momentos en los que todo parece perdido y oscuro, pero al final podemos levantarnos y encontrar esperanza", agrega la agrupación con influencias de Bon Jovi, Guns N' Roses, Mötley Crüe, Foo Fighters, Stone Temple Pilots, The Killers, Maneskin y The Warning.

'Rainy Night' es lo nuevo de Voltana, una canción cuya historia nace de una vivencia real de uno de sus integrantes. Durante un momento crítico de su vida, todo pareció desmoronarse: la falta de sentido, el peso de los problemas y la carga emocional lo llevaron a un vacío del que no veía salida, un lugar sin fin ni luz. Habla de cómo la depresión puede apoderarse del ser humano y llevarlo al límite, hasta el punto de pensar en quitarse la vida. También refleja cómo muchas personas pueden estar viviendo un infierno interior sin que nadie lo note. Es una canción que acompaña en la tormenta, pero también invita a encontrar luz en medio de ella.

'Rainy Night' es una crítica a la problemática de la salud mental y al estigma que aún existe al buscar ayuda psicológica, ya que todavía hay quienes creen que ir al psicólogo significa estar "loco", pero la salud emocional es tan importante como la física y merece cuidado y comprensión. La lluvia en la canción simboliza ese estado emocional: la melancolía, la fragilidad y, al mismo tiempo, la posibilidad de detenerse, abrazarse a sí mismo y enfrentar los propios demonios para seguir adelante.

La canción explora sonidos rock de varias épocas, desde los 70s hasta la actualidad, dándole una riqueza sonora tanto en la parte armónica como en la melódica y rítmica, mezclando elementos de hard rock, punk, funk, soul y pop generando un ambiente de melancolía y un efecto sonoro especial de emocionalidad dentro de la canción.

"Esperamos conectar de manera profunda y sincera con quienes atraviesan momentos difíciles, acompañándolos a través de nuestra música. Queremos abrir un espacio de empatía y reflexión sobre la salud mental, derribando estigmas y promoviendo el diálogo. Musicalmente, buscamos que esta canción llegue a nuevas audiencias y muestre la evolución y madurez de Voltana como banda. Al ser una canción en inglés, representa una puerta para llegar a oyentes internacionales, sin embargo, también anhelamos consolidarnos a nivel nacional", enfatiza la banda capitalina.

El vídeo de 'Rainy Night' está ambientado en un centro de salud mental y muestra la historia de una mujer sola bajo la lluvia y deambula por las calles en un momento de profunda tristeza. Al tomar unas pastillas, escucha un grito que la lleva a un hospital psiquiátrico, donde pasa sus días internada. Aborda los procesos que una persona puede vivir durante una depresión, cuando la vida parece perder sentido y el grito interno por encontrar una solución inmediata la lleva a ese punto extremo.

El concepto de la canción y el vídeo busca mostrar cómo las personas pueden llegar al límite emocional y ser aisladas "por su propio bienestar". Al mismo tiempo, es una crítica a que cualquiera puede encontrarse en esa situación. De hecho, el clip también muestra cómo el propio psiquiatra depende de sus medicinas para estar bien y atender a sus pacientes.

"Queremos generar conciencia sobre la salud mental y cómo emocionalmente lidiamos con diferentes roles y expectativas sociales que a menudo crean brechas innecesarias y aumentan el desespero", enfatiza Voltana.

Es una canción perfecta para esos momentos en los que sientes que el peso de la vida es más fuerte que tú. Cuando estás cansado de buscar una salida y no la encuentras, cuando nadie parece entender cómo te sientes o cuando la esperanza parece haberse ido. También cuando quieres mirar atrás, recordar ese proceso tan difícil y abrazarlo, tomar fuerza de él y seguir adelante.

'Rainy Night' es el tercer sencillo del EP debut de Voltana titulado 'Resilience', un trabajo de cinco canciones de las cuales actualmente tres ya están disponibles en plataformas digitales. Los restantes sencillos que completan el EP serán lanzados en los próximos meses. Se espera que la banda publique el EP en su totalidad a finales de noviembre.

