El compilado en CD doble continúa el archivo sonoro del medio, articulado con pódcast y procesos formativos en Bogotá.
Oscura Radio Tv presenta el Volumen 4 de su compilado como parte de la conmemoración de sus doce años de trabajo en la escena independiente. Se trata de una recopilación en formato físico que da continuidad a una línea editorial centrada en documentar, conectar y circular la producción del rock y el metal en Bogotá.
El nuevo volumen se materializa en un CD doble que reúne 36 propuestas distribuidas entre el rock y los sonidos extremos. El proyecto mantiene su lógica de curaduría orientada a visibilizar procesos activos dentro del circuito local y a registrar un momento específico de la escena, más allá de la inmediatez digital
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En este contexto, ‘Vol. 4’ no funciona de manera aislada. Su aparición se integra a una serie de 12 pódcast que recogen voces de distintos agentes del ecosistema cultural —medios, gestores, espacios y proyectos—, así como a talleres de comunicación comunitaria enfocados en la creación sonora. Estas acciones configuran un mismo eje: producir memoria desde diferentes formatos y ampliar las formas de circulación del conocimiento alrededor de la música independiente.
La insistencia en el formato físico responde a una postura clara dentro del proyecto. El compilado se presenta en formato CD profesional, en una edición digipack de tres cuerpos que incluye librillo, consolidando un objeto que trasciende lo sonoro. Reúne expresiones musicales y articula oficios: diseño, ilustración y producción convergen en una pieza que busca sostener una experiencia que se extiende a través de todos los elementos que forman parte de su concepto. En esta edición, la portada desarrollada por Narsil_Bv se integra a esa intención, reforzando la dimensión visual como parte del relato.
Con ‘Vol. 4’, Oscura Radio Tv continúa una práctica que ha ido tomando forma con cada aniversario. Entre artistas, entre procesos, entre quienes hacen y quienes escuchan. En ese cruce, el compilado se sostiene como un punto de encuentro dentro de una escena que se mueve, cambia y se reorganiza constantemente.
Para el lanzamiento del disco, Oscura Radio Tv realizó un evento en el Teatro Experimental de Fontibón que reunió distintos momentos alrededor del proyecto: un conversatorio moderado por Carlos FabiánRodríguez, Director de Metal.co; presentaciones acústicas de algunas de las propuestas participantes; la exhibición de una pieza audiovisual que recogió las memorias del proceso, la presentación de los 12 proyectos vinculados a la serie pódcast y las imágenes de la experiencia de los talleres de formación en radio realizados con niños y jóvenes de la localidad —quienes al finalizar recibieron un kit de pódcast—; y la presentación de la línea de merch oficial del medio.
El evento, que se extendió a lo largo de tres horas, contó con una buena recepción por parte del público y propició el encuentro entre artistas, agentes culturales y periodistas, reforzando su carácter como espacio de articulación dentro de la escena.
El compilado incluyó la participación de tres proyectos invitados: Viajero, de Medellín; Gallin4zo, Eje Cafetero; y Danny FRATI Celli, artista puertorriqueño, abriendo el proyecto a otros circuitos sin perder su enfoque local.
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Es una canción para cuando necesitas valentía: para levantar la voz, salir del miedo y recordar que tu tiempo es limitado, pero tu fuego no.
Distópxica es una banda de rock de Bogotá y, al tiempo, un proyecto de reflexión crítica. Usan la música para hablar de las toxicidades de los tiempos actuales, la crisis ecológica, la desigualdad, la migración, la violencia y la resistencia. Cada canción es un mapa emocional: no dan respuestas fáciles, abren preguntas incómodas y recursos para habitar la incertidumbre con dignidad.
Distópxica es la mezcla entre distopía, territorio y toxicidad entendida como catalizador de cambio. No es sólo un nombre, es un manifiesto: incomodar para transformar. Es un núcleo conformado por Javier Vaca, voz y letras; Sergio Moreno, guitarra y coros; y Gabriel García, sintetizadores y guitarra.
La intención de su propuesta musical es simple y, al mismo tiempo, agresiva: usar el rock como laboratorio de conciencia. Distópxica es un cruce de caminos a nivel sonoro. La base es la intensidad del rock y del metal, pero dialoga con el punk, la energía de la salsa, la cadencia de la cumbia y la tradición de la canción latinoamericana de denuncia.
