Un archivo digital reúne el trabajo de mujeres ilustradoras y narradoras gráficas mexicanas

• “Imaginantes ilustradas” reúne perfiles, publicaciones, proyectos y materiales visuales de mujeres ilustradoras y narradoras gráficas mexicanas

• Sociedad de Tinta presentará esta base de datos el 29 de agosto en el Museo Nacional de la Estampa, en el marco de la exposición “Posada, cartografía de un cronista”

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través del Museo Nacional de la Estampa (MUNAE), presentarán, el sábado 29 de agosto a las 13 horas, “Imaginantes ilustradas. Base de datos de mujeres ilustradoras y narradoras gráficas mexicanas”: proyecto de la colectiva Sociedad de Tinta que reúne y organiza información sobre autoras vinculadas con la ilustración y la gráfica en México.

“Al reunir y visibilizar el trabajo de mujeres ilustradoras y narradoras gráficas mexicanas, esta plataforma fortalece la memoria colectiva y democratiza el acceso al conocimiento. En un país donde la cultura es motor de ciudadanía, este proyecto reafirma que la política pública también se escribe con trazos y relatos: reconocer a las creadoras es reconocer la diversidad que sostiene nuestra identidad nacional”, sostuvo la Secretaria de Cultura del Gobierno de México, Claudia Curiel de Icaza.

En algunos casos, la información sobre el trabajo y las publicaciones de estas creadoras se encuentra dispersa o poco sistematizada, lo cual dificulta su consulta. “Imaginantes ilustradas” concentra estos materiales en una plataforma digital de acceso público, dirigida tanto a la investigación como a personas interesadas en conocer el trabajo de estas autoras.

El sitio permitirá consultar perfiles, publicaciones, proyectos y materiales visuales; está concebido como un archivo vivo que podrá crecer y actualizarse continuamente. De esta manera, se podrán incorporar nuevos nombres, proyectos y materiales a este espacio de consulta.

La propuesta es impulsada por Sociedad de Tinta: una colectiva de creadoras visuales con perfiles e intereses diversos. Entre sus líneas de trabajo, se encuentran la investigación, la difusión y el acompañamiento de proyectos que contribuyan a fortalecer la visibilidad y el reconocimiento de ilustradoras, narradoras gráficas y creadoras en México.

Mena Bo y Flor Guga (fundadoras de Sociedad) presentarán el proyecto junto con la Investigadora Carolina González Alvarado. Durante el encuentro, hablarán sobre el proceso de investigación y la manera como se organizó la información que integra la base de datos.

González Alvarado es Licenciada en Literatura Latinoamericana y maestra en Letras Modernas por la Universidad Iberoamericana. También realizó estudios de posgrado en la University of Glasgow y la Universidad de Almería; cuenta con un diploma en Pedagogía del Cómic por la École Supérieure de l’Image, en Angoulême, Francia.

La actividad incluirá una demostración de la plataforma y una navegación guiada para mostrar cómo consultar sus contenidos. Al finalizar, habrá un diálogo con el público, dirigido a estudiantes, docentes, investigadoras e investigadores, creadoras y creadores gráficos y personas interesadas en la ilustración y la narrativa gráfica.

La presentación se realizará en el marco de la exposición “Posada, cartografía de un cronista”. En este contexto, “Imaginantes ilustradas” ofrece una vía de consulta para acercarse al trabajo de quienes crean imágenes y relatos gráficos en México, a partir de un registro público que podrá incorporar nuevas autoras y materiales.

La actividad será de entrada libre y tendrá lugar en el Museo Nacional de la Estampa (ubicado en avenida Hidalgo 39, Plaza de la Santa Veracruz, Centro Histórico, Ciudad de México). Informes, en munae.comunicacion@inba.gob.mx.

Especialistas revisarán la vida y el legado de José Guadalupe Posada

• El conversatorio se realizará el jueves 13 de agosto, a las 18:30 horas, en el Museo Nacional de la Estampa

Como parte del programa público de la exposición Posada. Cartografía de un cronista, que se presenta en el Museo Nacional de la Estampa (MUNAE) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), se llevará a cabo el conversatorio Cartografiar a Posada: recorridos por la investigación de su obra, en el que especialistas dialogarán sobre las investigaciones que han permitido reconstruir la trayectoria y el legado del artista.

