Impacto: Cuentan con una sólida base de fans de más de 1 millón totales entre plataformas digitales y redes sociales
Último lanzamiento: “Qué Hacemos”, single que salió a la luz en mayo de este año en colaboración con Los Enanitos Verdes
Imperdibles: Temas como “La Magia”, “Azul”, “TQM” ft. Elsa y Elmar & Ximena Sariñana, “Fuera de Lugar” y “Cabras”, son de sus canciones con más reproducciones en plataformas digitales
Debido al increíble éxito que tuvieron las cinco noches en el Lunario del Auditorio Nacional como parte de la celebración de La Fiesta del Río Salvaje, ¡Little Jesus tendrá una nueva escala, ahora en el Teatro Metropólitan, para conmemorar el aniversario de este disco que marcó un parteaguas en su carrera! Por una noche más, la banda interpretará Río Salvaje de principio a fin, sumando diez canciones adicionales a modo de complacencias. Esta noche será distinta a las cinco ya vividas, con repertorio diferente e invitados especiales. Además, como parte de esta celebración, se lanzó por primera vez en la historia de Río Salvaje, su edición en vinil.
La LJ ha redefinido el sonido indie en Latinoamérica desde su formación en 2012 y continúa consolidándose como uno de los proyectos musicales más influyentes de la última década. Originarios de la Ciudad de México, el grupo integrado por Santiago Casillas (voz), Juan Manuel “Truco” Sánchez Rucobo (batería), Fernando “Poni” Bueno (guitarra), Arturo “Chimo” Vázquez-Vela (teclados) y Carlos “Charls” Medina (bajo), ha logrado crear un estilo propio que fusiona indie rock y pop alternativo, posicionándose como referentes en la escena nacional e internacional.
Con una propuesta fresca y letras cargadas de metáforas sobre el amor, desamor y nostalgia, Little Jesus ha capturado a una audiencia joven que encuentra en su música una mezcla única entre energía, sensibilidad y autenticidad. Con la presentación de La Fiesta del Río Salvaje, sus seguidores podrán escuchar en vivo el álbum completo que fungió como parteaguas en su carrera. La mejor parte, es que no lo harán solos, contarán con la inigualable presencia de Big Big Love, Los Blenders y Los Románticos de Zacatecas, ¡y se suman a la fiesta Clubz (quienes tocarán su disco Texturas) y No Somos Marineros!
Su consolidación internacional también es notable con presentaciones en festivales importantes como: Vive Latino, Tecate Pa’l Norte, NRMAL, SXSW (Estados Unidos), BIME (España), Lollapalooza (Argentina), además de giras en Estados Unidos y en algunos países de Latinoamérica y Europa. En 2025 se presentaron en un Palacio de los Deportes abarrotado, donde cada rincón del Domo de Cobre coreó con ellos sus canciones. Ahora, con el décimo aniversario de Río Salvaje, regresan a un evento parecido donde todo comenzó: algo más íntimo que les permitirá estar más cerca del público.
Río Salvaje representó una importante expansión del sonido de Little Jesus. Incorporaron nuevas texturas, sonidos más atmosféricos y una narrativa sonora más madura. Este álbum formó parte de una etapa donde la banda consolidó su identidad dentro del indie latino, mezclando influencias del pop, rock y elementos electrónicos, característica que marcó su evolución artística. Además, en este disco nacieron himnos que hoy día siguen presentes en las playlist, como: “La Magia”, “TQM” (ft. Elsa y el Mar y Ximena Sariñana), “Mala Onda” y “Niña Bien”.
Radiografía musical:
Con 14 años de trayectoria, Little Jesus ha revolucionado la escena indie en México. “La Magia” fue el segundo sencillo de Río Salvaje, escrita y producida por Santiago Casillas, y es la canción con más reproducciones en plataformas digitales de la agrupación, con más de 120 millones. Cuentan con más de 1.1 millones de oyentes activos en Spotify. Formados en la Ciudad de México, su país natal mantiene una base de escuchas fieles, posicionándose como el #1 en cuanto a fans, seguido de Estados Unidos, Colombia, Perú y Ecuador.
Tras cinco shows únicos en el Lunario del Auditorio Nacional, llevarán la fiesta al Teatro Metropólitan por una última ocasión. ¡Celebra con la agrupación! Río Salvaje es un disco que marcó el 2016 y la carrera de Little Jesus. Adquiere tus boletos a través de Ticketmaster.