"No hacemos "música de protesta" en el sentido tradicional; trabajamos una especie de arqueología emocional del presente. Tomamos temas pesados —crisis ecológica, desigualdad, violencia estructural— y los traducimos en canciones que puedan ser gritadas en un pogo, pero que también resistan una lectura intelectual", cuenta la agrupación colombiana.
"Buscamos transformar el trauma ecológico y social en comprensión, motivar la duda y generar incomodidad constructiva. Denunciamos sin caer en el panfleto porque nuestras letras están pensadas para perdurar, para seguir insistiendo en algo dentro de diez o veinte años", agrega.
'Arde' es lo nuevo de Distópxica, una canción que nace de la necesidad de replantear la forma en que se entiende la rabia y la protesta. Habla de alguien que ha marchado, que ha enfrentado gases, balas y persecuciones políticas, pero que decide que su verdadero campo de batalla es el aula, el conocimiento y la organización social.
El tema cruza varias capas: educación como arma, revolución, raza, memoria, supremacías que se jactan de intocables y culturas que se niegan a desaparecer. Es una invitación a incendiar lo que oprime, no existe nada más incendiario que los argumentos, el pensamiento crítico, la comunidad y su acción colectiva.
"Cuando decimos "La educación es el arma de mi raza", estamos diciendo que no queremos más generaciones entregadas al plomo; queremos generaciones armadas de libros, preguntas y conciencia", enfatiza la banda bogotana.
'Arde' mezcla rock, punk y metal con una cadencia de salsa marcada en la voz. Se siente ecos de bandas como Rage Against the Machine y The Mars Volta en la energía y la estructura, pero filtrados por la realidad bogotana y latinoamericana. Distópxica también se nutre de músicas de raíz, de los ritmos de calle, de la sonoridad de los barrios y de la historia política reciente de Colombia.
El video toma un lugar aparentemente neutro —una oficina de un corporativo real— y lo convierte en escenario de resistencia. Ese espacio de trajes, escritorios y reuniones se transforma en un coro de voces que ya no hablan de ventas, sino de dignidad.
La historia gira alrededor de esa tensión: gente común, en un entorno cotidiano, que decide levantar la voz, cantar y ocupar el lugar como si fuera un escenario. Visualmente juega con la idea de que la revolución no siempre está en la calle; también puede empezar en el pasillo de una oficina, en un aula, en cualquier espacio donde la gente se organice o trabaje.
Para la banda, "el mensaje es claro: si el sistema nos encierra, convertimos ese encierro en eco. La educación, la palabra y la comunidad son las armas que cargan la canción y la imagen".
La canción, producida por Baltika Records, está construida sobre batería, bajo, guitarras y coros reales grabados en una oficina corporativa llamada "Visionarios" (empresa BHIP), el mismo espacio donde se filmó el video con el fin de que sonara a gente real, en un lugar donde normalmente se habla de metas y cifras, no de revolución.
"Más que números, esperamos que 'Arde' se convierta en mantra: que la gente la use para marchar, para entrenar, para ir al trabajo teniendo muy presente que su tiempo vale más que cualquier campaña de marketing. Queremos que la canción abra conversaciones sobre educación, racismo estructural, supremacía y colonialidad, pero también sobre orgullo de raza y cultura. Esperamos que funcione como puerta de entrada al universo de Distópxica y al álbum completo 'Distopía Tóxica', tanto en Colombia como en otros territorios de Latinoamérica", enfatiza la agrupación.
'Arde' es la pista número 5 del disco debut de Distópxica titulado 'Distopía Tóxica', un trabajo de 11 canciones cuyo eje conceptual se ve incluso en el arte: la portada muestra un mundo en destrucción, mientras la contraportada propone un horizonte de esperanza. El álbum recoge historias de colapso y resistencia y las ordena en un viaje: del territorio herido a la posibilidad de transformación.
Para el próximo año, Distópxica estrenará el disco en el mes de enero, lanzará dos nuevas canciones y presentará una versión acústica del álbum en formato íntimo.
"Es importante descubrir a Distopxica en Colombia y Latinoamérica porque contamos la distopía desde adentro: desde un país atravesado por guerra, desplazamiento y resistencia. Ofrecemos una lectura propia de ese caos, una mezcla rara de rigor conceptual, lenguaje callejero y sonido pesado, hecha para este tiempo y esta región. En un continente saturado de discursos vacíos, creemos que es urgente defender proyectos que apuestan por la denuncia, la memoria, la crítica y la herencia", concluye la banda colombiana.