La actividad, gratuita y dirigida a todo público, se realizará el jueves 13 de agosto, a las 18:30 horas, en el MUNAE, con la participación de Helia Bonilla, Investigadora Científica del INAH; Mercurio López, Investigador de las Artes Gráficas Mexicanas; Caroline Montenat, Cocuradora de la muestra Posada. Cartografía de un cronista; y Héctor Morales, Investigador del CONAHCYT.

José Guadalupe Posada es una figura fundamental de la gráfica mexicana y uno de los artistas más reconocidos de la historia de México. Nacido en Aguascalientes, desarrolló gran parte de su trayectoria en talleres de grabado y editoriales, y dejó una amplia producción de imágenes que permite acercarse a distintas facetas de su trabajo. Sin embargo, el estudio de su obra continúa aportando elementos para profundizar en aspectos de su trayectoria, así como en el contexto de producción y circulación de algunas de sus imágenes.

A través del conversatorio Cartografiar a Posada: recorridos por la investigación de su obra, los especialistas dialogarán sobre cómo el análisis de los textos que acompañaban sus imágenes, las técnicas de grabado e impresión que empleó y otros vestigios de su producción pueden aportar nuevas pistas para comprender la trayectoria de uno de los grandes cronistas visuales de México.

Cartografiar a Posada: recorridos por la investigación de su obra, presentada por el MUNAE con motivo de sus 40 años, y realizada en colaboración con el Museo de Aguascalientes y el Museo Salón Posada de Coyoacán, permite adentrarse en su obra a partir de las técnicas gráficas que utilizó, su postura política, su relación con la música, su huella en artistas contemporáneos, las representaciones sagradas y profanas de su obra y los cancioneros populares.

Integrada por más de 300 piezas, agrupadas en cinco ejes temáticos (Posada y las técnicas; La partitura visual de una estampa; Lo sagrado y lo sobrenatural: las batallas entre el bien y el mal; Posada: precursor del diseño gráfico y la publicidad; y Posada XXI: herencia activa de la imagen popular), la exposición cuenta con diversos recursos de accesibilidad para los públicos que visitan el museo.

El MUNAE se localiza en Avenida Hidalgo 39, Plaza de la Santa Veracruz, Centro Histórico, alcaldía Cuauhtémoc, Ciudad de México. Los horarios de atención son de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 horas. El costo de admisión para público en general es de 70 pesos y los domingos la entrada es libre.

Museos del INBAL celebran el Día Mundial del Medio ambiente con diversas actividades

Se presentarán videos, conferencias, charlas y talleres diseñados para motivar la reflexión sobre la riqueza natural circundante y su conservación.

• Se presentarán videos, conferencias, charlas y talleres diseñados para motivar la reflexión sobre la riqueza natural circundante y su conservación

En el marco del Día Mundial del Medio Ambiente, que se celebra el 5 de junio, museos del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) llevarán a cabo, durante los primeros días del mes, una serie de actividades enfocadas en vincular el arte con la preservación y mejora ambiental, con el propósito de crear conciencia y profundizar en acciones necesarias para la vida.

El Museo Nacional de la Estampa difundirá en sus redes sociales una cápsula tutorial dentro del programa Ecoestampas caseras, en la que enseñará cómo hacer estampas desde casa utilizando materiales de reúso, como unicel y tetrapak.  

Se invitará a la audiencia a compartir en los comentarios del post las imágenes de las estampas realizadas con ayuda del tutorial, así como a darle “me gusta”, compartir y usar el hashtag #EcoestampasMunae. La cita es el jueves 5 de junio a las 10 horas.

La conferencia El agua en la historia del parque público El Chamizal en Ciudad Juárez será impartida por el doctor Jorge Salas Plata Mendoza. En ella, se abordará la importancia de este espacio ambiental, conocido como el pulmón de la ciudad, y su papel en distintos momentos históricos de la frontera entre México y Estados Unidos, incluyendo una inundación ocurrida a mediados del siglo pasado.

La charla se llevará a cabo en el Museo de Arte de Ciudad Juárez, el 5 de junio, de 18 a 19 horas. La entrada es libre.