El festival se celebrará el próximo 2 de mayo en el Estadio de Béisbol Fray Nano de la Ciudad de México
Los boletos ya se encuentran disponibles a través del sistema Superboletos
La Ciudad de México volverá a convertirse en punto de encuentro para la escena indie en español cuando el festival Sonorama Ribera del Duero México celebre una nueva edición el próximo 2 de mayo en el Estadio de Béisbol Fray Nano. El encuentro ha confirmado su cartel completo para 2026 con la banda mexicana Odisseo como acto principal de una jornada que reunirá a artistas representativos del rock y el pop alternativo de ambos lados del Atlántico. Los boletos para asistir ya se encuentran disponibles a través del sistema Superboletos.
La alineación reafirma el espíritu que ha caracterizado a Sonorama desde su origen en Castilla y León: un festival concebido como un puente cultural entre España y México. La edición mexicana mantiene esa vocación al reunir propuestas que han marcado el desarrollo reciente de la música independiente en español y que comparten una sensibilidad artística cercana al público latinoamericano.
Al frente del cartel aparece Odisseo, agrupación surgida en el Estado de México que con el paso de los años ha consolidado un sonido propio dentro del panorama alternativo nacional. Su mezcla de atmósferas melancólicas, arreglos cercanos al synth pop y una escritura emocional que ha conectado con nuevas generaciones de oyentes los ha colocado como una de las bandas más consistentes de la escena indie mexicana. Encabezar Sonorama Ribera del Duero México 2026 representa, en ese sentido, un reconocimiento a la evolución del grupo y al momento creativo que atraviesa el rock independiente en el país.
Junto a ellos, el festival presentará una nutrida representación de la música española contemporánea. Entre los nombres confirmados destacan Despistaos, La M.O.D.A. (La Maravillosa Orquesta del Alcohol), Shinova y Siloé, proyectos que en los últimos años han construido una relación cercana con el público mexicano gracias a canciones que combinan la intensidad del rock con una narrativa lírica de fuerte carga emocional.
La programación se amplía con la participación de Tu Otra Bonita, Whisky Caravan, Glotón, Javi Robles, Las Dianas, Mäbu y la incorporación del proyecto Vigo, que se suma al cartel para aportar una nueva perspectiva dentro del universo alternativo del festival. Cada uno de estos artistas representa distintas vertientes del indie contemporáneo, desde propuestas luminosas cercanas al pop hasta exploraciones más introspectivas dentro del rock.
Como parte de la experiencia del encuentro también participará el comediante español Miguel Martín, figura estrechamente vinculada al espíritu del festival en su edición original en España, cuya presencia aportará un componente escénico distinto dentro de la jornada musical.
Más allá de la programación artística, Sonorama Ribera del Duero México mantiene su propósito de convertirse en una plataforma de intercambio cultural entre ambos países. El festival busca trasladar al público mexicano parte del ambiente que ha convertido a su edición española en uno de los encuentros musicales más emblemáticos de la península ibérica, donde la música convive con elementos de identidad cultural como la gastronomía, el vino y las tradiciones de la región de Castilla y León.
Dentro de este marco destaca de manera especial el respaldo de Acción Cultural Española (AC/E), que apoya la realización del festival a través de su Programa para la Internacionalización de la Cultura Española (PICE). Este impulso institucional refuerza la vocación del encuentro como espacio de proyección internacional para los artistas españoles y como un escenario privilegiado para fortalecer el diálogo cultural entre España y México.
La edición 2026 también cuenta con el respaldo de la Junta de Castilla y León, la Denominación de Origen Ribera del Duero, la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y Vibra Mahou, cerveza oficial del festival y plataforma cultural comprometida con el impulso de la música en vivo y el desarrollo de proyectos artísticos a nivel internacional.
Cuando llegue la noche del 2 de mayo, el Estadio de Béisbol Fray Nano volverá a llenarse de guitarras, canciones y público dispuesto a celebrar la música independiente en español. Miles de asistentes serán testigos de una jornada que reafirma el carácter binacional del festival y que vuelve a demostrar que, a través de la música, México y España comparten un mismo territorio emocional. Los boletos para esta edición ya se encuentran disponibles a través del sistema Superboletos.
El cantautor, animalista y productor musical colombiano Camilo Valencia regresa con un nuevo disco: '555'. Las canciones del sucesor de 'Versiones atómicas' (2019) surgieron durante el COVID-19 en la soledad de su apartamento, junto a su hermanito Jack, quien inspiró la mayoría de ellas.
'555' es el quinto disco de Camilo Valencia como cantautor. Fue producido y mezclado por Leo Sierra en Estudio Retro (Medellín) y masterizado por Camilo Silva. Son 11 canciones que oscilan entre el indie, pop y rock, y se articula en torno a cinco temáticas centrales que dan cohesión al concepto: salud mental, protección animal, protección de la mujer, amor propio y protección del planeta.