La portada del sencillo y del EP busca representar el caos mental que puede habitar dentro de una persona. Sin embargo, ese caos no es solo desorden, sino también una fuente de fuerza y luz. Cada canción del EP tiene colores dominantes que expresan distintas sensaciones, y esta portada recoge esa paleta para representar visualmente ese viaje emocional.

"Queríamos transmitir la idea de resiliencia: la confianza en uno mismo para transformar el caos interno en poder personal. Por eso, la imagen muestra un rostro con los ojos cerrados, simbolizando la introspección y el trabajo interno, mientras que en el centro se concentran múltiples elementos y colores que reflejan la complejidad emocional", menciona la banda.

'Amor calcinado' es otro de los sencillos recientes de Voltana, una canción que nace de una experiencia personal y visceral muy profunda. Trata sobre una relación amorosa que terminó de forma intensa y destructiva, sin posibilidad de vuelta atrás, refleja una lucha interna entre el dolor de pérdida, la necesidad de salir adelante y el camino hacia la sanación.

El título en sí es una metáfora fuerte: un amor que ardió tanto que terminó reducido a cenizas, pero dejando claro que de la más profunda tristeza puede emerger una gran fuerza que ayuda a mantenerse en pie e impulsa a salir adelante.

La canción explora sonidos de hard rock, funk y pop con una marcada influencia de rock moderno con melodías fuertes y emocionales, riffs de guitarras potentes, líneas de bajo elaboradas y una batería dinámica que le dan un sonido con una atmósfera especial al sencillo.

Según los integrantes de Voltana, "las temáticas del EP giran en torno a la depresión, la resiliencia, la fuerza y la firmeza para enfrentar las dificultades. Más allá de lo que pase, el mensaje central es la importancia de confiar en uno mismo. Queremos compartir con nuestro público la idea de que la música puede ser un refugio, y nosotros aspiramos a que lo puedan encontrar en nuestra música"

"Somos una banda que busca conectar genuinamente con el oyente, reflejando la lucha constante de equilibrar la vida personal con el sueño de entrar al mundo artístico profesional. Somos el grito de rebeldía para quienes no han creído en nosotros, la voz que desafía las adversidades y transforma el dolor en fuerza. Traemos un sonido de rock fresco y actual, dirigido a las nuevas generaciones, con una propuesta auténtica que mezcla pasión, resiliencia y un compromiso total con la calidad. Nuestra música no solo busca ser escuchada, sino sentida; y nuestro performance en el escenario genera una conexión real con el público para que se identifiquen con nuestras letras y emociones. Escucharnos es unirse a un movimiento de resistencia, de lucha y de esperanza, donde la música es el refugio y la fuerza para seguir adelante", concluye Voltana.

Escucha 'Rainy Night' de Voltana en tu plataforma musical favorita:

Sigue a Voltana en sus redes sociales:

La furia y la memoria: Garrobos celebra "Sacude el Cráneo" en el Museo del Pulque y Foro Bizarro

• Se presenta el jueves 18 de septiembre en el Museo del Pulque y, además, el sábado 20 de septiembre en el Foro Bizarro

En el pulso intenso y siempre insurgente del rock mexicano, hay nombres que resuenan como cicatrices sonoras, marcas indelebles en la memoria de las calles, de los foros sudorosos y de la hermandad que se forja a base de distorsión y verdad. Garrobos es uno de esos nombres. Nacida en 1996, esta banda mexicana, curtida en el cruce eléctrico entre el metal y el hardcore, ha defendido durante casi tres décadas un mensaje que es más que música: igualdad, fraternidad y resistencia para todas las tribus subterráneas del rock. Ahora, regresan a escena con un gesto que honra la raíz y la memoria: la reedición especial, en formato físico y limitado, de "Sacude el Cráneo", su emblemático álbum lanzado originalmente en 1997, convertido en pieza de culto para coleccionistas y melómanos del punk y el metal nacional.