En el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, sede Alcalá, también el 5 de junio a las 18 horas y con entrada libre, se ofrecerá la conferencia Biodiversidad de Oaxaca: serpientes y mamíferos, a cargo de Rogelio Simón Salvador. Será una oportunidad para reflexionar sobre la riqueza natural del estado y la importancia de su conservación.

Para promover la optimización de recursos naturales y el cuidado de la flora doméstica, el 7 de junio, de 11 a 14 horas, se realizará el Taller de cuidado de cactus y suculentas en el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo. La entrada es libre.

En el marco de la exposición Historia cultural del color, el Museo Nacional de San Carlos ofrecerá, el 7 de junio a las 12 horas, el Taller de antotipia. Tintes de luz. En este taller se experimentará con la técnica de antotipia, a partir de pigmentos naturales obtenidos de hojas, plantas y flores como material sensible a la luz para crear imágenes sobre papel.

Este taller tiene como objetivo explorar y promover técnicas artísticas alternativas que emplean procesos naturales y sustentables, minimizando el impacto ambiental del arte y utilizando materiales accesibles y seguros para todo tipo de público.

El Museo Tamayo organizará una conversación el 9 de junio a las 17 horas entre Naomi Rincón Gallardo y Santiago Borja, dentro del programa público de la exposición Futuros arcaicos, curada por Andrea Torreblanca. Los artistas abordarán los cruces entre ecosistemas naturales y otros entornos no medioambientales, integrando los temas de la muestra.

El Museo Nacional de la Estampa promueve el valor del grabado con obras creadas en sus talleres

* “Ecos de la gráfica. El arte del taller” estará abierta al público a partir del 20 de diciembre en el recinto del INBAL

Como una muestra de los resultados alcanzados dentro de los talleres que el Museo Nacional de la Estampa (MUNAE), del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), ofreció durante el presente año, se presentará la exposición “Ecos de la gráfica. El arte del taller”, la cual estará abierta al público a partir del 20 de diciembre en el Área de talleres, de martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs.

La muestra integra alrededor de 90 piezas creadas por los participantes de los talleres de Iniciación a la Estampa, Gráfica Móvil y los que se realizan a partir de cada exposición que presenta el recinto, los cuales fortalecen el programa expositivo y promueven el valor de la estampa a través de actividades que permiten aprender sobre algunas técnicas utilizadas en el arte gráfico.

Resultado de un año de interacción y trabajo colaborativo entre el MUNAE y sus diversos públicos, la exposición permitirá apreciar obras realizadas por infancias, personas con discapacidad, adultos mayores, jóvenes y público en general, quienes han descubierto el arte gráfico o han perfeccionado su técnica.

El Taller de Iniciación a la Estampa atiende, todos los días, a los diversos públicos del MUNAE, para brindarles los principios básicos del grabado y la estampa; el Taller de Gráfica Móvil es una actividad extramuros para personas de todas las edades (principalmente, las de situación vulnerable); y los de las exposiciones temporales fortalecen el contenido de las mismas, como las dedicadas durante este año a Patricia Soriano, Carlos Soto, Saúl Kaminer y Sergio Sánchez Santamaría.

La muestra “Ecos de la gráfica. El arte del taller” ofrece trabajos de calidad creados por personas que no son artistas. Entre las técnicas manejadas están el grabado en foam board, grafica experimental, linograbado, monotipia y técnicas especiales.

Algunas de las piezas exhibidas son: Mejor en llamas que apagado, grabado en linóleo realizado por Val Torres; Lalo dibujando, trabajo anónimo en el cual una persona dibujó a su acompañante haciendo su grabado; Tuga, realizado por el niño Julián Zenji; El niño y el nopal, linografía de Gerardo de la Cruz; además de obras del Círculo de bordado feminista.

Asimismo, se detalló que los talleres han tenido una respuesta positiva por parte del público: “La gente se va muy contenta de ver nuestras exposiciones, de observar algunas de las técnicas gráficas y de tener la experiencia de hacer su propio grabado, pintarlo, teñirlo y llevárselo a casa. En la muestra se presentará una selección de estos trabajos”, comentó.

Con estas actividades, se enriquece la experiencia del visitante, porque no sólo implica ver la obra y darse una idea de lo que es el arte gráfico, sino que se asuma como una experiencia activa y advertir que la gráfica está más cerca de lo que uno se puede imaginar. El concepto de la estampa no es ajeno, porque diario se está en contacto con este tipo de arte y es importante que la gente lo conozca.