"En 2023 logré grabar el álbum y en 2024, cuando iba a comenzar la promoción, tuve que decirle adiós a Jack: mi maestro, guía, inspiración; el amor de mi vida. Hoy me encuentro remando contra la corriente en un momento complejo para los artistas independientes, aferrado a la promesa que le hice a Jack de sacar adelante esta producción y mantener, en su honor, mi ikigai como cantautor", cuenta Camilo Valencia.
El disco tiene un sonido maduro, consistente y versátil. Algunas canciones tienen un marcado estilo pop rock; y otras se inclinan hacia el indie y el pop. El álbum también incluye una balada íntima acompañada solo por piano y cello, así como una canción arropada por la calidez del folk.
"En 2018 viajé a España para realizar el legendario Camino de Santiago. Esta travesía se extendió durante tres meses y culminó en Asís (Italia) el 4 de octubre, fecha coincidente con el Día Internacional de los Animales. Durante esos meses, no sé si de manera sincronizada o casual, el número 555 apareció constantemente en mi trayecto. Al investigar su significado desde perspectivas energéticas, esotéricas, cuánticas y espirituales, las explicaciones me sacudieron profundamente. Toda esa peregrinación se vio marcada por la transformación, el cambio y por señales de sincronías que no se pueden explicar desde la lógica y la razón, justamente lo que significa el número 555. Las experiencias más trascendentales de esta peregrinación, como la pérdida y el reencuentro con mi hermanito Jack, confirmaron esa conexión profunda con ese número y todo lo vivido. Mi deseo es que quien escuche el álbum completo emprenda su propia peregrinación interior para reconectarse con el amor propio, el respeto hacia todas las formas de vida, los animales y el planeta", agrega.
La mayor referencia de este álbum es la banda Goo Goo Dolls. Casi todas las canciones fueron compuestas con guitarras acústicas utilizando afinaciones abiertas (drop), lo que impregnó hasta la médula las melodías, la armonía, los arreglos e incluso la postproducción. También hay fuertes influencias de Sting, My Chemical Romance, Snow Patrol, Hollow Coves, Marco Masini, Nek y Laura Pausini.
'555' de Camilo Valencia presenta en 'Hey' una canción potente y liberadora, en 'La llave' una historia descarnada, honesta y melancólica; en 'Bella', la belleza en todas sus dimensiones: espiritual y cósmica; 'Aquí y ahora' ofrece empatía y esperanza, 'En la oscuridad' es una denuncia en contra de la zoofilia, 'Águila' es íntima e inspiradora, un vuelo sobre las crisis personales; 'Yo soy' es poderosa y contundente, 'Por ti' es el tributo más hermoso a los hermanos animales, 'No te vayas' es desgarradora y profunda ante la partida de los animales compañeros, 'Vulnerables' retrata la pulsión humana hacia la maldad y 'Me tuviste' es fuerza pura y un himno al amor propio.
'Vulnerables' es el sencillo en video que acompaña el lanzamiento del disco '555' de Camilo Valencia. Habla de la naturaleza caótica del ser humano y la estupidez absurda al creer que la guerra soluciona algo en el universo. Hoy, cuando somos testigos indiscutibles del genocidio en Gaza y cuando Colombia intenta retomar el camino de la paz —arrebatado por las fuerzas oscuras y anacrónicas que gobernaron entre 2018 y 2022—, llega una canción necesaria, urgente e imprescindible.
"Yo la titularía «La canción que casi fue de Laura Pausini». La historia de 'Vulnerables' se remonta a 2021. Jhomer Ríos, amigo y productor, me comentó que estaban buscando una canción para ella. Como he mencionado antes, mi mayor influencia musical es el pop italiano, y Laura Pausini es mi artista femenina favorita: he escuchado y estudiado toda su discografía y trayectoria. Por aquellos días, comenzaba la guerra entre Rusia y Ucrania, y Laura estaba devastada por la situación. En exactamente media hora, compuse la canción usando el Garage Band de mi celular. Se la mostré a Jhomer para que la revisara y la hiciera llegar al productor de Laura, pero todo se dilató y me quedé con una canción de gran profundidad en mi catálogo y por eso decidí grabarla para mí", menciona.