Sobre Distópxica
La propuesta nace en 2010 como una bitácora de escritos de Javier Vaca que luego se convirtieron en canciones. Tras varias formaciones y la sacudida de la pandemia, en 2022 se consolida la banda actual bajo el nombre Distópxica, un neologismo construido como una ecuación: DIS–TOP–XICA.
DIS viene de "difícil / incómodo": es la disfunción, la grieta, lo que no encaja y nos obliga a cuestionar.
TOP viene de topos, "lugar": el territorio físico, social y mental donde se siente el colapso, las ciudades, los barrios, los cuerpos.
XICA viene de "tóxico", del veneno en la punta de la flecha: la incógnita, lo impredecible, eso que puede destruir o transformar según cómo se use.
Distopxica es entonces la mezcla entre distopía, territorio y toxicidad entendida como catalizador de cambio. No es solo un nombre, es un manifiesto: incomodar para transformar.
La formación actual del grupo es un trío alineado con su ecuación conceptual: Javier Vaca – Voz y letras (vértice XICA): el que pone la palabra, la duda y la herida que arde. Sergio Esteban Moreno – Guitarra y coros (vértice DIS): la crítica directa, el filo, la distorsión que incomoda. Gabriel García – Sintetizadores, guitarra y mezclas (vértice TOP): quien moldea el territorio sonoro, las atmósferas y el mapa donde ocurre todo. El proyecto tiene dos colaboradores clave: Baltika Records en la producción, mezcla y masterización; y Johan Echeverry en la producción audiovisual.
Extingue Tu Credo, La banda paraguaya de metal moderno ya está en estudio grabando su segundo álbum que tiene previsto su lanzamiento a finales de este mismo año. Con cambios en la alineación, la banda estuvo en etapa de composición durante todo el verano y otoño pasado, preparando más de 10 canciones que formarán parte del nuevo material.
El nuevo álbum contará con un sonido más maduro y elaborado que su predecesor explorando nuevos aspectos de la banda y exprimiendo el potencial de los nuevos integrantes en voces y bajo.
El primer corte promocional titulado “Opus Eclessia”, estará disponible en las siguientes semanas como adelanto del nuevo álbum. Extingue Tu credo realizó una gira nacional de 15 fechas por todo su natal Paraguay afianzando a su nuevo vocalista principal Diego López (Máquina de Tiempo/Wotton Candy/Funka).
Como novedad la banda ahora cuenta como dueño de las cuerdas graves a Magno Xyhain, experimentado bajista reconocido en la escena nacional paraguaya (Mythika/Ethereal/The Nookie).
El nuevo álbum contará como productor a José Mora (Guitarrista de la banda) y a Rodolfo Garay de Intelecto Studio.
Diego López (Cantante)
Magno Xyhain (nuevo bajista)
Extingue Tu Credo nace de la necesidad de llevar gritos de protesta paraguayos de toda creencia que va consumiendo nuestra sociedad, sea política, religiosa o ideológica. Formado como Unforgotten en plena pandemia del año 2020, lanzan en todas las plataformas con la misma formación un EP en el 2021 titulado Extinction´s Road, posteriormente estrenando escenario en Absoluto Rock meses después del lanzamiento.
Con una puerta muy interesante abierta, de la mano de Mural Sessions Argentina, la banda decide dar un giro determinante a las letras de las canciones, pasando todo el repertorio al castellano y entrando a componer los temas del disco “Cicatrices”, grabado en septiembre de 2022 en buenos aires, en los reconocidos estudios Romaphonic, de Argentina.
Extingue Tu Credo tiene como base al MetalCore, el Groove Metal y la esencia del Thrash mismo.