La figura de Garrobos trasciende su propuesta sonora, pues desde su primer sencillo "Paredes" fue declarado grupo revelación en MTV’s Headbanger’s Ball y logró captar atención internacional, lo que cimentó su condición de puente entre la escena mexicana y el metal latino emergente. Su segundo disco, "Sacude el Cráneo", no sólo se ubicó entre los diez mejores grupos de rock en español, también fue nominado por MTV como mejor video de metal latino. La banda continuó su ascenso con giras intensas, encabezando el Aztlan Fest a lo largo de estados Unidos y el norte de México en 2002, y compartiendo escenario con leyendas como Metal Church, Death Angel, Brujería, El Tri, Misfits y Angéles del Infierno.

Pero más allá del ruido y el impacto inmediato, Garrobos representa una escuela de resistencia y autenticidad. Su propuesta, una fusión visceral de punk, metal y rock pesado, ha sido descrita como , donde el mensaje no se diluye en la pose, sino que emerge directo, a la garganta, convocando una comunión entre bandas y audiencias diversas. Además, su influencia es tangible en las nuevas generaciones: en palabras del vocalista “Lagarto”, muchos jóvenes músicos confiesan que su primer contacto con la música fue gracias a Garrobos, y hoy ellos mismos forman parte de nuevas bandas de punk o metal.

Esta reedición llega gracias a la visión y empeño de Bambam Records, sello que, bajo la batuta de Israel Olguín, se ha consolidado como el más importante y prolífico en México dentro de estos géneros, sosteniendo con pasión la llama encendida de las producciones físicas y de alta calidad. El nuevo "Sacude el Cráneo" se presenta como un doble disco compacto que contiene no sólo las canciones originales, sino también versiones demo, grabaciones en directo nunca antes editadas y rarezas que capturan el espíritu irrepetible de la época en que el álbum nació. A ello se suma un booklet de más de 20 páginas que narra con detalle el contexto, las vivencias y la efervescencia de aquel momento, convirtiendo esta edición en un documento histórico y afectivo para quienes vivieron, y para quienes quieren conocer, la fuerza de Garrobos en su estado más puro.

El lanzamiento tendrá dos presentaciones oficiales, cada una con su propia alma. La primera será el jueves 18 de septiembre en el Museo del Pulque, ubicado en Avenida Hidalgo 109, colonia Guerrero, en pleno Centro Histórico de la Ciudad de México, a partir de las seis de la tarde. Con un costo de preventa de $150.00, esta velada reunirá en un mismo escenario a Garrobos junto a Alta Tensión y Vleizer, para un encuentro sonoro donde el rugido del metal y la fiereza del hardcore harán vibrar los muros de uno de los recintos más icónicos para la cultura popular de la capital.

La segunda fecha, el sábado 20 de septiembre, será en el Foro Bizarro, en Yucatán No. 10, esquina Álvaro Obregón, colonia Roma, justo a un costado del Metrobús Álvaro Obregón. Allí, con el mismo precio de preventa de $150.00, la noche se expandirá en un cartel múltiple y explosivo: además de Garrobos, que interpretará un repertorio distinto al de la primera fecha, estarán Los Carnash, presentando también nuevo disco; Hospital X, igualmente con estreno discográfico; la energía de Pai Pai; y un DJ set con viniles a cargo de Ruin Andrade y Bambam Records, hilando la noche con joyas de colección.

En ambas presentaciones, Garrobos ofrecerá algo más que un concierto: será un viaje a un tiempo en que Sacude el Cráneo no únicamente era un título, sino una consigna para romper inercias, para desafiar lo establecido y para fundirse con el sonido como un acto de comunión. Con más de veinte años de historia, este álbum ha sobrevivido al paso del tiempo porque no es solo música: es memoria, es identidad y es el eco de una generación que aprendió que la furia también puede ser un acto de amor.

Bambam Records y Garrobos demuestran, una vez más, que en el punk y el metal mexicano la independencia no es una pose, sino una forma de vida. Y que mientras existan foros, sellos y bandas que crean en el poder de la música como resistencia, el cráneo seguirá sacudiéndose al compás de guitarras afiladas, bajos densos y baterías que laten como un corazón colectivo.