Las canciones de '555' abordan la vida contemporánea y la realidad que experimenta el ser humano, llena de tabúes en torno a la salud mental y de una desconexión profunda con esa energía suprema que sustenta todo en el universo: el amor. Llegarán al corazón dependiendo del momento emocional que cada uno esté viviendo. Ya sea un estado de depresión constante, la idea recurrente del suicidio, un ataque de pánico o ansiedad; o quizá un momento de conexión profunda con tu animal de compañía, o el dolor indescriptible de saber que está enfermo y que deberá partir en cualquier momento. También para cuando debes renunciar a un amor tóxico o a una relación violenta; cuando necesitas recuperar tu amor propio o retomar el camino de tus sueños; o cuando tu preocupación se amplía a causas más globales, como el maltrato animal o la crisis climática, y buscas un mensaje que te motive a actuar para proteger causas justas.
"Mi propósito principal, no solo con '555' sino con toda mi discografía es poder salvar vidas. Quiero hacerle sentir a alguien en medio de un episodio de depresión que no está solo o sola; hacerle entender a quien prefiere la compañía de un animal antes que la de otras personas, que no está loco (a). Mis canciones y mi mensaje buscan mostrar que todos cargamos con enfermedades mentales, soledades, manías, locuras, angustias, necesidades, placeres y secretos que no compartimos con nadie. Y aunque vivimos en una sociedad que insiste en desconectarnos y deshumanizarnos, aún podemos encontrar a otros seres que nos hacen sentir a salvo, que nos recuerdan que no estamos desquiciados. Quiero afirmar, con toda claridad, que los verdaderamente perdidos no son quienes sienten o piensan diferente, sino aquellos que no saben respetar todas las formas de vida ni creen en el amor. Si mis canciones logran que una persona se sienta menos sola, daré por cumplido mi propósito", enfatiza Camilo Valencia.
Camilo hace parte de la vieja escuela de artistas que concibe y trabaja por álbumes. Las canciones del disco requirieron cinco años de escritura y un año más de producción para ser grabadas. El primer sencillo se lanzó en junio de 2024, y desde entonces se han publicado cada una de las once canciones como sencillo individual.
Lo que sigue ahora, hacia finales de 2025 y 2026, es la promoción del álbum en su totalidad, con todo lo que eso implica para un artista independiente como Camilo: participar en convocatorias, ruedas de negocios, presentarse en venues y mantenerse visible en redes sociales con un mensaje coherente y alineado con las canciones.
"Cuando empecé a lanzar este álbum, me tracé metas y objetivos muy altos, pues considero que es el trabajo más maduro que he presentado hasta ahora. Sin embargo, la realidad es que la respuesta no ha sido la que esperaba. Siento que la industria musical está atravesando una transformación como no se veía desde aproximadamente 2007, cuando abandonó el formato físico y el modelo tradicional de promoción para digitalizarse por completo. Hoy, nos enfrentamos a nuevos desafíos: la desfiguración de la estética y la belleza musical por parte de cierto género que domina el streaming, y el avance imparable de la inteligencia artificial y el retorno de modelos de monopolio similares a los inicios de la industria. Todo ello hace que, como cantautor independiente, haya decidido conscientemente vivir en el «aquí y ahora». Hago música con la aspiración de que trascienda las tendencias efímeras y la velocidad absurda con la que vivimos. Este año de lanzamientos de los sencillos del álbum ha puesto a prueba constantemente mi salud mental; en parte, por la dolorosa partida de mi Jack, y también al comprobar que mis expectativas y mi sentido de merecimiento chocan frontalmente con las dinámicas actuales del negocio musical a nivel global. Después de varios meses de reflexión, he decidido abandonar dichas expectativas, reconectar con mi voz interior y dedicarme a hacer de este planeta un lugar mejor a través de canciones que sirvan a un propósito elevado", puntualiza enfatiza el músico colombiano.
"Ahí donde menos imaginas, hay alguien que se siente solo o sola; alguien que carga con grietas mentales, que quizá ya no quiere seguir viviendo, que solo halla refugio en un animal compañero. Alguien que cree que los animales de todas las especies merecen respeto y protección; que lucha por aprender a amarse a sí mismo o misma y debe romper ciclos de relaciones dolorosas. Ahí es donde un álbum como '555' y un cantautor como Camilo Valencia pueden ser un cable a tierra, una brisa refrescante, una motivación para —como diría mi padre—: "Defender con toda la vitalidad la posibilidad de amar, de creer en alguien, de ver y sentir la vida, su presente y su futuro, como algo digno de un hermoso y emocionado optimismo"", concluye.