Además, es una manera de que el visitante tenga en cuenta que el Museo Nacional de la Estampa es accesible, plural y con responsabilidad social, debido a que los talleres están abiertos a todo público de diferentes edades; y en esta selección de trabajos, se manejan temas como elementos de la naturaleza, paisajes, mensajes personales y reflexivos, partes del cuerpo, calaveras, animales, frutas y plantas, entre una amplia variedad.

El rock, referente e inspiración en la obra gráfica de Sergio Sánchez Santamaría

* El artista encabezará el conversatorio Gráfica rebelde, gráfica rock el 21 de noviembre en el Museo Nacional de la Estampa

Considerado el último Artista representativo del Taller de Gráfica Popular (TGP), Sergio Sánchez Santamaría encabezará el conversatorio Gráfica rebelde, gráfica rock el jueves 21 de noviembre a las 18:30 hrs en el Museo Nacional de la Estampa (MUNAE).

Ese día estará acompañado de Roco, vocalista del grupo Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio; Francisco López, crítico musical; Alejandro Preisser, compositor y músico del grupo Triciclo Circus Band; y Alberto Cuéllar, integrante del grupo La plebe, editor y coleccionista de vinilos, cinco personalidades del ámbito musical que viven el rock y cuya labor ha sido referente e inspiración en la obra gráfica del artista Sergio Sánchez Santamaría.

Cada uno hablará sobre la obra del expositor, a propósito de su muestra individual Sergio Sánchez Santamaría. El nahual gráfico, abierta recientemente en el Munae, recinto de la Red de Museos del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL). El conversatorio se podrá visitar en https://goo.su/mNRtr.

En entrevista, el artista nacido en 1976 señaló: “Hago gráfica desde los años noventa, luego de haber ingresado, como aprendiz, al TGP en una época en que éste ya estaba más que devastado”.

Dijo que allí conoció la lucha y la obra de Leopoldo Méndez, Adolfo Mexiac, Pablo O´Higgins y de todos los artistas grabadores más importantes; “fue para mí muy emocionante, porque allí abrevé todo mi conocimiento técnico y conceptual de la gráfica”.

Durante su paso por el TGP, Sánchez Santamaría conoció de vista a Ángel Bracho, Fanny Rabel, Rina Lazo, Arturo García Bustos y Mariana Yampolsky, aunque a Mexiac y Jesús Álvarez Amaya sí los llegó a tratar personalmente.

“Paralelamente a eso —recordó el artista—, fui un chavo menor de 20 años que se fue adentrando en el mundo del rock, por medio del tianguis del Chopo y el barrio de Tacubaya; me tocó conocer la etapa final de las bandas Los Panchitos y otras que, además de asolar a la gente, escuchaba a The Rolling Stones, The Who, Quiet Riot y Kiss, entre muchas otras.

“Todo ese mundo me pegó fuertemente y se convirtió en parte de mi vida interior y exterior; posteriormente, este universo se tornó creativo en todos y cada uno de mis grabados”, aseguró el artista.

Al hablar sobre la importancia del grabado, comentó que es una técnica muy antigua, posiblemente provenga del siglo XV, y sus temas han sido variados, desde lo religioso hasta los movimientos políticos. “En este sentido, creo que la mía fue una época más tranquila, porque me tocaron otro tipo de circunstancias, si la comparas con el momento histórico de Leopoldo Méndez o Adolfo Mexiac, por ejemplo”.

Al definirse a sí mismo como un grabador con una técnica clásica, afirmó que su concepto es propio, es decir, el rock y los temas alternativos; “transmito lo que observo, lo que veo a mi alrededor”, explicó.

Egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, el artista se volvió grabador en el preciso momento en que vio expuesta en un museo una litografía de José Chávez Morado. “Tengo más de 30 años haciendo grabados diariamente y sigo estudiando a los grandes grabadores mexicanos y extranjeros, desde (Francisco de) Goya hasta (Giovanni Battista) Piranesi”, enfatizó.