Se presenta el jueves 18 de septiembre en el Museo del Pulque y, además, el sábado 20 de septiembre en el Foro Bizarro
En el pulso intenso y siempre insurgente del rock mexicano, hay nombres que resuenan como cicatrices sonoras, marcas indelebles en la memoria de las calles, de los foros sudorosos y de la hermandad que se forja a base de distorsión y verdad. Garrobos es uno de esos nombres. Nacida en 1996, esta banda mexicana, curtida en el cruce eléctrico entre el metal y el hardcore, ha defendido durante casi tres décadas un mensaje que es más que música: igualdad, fraternidad y resistencia para todas las tribus subterráneas del rock. Ahora, regresan a escena con un gesto que honra la raíz y la memoria: la reedición especial, en formato físico y limitado, de "Sacude el Cráneo", su emblemático álbum lanzado originalmente en 1997, convertido en pieza de culto para coleccionistas y melómanos del punk y el metal nacional.
La figura de Garrobos trasciende su propuesta sonora, pues desde su primer sencillo "Paredes" fue declarado grupo revelación en MTV’s Headbanger’s Ball y logró captar atención internacional, lo que cimentó su condición de puente entre la escena mexicana y el metal latino emergente. Su segundo disco, "Sacude el Cráneo", no sólo se ubicó entre los diez mejores grupos de rock en español, también fue nominado por MTV como mejor video de metal latino. La banda continuó su ascenso con giras intensas, encabezando el Aztlan Fest a lo largo de estados Unidos y el norte de México en 2002, y compartiendo escenario con leyendas como Metal Church, Death Angel, Brujería, El Tri, Misfits y Angéles del Infierno.
Pero más allá del ruido y el impacto inmediato, Garrobos representa una escuela de resistencia y autenticidad. Su propuesta, una fusión visceral de punk, metal y rock pesado, ha sido descrita como , donde el mensaje no se diluye en la pose, sino que emerge directo, a la garganta, convocando una comunión entre bandas y audiencias diversas. Además, su influencia es tangible en las nuevas generaciones: en palabras del vocalista “Lagarto”, muchos jóvenes músicos confiesan que su primer contacto con la música fue gracias a Garrobos, y hoy ellos mismos forman parte de nuevas bandas de punk o metal.
Esta reedición llega gracias a la visión y empeño de Bambam Records, sello que, bajo la batuta de Israel Olguín, se ha consolidado como el más importante y prolífico en México dentro de estos géneros, sosteniendo con pasión la llama encendida de las producciones físicas y de alta calidad. El nuevo "Sacude el Cráneo" se presenta como un doble disco compacto que contiene no sólo las canciones originales, sino también versiones demo, grabaciones en directo nunca antes editadas y rarezas que capturan el espíritu irrepetible de la época en que el álbum nació. A ello se suma un booklet de más de 20 páginas que narra con detalle el contexto, las vivencias y la efervescencia de aquel momento, convirtiendo esta edición en un documento histórico y afectivo para quienes vivieron, y para quienes quieren conocer, la fuerza de Garrobos en su estado más puro.
El lanzamiento tendrá dos presentaciones oficiales, cada una con su propia alma. La primera será el jueves 18 de septiembre en el Museo del Pulque, ubicado en Avenida Hidalgo 109, colonia Guerrero, en pleno Centro Histórico de la Ciudad de México, a partir de las seis de la tarde. Con un costo de preventa de $150.00, esta velada reunirá en un mismo escenario a Garrobos junto a Alta Tensión y Vleizer, para un encuentro sonoro donde el rugido del metal y la fiereza del hardcore harán vibrar los muros de uno de los recintos más icónicos para la cultura popular de la capital.
La segunda fecha, el sábado 20 de septiembre, será en el Foro Bizarro, en Yucatán No. 10, esquina Álvaro Obregón, colonia Roma, justo a un costado del Metrobús Álvaro Obregón. Allí, con el mismo precio de preventa de $150.00, la noche se expandirá en un cartel múltiple y explosivo: además de Garrobos, que interpretará un repertorio distinto al de la primera fecha, estarán Los Carnash, presentando también nuevo disco; Hospital X, igualmente con estreno discográfico; la energía de Pai Pai; y un DJ set con viniles a cargo de Ruin Andrade y Bambam Records, hilando la noche con joyas de colección.
En ambas presentaciones, Garrobos ofrecerá algo más que un concierto: será un viaje a un tiempo en que Sacude el Cráneo no únicamente era un título, sino una consigna para romper inercias, para desafiar lo establecido y para fundirse con el sonido como un acto de comunión. Con más de veinte años de historia, este álbum ha sobrevivido al paso del tiempo porque no es solo música: es memoria, es identidad y es el eco de una generación que aprendió que la furia también puede ser un acto de amor.