Teresa Terracota es el proyecto de Ana Teresa García, una artista colombiana que encarna la dualidad de la vida: la resistencia y la adaptación. El nombre "Terracota" no es solo un seudónimo, sino un reflejo de cómo la arcilla, un material moldeable y resistente, simboliza un viaje artístico. La propuesta nace de una conexión profunda con la música, las artes visuales y la vida misma; una fusión de influencias personales y culturales que emergen desde su infancia en La Ceja del Tambo, Colombia. Terracota es una manifestación de vida y muerte, una mezcla de lo tangible e intangible, y una búsqueda constante de identidad y expresión.
"Desde mis primeros pasos en la música junto a mi hermana, hasta mi evolución como artista en solitario, Teresa Terracota representa la transformación constante. La arcilla, como símbolo, captura esta dualidad, maleable pero fuerte, frágil pero resistente. Mi propuesta busca ser un espacio de encuentro entre el oyente y sus emociones más profundas. La intención es crear una experiencia auditiva que no solo entretenga, sino que también invite a la introspección y al autoconocimiento. Cada nota y cada palabra está diseñada para resonar con las experiencias universales del amor, la pérdida y la búsqueda de significado. Quiero que cada canción sea un refugio, un espejo donde las personas puedan verse a sí mismas, confrontar sus emociones, y encontrar consuelo o inspiración en el proceso. Además, comprender que somos una obra de arte, somos porque creemos y porque creamos. La intención de mi propuesta musical ha sido salvar mi propia existencia", comenta la artista con influencias de los boleros, el rock, el rap, el indie y el alternativo en artistas como Amy Winehouse, Ella Fitzgerald, Etta James, Billie Holiday, Norah Jones y Mon Laferte.
El mensaje principal de las canciones de Teresa Terracota es la aceptación de la dualidad de la vida: amor y pérdida, presencia y ausencia, luz y sombra. Son un llamado a abrazar la complejidad de la vida y a encontrar belleza incluso en los momentos más oscuros.
"Quiero transmitir que está bien sentirse vulnerable, que el dolor y la alegría son parte de un todo que nos hace humanos. Mis canciones son un recordatorio de que cada emoción y experiencia tiene un propósito en nuestro crecimiento personal. Quiero que mi música inspire a las personas a ser valientes, a encontrar belleza en lo cotidiano y a aceptar su propia humanidad con todas sus imperfecciones", agrega la cantante colombiana.
"Lo Etéreo" es lo nuevo de Teresa Terracota, es una introspección poética que nos sumerge en la complejidad de las emociones humanas frente al paso del tiempo y las cicatrices del amor. La canción está cargada de simbolismo, reflexionando sobre la inevitabilidad del cambio y el poder transformador de las experiencias amorosas. La letra toca temas universales como el aprendizaje, el desapego, y la resiliencia emocional. Musicalmente, el tema explora texturas suaves y melancólicas, probablemente con una base de jazz y soul que se entrelaza con elementos de indie y alternativo.
Teresa Terracota- Lo Etéreo
Invita al oyente a abrazar la impermanencia y encontrar belleza en la capacidad de amar a pesar del dolor. Es una canción que, aunque íntimamente personal, resuena con cualquiera que haya enfrentado la pérdida o el cambio. La intención es llevar al oyente a una reflexión profunda sobre sus propios viajes emocionales, instándolos a encontrar luz en la oscuridad y a seguir adelante, a pesar de las cicatrices del corazón. Es un acto de catarsis, sanación y la liberación emocional.
Otro de sus recientes sencillos es "El Deseo", una oda a la pasión y la conexión íntima, explorando la profundidad del anhelo y el deseo humano en su forma más pura. La letra refleja una narrativa sensual y emocional, donde cada palabra está cuidadosamente tejida para evocar imágenes de cercanía y vulnerabilidad. La canción invita a un viaje de descubrimiento emocional, en el cual no sólo se busca la cercanía física, sino una conexión profunda y auténtica con el otro. La letra sugiere un balance delicado entre la intensidad del deseo y la calma de un amor consciente. La dualidad entre la luz y la oscuridad es otro tema central. Con referencias a la noche, la luna y la luz que emana de ella, la canción crea un ambiente íntimo y misterioso.
Teresa Terracota- El Deseo
Musicalmente, la canción se sumerge en el mundo del gypsy jazz o manouche, un estilo quea porta una mezcla de ritmo y elegancia. Los vientos crean un diálogo musical que acompaña la narrativa lírica, ofreciendo momentos de tensión y liberación que reflejan la dualidad del deseo. El gypsy jazz aporta una sensación de movimiento y fluidez, con sus ritmos ágiles y acordes complejos que crean un ambiente de misterio y encanto. La inclusión de elementos de jazz proporcionan una sofisticación que refuerza el carácter elegante de la canción. El ritmo funky, por otro lado, inyecta una energía contagiosa, haciendo que el deseo se sienta vivo y vibrante. Es una experiencia sensorial y emocional que invita al oyente a sumergirse en el universo del deseo consciente. Es una reflexión sobre la naturaleza del deseo y la conexión humana, sugiriendo que cuando el deseo se vive con autenticidad y presencia, se convierte en una fuerza que puede iluminar incluso los rincones más oscuros de la experiencia humana.