Actualmente, señaló, el grabado goza de mucha salud, pero lo malo es que no hay muchas propuestas temáticas por parte de los jóvenes. “Un artista es el testigo de la época que le tocó vivir. Es un deber ético y moral que uno como artista represente lo que es justo e injusto. La observación del mundo te hace más crítico”.

“Del papel a la piel”, muestra virtual en la cual el tatuaje y el grabado son temas de reflexión en el Museo Nacional de la Estampa

* Numerosos y variados ejemplos se pueden apreciar en esta exposición: algunos de ellos, inspirados en las famosas calaveras de José Guadalupe Posada

* Diversas técnicas, estilos y símbolos se pueden apreciar en esta muestra de gráfica viva a través del flickr del Munae

Porque el tatuaje se ha vuelto un género artístico en proceso de ser reconocido por la crítica y los artistas, en el Flickr del Museo Nacional de la Estampa (MUNAE), recinto del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), se presenta la exposición Del papel a la piel. Tatuaje y grabado, con curaduría de Pamela Xochiquetzal Ruiz Gutiérrez.

Realizada con el apoyo del público cautivo del recinto y con artistas emergentes, en ella se da cuenta de cómo este tipo de expresión se ha convertido en un nuevo género que aún falta por develar.

Divida en tres núcleos: “Cuestión de identidad”, “El caso de la reproductibilidad y la originalidad en la gráfica y el tatuaje” y “El tatuaje y las técnicas convertidas en estilo”, la exposición es un verdadero escaparate del arte que nació para ser apreciado y reconocido por los conocedores y los que aún se resisten a darle su lugar.

En el primer núcleo aparecen imágenes familiares a todo mundo, como algunos grabados de José Guadalupe Posada que se han vuelto universales, irrepetibles, inconfundibles y reconocibles desde el primer momento.

En las piernas de una joven —por citar un caso—, aparecen los tatuajes de dos calaveras que bailan al son que les toquen y que son fácilmente reconocidas por el trazo del grabador, ya no mexicano, sino universal. Es una obra de Enrique Dubost que toma como referencia la obra Jarabe de ultratumba, de Posada.

Otras imágenes que se repiten son la ya famosa Calavera catrina, que lo mismo aparece en los hombros o la espalda de los tatuados. Su trazo es una imagen imborrable.

También, en este núcleo se rinde un homenaje a la calavera de Francisco I. Madero: un libertador que en la imaginación de Posada aparece, con una botella de mezcal o tequila, listo para festejar su viaje al más allá. Es una obra de Eduardo El cuervo Licea.

En la segunda sección, “El caso de la reproductibilidad y la originalidad en la gráfica y el tatuaje”, aparecen trabajos más originales y alejados del grabado mexicano tradicional en cuanto a tema, no así en técnica.

Ahí se encuentra la imagen de una calavera que parece una sirena, pero cuya piel no es la de un pez, sino la de un cascabel. La imagen, de José Eduardo Serrano Limón, es impactante y tiene como referencia el linograbado La Tlanchana.

En esta misma sección, incluso, se hacen homenajes a grupos de rock, como al disco In utero, de Nirvana (cuyo cantante murió hace 30 años), a través del tatuaje de Azucena Zúñiga.

Por su parte, el tercer núcleo: “Las técnicas convertidas en estilo”, es, tal vez, el más original, ya que aquí los artistas emergentes siguen sus propios instintos creativos. Demonios públicos o privados, dragones, sirenas, santos, vírgenes y personajes literarios, entre otros temas, se exponen en este segmento, los cuales revelan gran calidad en su manufactura. Aquí, se muestran técnicas de tatuaje que son referencias directas a las técnicas de grabado: por ejemplo, el handpoke, donde la tinta penetra en la piel a través de pequeños golpes en la aguja; o la escarificación, considerada la forma más pura de grabado en la piel.

Esta práctica cultural milenaria, presente en todas las civilizaciones, cuyas técnicas y significados se han transformado a lo largo del tiempo, constituye una forma de apropiación del cuerpo y de construcción de identidades a nivel individual y comunitario. Hoy, los tatuajes con temáticas o diseños prehispánicos son muy populares, por su belleza y por representar un vínculo con el pasado y la identidad mexicana, expresa la curadora en su texto de presentación de la muestra virtual.