El rock no pide permiso: Cuca regresa a La Maraka con Riesgo de Contagio

• El concierto se llevará a cabo el viernes 28 de noviembre de 2025 a las 8pm en el Centro de Espectáculos La Maraka

• Los boletos para este evento están disponibles en Boletia

Hay noches que no se anuncian, se presienten. Noches que se gestan en la entraña de la historia y en la sed insaciable del público por reencontrarse con aquello que les hizo vibrar desde la primera distorsión. La Ciudad de México se prepara para una de esas citas sagradas: el próximo viernes 28 de noviembre de 2025, Cuca, una de las bandas más legendarias y crudas del rock mexicano, regresa al escenario de La Maraka para ofrecer un espectáculo que será cicatriz y celebración, a la vez. A su lado, compartiendo esta comunión eléctrica, estará otra agrupación de culto: Riesgo de Contagio, firmando con ello una velada que quedará impresa en la memoria sonora de todo un país. Los boletos están ya disponibles a través de Boletia, y cada uno encierra una promesa de redención colectiva.

Cuca no se presenta: se invoca. Se convoca como a los dioses antiguos, con respeto y con ansias. Desde su irrupción en 1989, con la voz grave e incendiaria de José Fors al frente, esta banda nacida en Guadalajara supo trastocar los límites de la corrección, dinamitar el conservadurismo desde la sátira y convertir la furia en poesía rasposa. Su rock nunca ha sido complaciente: es rudo, carnal, provocador. Es espejo incómodo de un país que no siempre quiere verse reflejado, pero que no puede apartar la mirada. Cuca canta al deseo, a la frustración, a la rabia social y a la carne sin metáforas. Y lo hace con una honestidad brutal que ha forjado, a lo largo de más de tres décadas, una de las trayectorias más imponentes del rock en español.

El 28 de noviembre será una noche marcada por la espera que se alarga y el deseo que se agudiza. Tras un aplazamiento inevitable por motivos de salud, el regreso de Cuca se vuelve aún más simbólico: no es sólo una reprogramación, es una reafirmación. La banda vuelve no a saldar una deuda, sino a encender una hoguera en la que todos estamos invitados a arder. Las paredes de La Maraka vibrarán con canciones que ya no pertenecen a un tiempo ni a un álbum, sino al ADN emocional de generaciones enteras: temas como “La Balada”, “Tu Flor”, “El Son del Dolor” o “Señorita Cara de Pizza” se alzarán como gritos de guerra, himnos de una irreverencia lúcida que nunca ha pedido permiso para sonar.

A este aquelarre se suma Riesgo de Contagio, banda icónica surgida en los años noventa y que dejó una huella imborrable en la escena alternativa del país. Dueños de una propuesta que cruzó con desparpajo el ska, el punk, el reggae y el rock más ecléctico, fueron siempre una bomba de creatividad y energía, una bocanada de aire sucio y necesario en un panorama dominado por lo convencional. Con letras agudas, fiestas sonoras sin censura y una puesta en escena explosiva, Riesgo de Contagio se convirtió en emblema de la rebeldía y la experimentación, abriendo puertas que aún hoy otras bandas transitan con respeto. Que estén de regreso junto a Cuca no es casualidad: es una conjunción de potencias que comparten la osadía, la trayectoria y ese don de conectar con la entraña de su audiencia.

La Maraka se transformará esa noche en más que un foro: será santuario del desahogo, del éxtasis y la resistencia. La cercanía del público, la arquitectura vibrante del recinto y el espíritu ardiente de dos bandas míticas convertirán ese viernes en una experiencia que trasciende lo musical. Será un pacto entre artistas y público, entre guitarras y gargantas, entre memoria y presente. 

Porque el rock mexicano, cuando se manifiesta en su estado más puro, no busca agradar: busca despertar. Busca morder, provocar, incendiar. Y eso es precisamente lo que harán Cuca y Riesgo de Contagio: prenderle fuego al alma de los que saben que la música no es fondo, sino forma de vida.

Este 28 de noviembre, el rugido será colectivo. El escenario, sagrado. Y el grito, eterno.