"Con estos lanzamientos, espero no sólo resonar a nivel musical, sino crear una experiencia emocional que invite a cada oyente a adentrarse en sus propios mundos internos. "Lo Etéreo" y "El Deseo" no son solo canciones; son puentes entre el corazón y la mente, entre la vulnerabilidad y la fuerza que todos llevamos dentro. A través de sus letras y su música, deseo ofrecer un espacio seguro para que las personas puedan reconocer sus deseos más profundos, sus miedos y sus anhelos, y abrazar la complejidad de sus emociones sin juicio ni temor", enfatiza Teresa Terracota.
"Lo Etéreo" y "El Deseo" hacen parte del álbum debut de Teresa Terracota llamado "Entre el amor y la ausencia" que constará de 9 canciones y que van desde donde nace algo, puede ser tan sólo un instante de felicidad o de belleza, hasta un momento a solas o una soledad insoportable. Es una obra profundamente introspectiva y emocional que refleja las complejidades de la experiencia humana.
"A través de 9 canciones, exploro desde la primera chispa de la vida, cuando todo comienza a surgir en nuestras emociones, hasta el inevitable vacío de la ausencia que nos acompaña. Cada canción tiene su propio espacio y propósito dentro del álbum, creado con la intención de guiar al oyente a través de los altibajos de la vida, sin miedo a las sombras, pero con la esperanza de hallar luz incluso en los momentos más oscuros", puntualiza la artista.
Además de la publicación de su primer álbum, "Entre el amor y la ausencia", Teresa Terracota tiene en mente una serie de lanzamientos que enriquecerán su propuesta. Planea lanzar sencillos que continúen explorando las temáticas universales del amor, la ansiedad, la ausencia y la búsqueda de la paz. Además, sus otros 2 álbumes "Esencias" y "En Carne y Hueso" vienen en camino para aportar más crecimiento a su proyecto. También tiene en mente un Live Session acústico.
La música de Teresa Terracota es ideal para aquellos momentos en los que se busca conectar con su ser más profundo. Es perfecta para las noches solitarias, cuando las emociones afloran, o para los días de lluvia, cuando la melancolía y la reflexión parecen abrazarnos. También es una excelente compañía para momentos de introspección, viajes largos donde el pensamiento se pierde en el horizonte o meditaciones en busca de claridad mental. La música de Terracota está diseñada para resonar tanto en la alegría como en la tristeza, como un refugio emocional que nos ayuda a navegar las complejidades de la vida con serenidad y entendimiento. Esta propuesta busca ser esa compañía para los días grises, pero también en los momentos de expansión, de creación, de descubrimiento. Porque al final, tanto en el amor como en la ausencia, cada emoción tiene su lugar en la danza de la vida, y sus canciones son un reflejo de ese viaje emocional que todos compartimos.
"Mis expectativas con este proyecto son profundas y de largo alcance. En primer lugar, espero conectar con aquellos que buscan más que música superficial, con quienes anhelan una experiencia emocional genuina. Aspiro a crear un espacio donde la música no sea sólo un conjunto de melodías, sino una herramienta para la introspección y el crecimiento personal. Quiero que mi música resuene profundamente en quienes están dispuestos a sentir, a vivir plenamente cada emoción,sin miedo a lo que nos hace humanos. Es crucial que las personas descubran a Terracota porque mi música nace de nuestras raíces, pero busca trascender las fronteras de la región. Mi propuesta tiene una carga emocional fuerte, una autenticidad que no se encuentra fácilmente en el panorama musical actual, y una sensibilidad que refleja las luchas, los sueños y las esperanzas de nuestra cultura. En estos tiempos, donde la ansiedad, la desconexión y la incertidumbre parecen dominar, mi música puede ofrecer un espacio de refugio, de sanación, y de reencuentro. A través de mi trabajo, quiero ser una voz que no sólo lleve el mensaje de las canciones, sino que también inspire a otros a ser vulnerables, a compartir sus historias, y a encontrar consuelo en su propio ser. Mi música habla de lo que nos une como seres humanos: el amor, el dolor, la esperanza, la ausencia. Es un llamado a abrazar todo lo que somos, a reconocer la belleza de nuestras imperfecciones, y a recordar que, a pesar de todo, no estamos solos", concluye.