La exposición "Sebastian Fund. La verdad de las máscaras" destaca el papel de estas piezas como símbolos duales

• El artista ofrecerá una visita guiada el 28 de agosto, a las 18:30 hrs, en el Museo Nacional de la Estampa

• Asimismo, impartirá el taller Máscara gráfica los días 29, 30 y 31 de agosto

“El hombre miente por naturaleza, dale una máscara y te dirá la verdad”, afirmaba el escritor inglés Oscar Wilde. Esta es una de las premisas a partir de las cuales está integrada la exposición Sebastian Fund. La verdad de las máscaras, en la cual el artista muestra una parte de los resultados de su trabajo durante tres años como miembro del Sistema Nacional de Creadores y que actualmente se exhibe en el Museo Nacional de la Estampa (MUNAE).

El proyecto gira en torno a tres técnicas gráficas: heliograbado intervenido, litografía y xilografía/colografía/chino colle, bajo el denominador común de la máscara como elemento lleno de significados, resonancias históricas y autobiográficas.

La muestra ha tenido una importante respuesta por parte del público, al que le llaman la atención particularmente las obras de gran formato, como es el caso del Autorretrato realizado en 2022, del cual se exhibe tanto la matriz como la xilografía, colografía y chine-collé. En la matriz o placa, el artista incluyó retazos de tela que le dieron a la obra final un aspecto de mortaja.

Mención especial merece Gemelos del tiempo, litografía a nueve tintas que destaca por su colorido, en el que sobresalen las tonalidades verdes y las líneas oscuras que perfilan los dos rostros que aparecen en esta pieza.

Otra pieza destacada es Shere-Khan, de la cual se exhibe la placa para xilografía, que alude al personaje de El libro de la selva, de Rudyard Kipling, tigre de bengala que se propone matar a Mowgli, el protagonista de la historia.

En la obra La máscara habitada III se utiliza una pieza de diablo tallada en madera, elaborada por el maestro mascarero Octavio López, originario de Coyolillo, Veracruz. Estas máscaras, que representan el bien y el mal, son parte integral de las liturgias locales y reflejan el sincretismo entre las culturas originarias y la tradición española.

Sebastian Fund recurrió a figuras y animales míticos como inspiración para las obras que componen esta exposición, como se aprecia en Eco, que conjuga la figura mítica de la ninfa con el mismo nombre, condenada a repetir todo lo que escuchara sin la capacidad de hablar por ella misma, y animales mitológicos como el cuervo, símbolo de mal augurio, de acuerdo con la ornitomancia, una de las artes adivinatorias que hacía predicciones a partir del comportamiento de las aves.

El miércoles 28 de agosto, a las 18:30 hrs, en el marco de la Noche de Museos, Sebastian Fund ofrecerá una visita guiada por esta exposición temporal en la que explicará las piezas que conforman su muestra, así como el proceso y contexto de creación de estas obras que buscan propiciar en el público una reflexión sobre las máscaras metafóricas que cada persona utiliza como herramienta social.

En opinión del curador de la muestra, el investigador, docente y crítico de arte Juan Bautista Peiró López, la alusión a la frase de Oscar Wilde, que sirve como punto de partida de la exposición, señala cómo aquello que somos incapaces de decir directamente, dando la cara, nos atrevemos a decirlo de forma anónima.

Añade que las máscaras han desempeñado un papel significativo en diversas culturas, funcionan como símbolos duales, ya que protegen nuestra identidad al tiempo que nos permiten expresar nuestros sentimientos con mayor libertad.

Cabe destacar que Sebastian Fund impartirá el taller Máscara gráfica, actividad que consta de tres sesiones en las que los participantes, con o sin nociones de dibujo, conocerán y explorarán la colografía, técnica gráfica con la que crearán una máscara.

Este taller gratuito se realizará los días 29, 30 y 31 de agosto, de 12:00 a 15:00 h. El cupo está limitado a 12 personas, principalmente de 18 años en adelante. Las inscripciones deben realizarse al correo: munae.comunicacion@inba.gob.mx.

Los Museos Nacional de Arte y el de la Estampa enriquecen sus colecciones con 126 obras de Adolfo Mexiac

• Las muestras temporales estarán disponibles del 24 de agosto hasta el 16 de febrero de 2025, en un homenaje al legado artístico del maestro michoacano

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Artes Visuales (CNAV), presentarán la exposición Mexiac. Legado de libertad, el 24 de agosto a las 12:00 h en el Museo Nacional de Arte (MUNAL) y el Museo Nacional de la Estampa (MUNAE).