El emergente proyecto musical A Veces María estrena su
primer sencillo “A Veces (No soy Yo)” a través de distintas plataformas digitales.
Este sencillo es una auténtica joya musical que surgió de
manera espontánea y se convirtió en una colaboración a distancia entre la
cantante guatemalteca María Barrios y su productor mexicano Fernando Ibarra
quienes, junto a talentosos músicos, fotógrafos, cineastas y todo un equipo de
producción, crearon A Veces María.
A pesar de que no compartían el mismo espacio, lograron unir
sus talentos para dar vida a una producción impecable con la que nos sumergen
en un universo multisensorial. Esta pieza musical nos lleva en un viaje visual
y auditivo; y nos atrapa con su ritmo cautivante, su videoclip y con unas
letras que invitan a reflexionar sobre la complejidad de las relaciones
humanas.
A Veces María ha logrado plasmar en la letra de esta canción
las emociones surgidas de un amor no correspondido. Con una honestidad
conmovedora, María, el alma y voz del proyecto, nos revela: "Mi mejor
amiga y yo tenemos la costumbre viajar y poner música a todo volumen y gritar
lo más fuerte que podamos hasta sentir que liberamos algo. Un día,
espontáneamente pensamos en escribir una canción juntas que pudiéramos escuchar
en esos momentos tan íntimos. Decidimos tomar como tema principal la lejanía
que a veces creas con tus amigos más cercanos por estar enamorada de alguien no
correspondido, y cuando te das cuenta, sientes que perdiste a tus amores y a
tus amistades. Nos sentamos por horas en mi cuarto a tocar, a cantar y a
bailar."
En cuanto a la parte musical de este primer sencillo, A
Veces María nos sorprende con su habilidad para explorar géneros como el bolero
y el indie, fusionándolos de manera magistral. Este crisol musical ha resultado
en una experiencia auditiva totalmente transparente y auténtica que permite
apreciar las influencias de otros artistas en su obra. Pero, a pesar de estas
referencias, el resultado final deja una sensación de frescura y originalidad,
pues la banda ha sabido darle su toque personal para crear algo único.
¿Ya conoces a A Veces María?
A Veces María es un proyecto emergente, conformado por María
Barrios, cantante guatemalteca y el alma del proyecto; Fernando Ibarra,
productor y tecladista; Diego Méndez, bajista y Andrés Salazar, baterista y
percusionista, quienes a través de este proyecto han creado un espacio de
resignificación de la cotidianidad y valoración de la incertidumbre como
sensación maestra.
Este proyecto musical surge como un espacio sonoro que
resignifica y fusiona géneros como el indie, el jazz, el bolero, y otras formas
de música latina. Es la integración de varias artes; en específico de la
representación visual, auditiva y escénica. Para A Veces María la colectividad
es el punto más esencial del mecanismo humano y lograr resultados especiales.
En 2023, A Veces María fue seleccionada junto a otras 9
bandas, de entre más de 150 proyectos musicales, para presentarse en las High
Ball Sessions, organizadas por la marca Jim Beam y Moni Saldaña. La banda tuvo
la oportunidad de presentar su trabajo en Levi’s House, recibiendo comentarios
positivos de los jueces Javier Blake, EM Jay y Bonzz. Además, la revista
Rolling Stones publicó la nota con los finalistas, incluyendo la participación
de A Veces María.
“Despacio” es el título del nuevo sencillo de Giuseppe
Malagón junto a la artista argentina Camil Camil. La narración de un
apasionado encuentro con la que el artista mexicano se propone invitar a
todo el mundo a entregarse a lo, aparentemente, “prohibido”.
Sobre una línea central de indie y pop-rock, la
canción incluye unos giros pegajosos de trap y unos toques envolventes de
sicodelia, para lograr un ritmo y una atmósfera que gritan sensualidad
pura y dura.
“Compuse ‘Despacio’ a partir de una relación ‘no oficial’ que
me hizo sentir la intimidad de una forma que no conocía. Esto me generó la
necesidad de expresar un sentimiento nuevo para mí y las ganas de decirme
que no estaba mal. Sobre esto me basé para dejar fluir la canción en el
estudio. Espero que al escucharla las personas se puedan identificar y tomen
valor para entregarse a nuevas experiencias que ya no limiten nuestra
forma de vivir”, asegura Giuseppe Malagón.
Sobre Giuseppe Malagón
Se inició en la música a los 12 años de edad. Con
el objetivo de encontrar una manera alternativa de lidiar con su ansiedad,
y sintiendo que así lograba liberarse, al principio creaba canciones, sobre
todo, nostálgicas. Tres años más tarde su música no giraba en torno a él:
se transformó en una manera de conectar con el mundo y comenzó a crear
canciones con temas más universales, como el amor y la vida, intentando abarcar
otras perspectivas, y con apenas 15 años logró grabar su primer EP.
En el año 2019, y tras formar parte de varias bandas, lanzó
su proyecto solista, siempre con foco en el pop-rock.
“No se pierdan este lanzamiento: es la canción que nadie
pidió, pero todos queremos sentir. Podría imaginarme escuchando esta canción en
un momento ‘chill’ en casa o en el auto, con la lluvia de fondo. Pero, sobre
todo, en el momento de hacer el amor”, finaliza Malagón.
* 'Intención volátil' es una canción ideal para escuchar a la hora de enfrentar retos personales, descargar energía, desinhibirse y dejar salir los demonios.
La banda colombiana de indie y post-rock Ciudad Vorágine inicia el año con nueva música. 'Intención volátil' es su primer lanzamiento de 2022, en un año que promete tener varias novedades musicales de la agrupación nacida en la ciudad de Medellín.
'Intención volátil' nace como una exploración hacia los deseos y las pasiones dentro de las relaciones interpersonales que no se pueden evitar y sacan la parte instintiva y animal de los seres humanos.
"Nos impactan los límites físicos, verbales y emocionales que se pueden cruzar al encarar estos animales internos. Hicimos una canción para intentar expresar este fenómeno", cuenta Ciudad Vorágine.
En 'Intención volátil', la banda continúa explorando los sonidos psicodélicos con el indie rock, desmarcándose un poco del post punk, pero sin abandonar la esencia de su propuesta. La canción tiene riffs rítmicos y guitarras ambientales, acompañados de un bajo y una batería contundentes para marcar la pauta de esta nueva etapa de Ciudad Vorágine.
"Con 'Intención volátil' hablamos del manejo de las pasiones y cómo estas nos llevan, en ocasiones, a idealizar a las personas de una manera anticipada, dándonos una pequeña dosis de alivio temporal para la vorágine de sentimientos que nos inundan diariamente, pero que no nos permite salirnos del círculo vicioso", agrega el grupo.
La canción viene con un video que cuenta la historia de tres amigos que se ven envueltos en un triángulo amoroso en donde el tercer personaje pasa por diferentes papeles animales e instintivos que causan confusión, lastiman y trascienden a decisiones inesperadas.
Los integrantes de Ciudad Vorágine cuentan que "estamos explorando un nuevo trabajo en donde queremos incluir varios conceptos desde la psique humana sin abandonar nuestro estilo psicodélico. Seguimos en la construcción de este nuevo concepto y este es el primer sencillo de una nueva etapa para la banda".
"Después de lanzar el EP debut 'Sesiones de Bodega' decidimos realizar una exploración del sonido desde el espacio, tratando de simular la naturaleza tanto del humano como del mundo en general a través de las guitarras con riffs definidos, arreglos más ambientales y poco melódicos pretendiendo arrastrar al oyente en una quimera sonora y natural", enfatiza la banda.
Durante el primer semestre del año, Ciudad Vorágine tiene planeado producir tres sencillos más en donde se pueda evidenciar un breve bosquejo del disco entero. El grupo también continúa gestionando conciertos en Medellín y espera seguir creciendo orgánicamente para conquistar nuevas audiencias en Colombia y Latinoamérica.
Sobre Ciudad Vorágine
La propuesta de Ciudad Vorágine es contar la ciudad a través de los distintos ojos que la habitan, vivir desde las letras y los sonidos la melancolía implícita en cada persona que está en las calles.
Los sonidos experimentales y psicodélicos fueron invadiendo espacios acústicos, y haciendo conciertos la banda fue percibiendo frente al público su personalidad. Esta vorágine fue encontrando su orden en medio del caos, reflejando así la esencia del grupo, el tedio de lo cotidiano y la desazón de vivir en una ciudad que no se entiende.
Santiago Villegas (El Santi) en la voz, Alejandro Silva (Bob) en la guitarra y los coros, Jhon Vargas (Jhonas) en la guitarra, Camilo Velásquez (Camello) en el bajo y Alejandro Muñoz (Cucho) en la batería, interpretan y transmiten el entorno que los rodea, para que quienes los escuchen se identifiquen y se relacionen con las vivencias que expresan en cada una de sus creaciones musicales.