A partir de la donación de 126 piezas realizada por la Mtra. María Patricia Salas Velasco, los fondos de los recintos pertenecientes a la Red de Museos del INBAL se han fortalecido con las destacadas creaciones del artista michoacano. El Munal enriquece su acervo con 43 obras que incluyen dibujos preparatorios y bocetos de grabados, mientras que el MUNAE suma 83 estampas a su colección. Ambos recintos han preparado una exhibición que celebra el legado artístico y contestatario de Adolfo Mexiac.

La curaduría está a cargo de David Caliz para el Munal y Lilia Prado para el MUNAE, respectivamente, quienes rinden homenaje al maestro mediante un diálogo con las colecciones de cada museo. El proyecto expositivo destaca su trabajo en el Taller de Gráfica Popular, su formación en la Escuela de Artes del Libro, y su periodo en el Instituto Nacional Indigenista en San Cristóbal de las Casas, Chiapas.

Una pieza central presente en ambas sedes es el grabado Libertad de expresión, realizado por Mexiac hacia 1954. Esta estampa emblemática se ha convertido en un símbolo de las expresiones sociales.

Las exposiciones permanecerán disponibles hasta el 16 de febrero de 2025 y estarán acompañadas por un programa académico que comenzará con la presentación de la Mtra. María Patricia Salas Velasco, reconocida artista y esposa del maestro, junto con diversos especialistas. Para más información, se pueden consultar las redes sociales oficiales de los museos y las páginas web www.munal.mx/es y https://munae.inba.gob.mx/.

Semblanza

Adolfo Mexiac nació en Cuto de la Esperanza, Michoacán, el 7 de agosto de 1927. Aunque fue principalmente autodidacta, en 1948 ingresó a la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, donde tuvo como profesores a José Chávez Morado e Ignacio Aguirre. Se unió al Taller de Gráfica Popular (TGP) por invitación de Pablo O´Higgins, con quien colaboró en el mural de la escuela de Santa María Atarasquillo, Estado de México. Durante su tiempo en el TGP trabajó con Leopoldo Méndez, Alberto Beltrán y Mariana Yampolsky.

En 1950 se inscribió en la Escuela de Arte del Libro, donde se consolidó como grabador. Allí aprendió técnicas de impresión en linóleo, aguafuerte, xilografía, huecograbado y litografía, bajo la tutela de Francisco Díaz de León, Alfredo Guati Rojo y Pedro Cautelar. Por invitación de Alberto Beltrán, viajó en 1953 a Chiapas para participar en el Centro Indigenista de San Cristóbal de las Casas.

Mexiac fue un artista prolífico cuya obra también abarcó la pintura mural y de caballete, la cual ha sido exhibida en numerosas exposiciones colectivas e individuales. En 1969 ganó el primer lugar en grabado en el Salón de la Plástica Mexicana con su obra El hombre de nuestra época. Comenzó su carrera como docente en la década de 1970 en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde enseñó hasta 1984, y también impartió el curso de xilografía en La Esmeralda.

Su mural más famoso, que ilustra la historia constitucional de México, fue completado en 1981 y está ubicado en el Palacio Legislativo de la Ciudad de México. En 1987 pintó el mural Autonomía Universitaria en la Universidad de Colima. Mexiac falleció en Cuernavaca, Morelos, el 13 de octubre de 2019.

El Museo Nacional de Arte se ubica en Tacuba 8, Centro Histórico, alcaldía Cuauhtémoc. Horario: martes a domingo, 10:00 a 18:00 h. Costo general $90. Entrada libre a INAPAM, menores de 13 años, personas con discapacidad, maestros y estudiantes con credencial vigente. Domingo, entrada libre. 

El Museo Nacional de la Estampa se localiza en avenida Hidalgo 39, Plaza de la Santa Veracruz, Centro Histórico, alcaldía Cuauhtémoc. Horario: martes a domingo, 10:00 a 18:00 h. Costo general $65. Entrada libre a INAPAM, menores de 13 años, personas con capacidades diferentes, maestros y estudiantes con credencial vigente. Domingo, entrada libre.