Bambam Records y Garrobos demuestran, una vez más, que en el punk y el metal mexicano la independencia no es una pose, sino una forma de vida. Y que mientras existan foros, sellos y bandas que crean en el poder de la música como resistencia, el cráneo seguirá sacudiéndose al compás de guitarras afiladas, bajos densos y baterías que laten como un corazón colectivo.
'Mesa de Rock Fontibón Vol. 2' reúne a ocho grupos y quince canciones en un compilado que documenta la escena independiente desde el rock y el metal local en la capital de Colombia.
Mesa de Rock Fontibón, espacio de participación cultural de la localidad novena de Bogotá que nació en 2014 y forma parte del Festival Hyntiba, proceso que inició en 1995 y se ha posicionado como un referente de la escena de la ciudad, presenta su segunda selección musical.
Esta nueva entrega reúne a ocho agrupaciones locales activas, en un proyecto que articula procesos culturales alrededor del rock y el metal independiente, desde una mirada cercana y autogestionada.
«Esta segunda versión busca resaltar el talento local y visibilizar el trabajo que se ha venido realizando desde el territorio», señala la Mesa de Rock Fontibón.
Publicado en 2025, el compilado da continuidad al trabajo iniciado en 2022, cuando se lanzó el primer volumen en formato pro-tape, con una tirada limitada de 100 copias. Aquella edición se convirtió en un testimonio físico del ecosistema musical en la zona. Esta segunda versión amplía el espectro: Muestra la evolución sonora de las bandas, visibiliza el trabajo de agentes culturales, medios y colectivos, reafirmando la escena como un ambiente fértil de creación y un lenguaje distintivo.
«La premisa en ambas ediciones ha sido desarrollar acciones que fortalecerán el reconocimiento de la labor artística emergente y autónoma», agrega la organización.
El proyecto reúne a La Farsa, Ennui, Eroica Eterna, Human Conspiracy, El Dorado, Scar-Let, Narcocracia y Hermanos Galácticos. Las quince canciones que componen el compilado exploran múltiples sonoridades del rock, desde el neo swing y el folk metal hasta el heavy, el grunge y los sonidos progresivos. Se trata de una colección que deja en evidencia la amplitud estética que existe en el territorio, y cómo esta se entreteje con narrativas que van de lo íntimo a lo político.
Canciones que integran el compilado:
La Farsa – 'Los Infiernos', 'En el Espacio y el Tiempo'
Ennui – 'Parar el Tiempo', 'Un Caos Más'
Eroica Eterna – 'Ofrenda al Río', 'Autodestrucción'
Conspiración humana – 'Faro', 'Intra'
El Dorado – 'Reminiscencia', 'Reyes de Sangre y Sudor'
Escarlata – 'Cromosoma', 'En la cruz'
Narcocracia – 'Charlatán', 'Triunvirato'
Hermanos Galácticos – 'Mi Moto Galáctica'
Junto a estas agrupaciones, el compilado reconoce a los agentes culturales que hacen parte de Mesa de Rock Fontibón: Betrayer Zine, Boom-R, La Riveros, Manoa VR, Methusya, Oscura Radio Tv, SubNation Noise, TioDave.com y Corporación Fomentar Desarrollo. Su participación no sólo refuerza el carácter colaborativo del proyecto, sino que también manifiesta la red de trabajo que sostiene la circulación cultural en Fontibón.
«En este espacio convergen artistas, gestores, medios de comunicación, formadores, promotores de eventos y distribuidores musicales que dinamizan el ecosistema cultural alrededor del rock y metal local», enfatiza.
La portada del disco, realizada por Yesid Ramírez Avella, es una pintura al óleo que retrata la fachada de la estación del tren de Fontibón, espacio tradicional de la localidad y símbolo de memoria barrial y resistencia. La imagen fue construida a partir de una fotografía original de Cristhian Real Alvira, con diseño y diagramación de Dave Pacheco .
'Mesa de Rock Fontibón Vol. 2' es un archivo sonoro y visual del presente de la escena de Fontibón. Una plataforma construida desde lo colectivo para visibilizar a quienes habitan la música desde los bordes. Desde la autogestión, el arte y la persistencia, esta producción reafirma que el rock local resiste, propone, cuestiona y narra, desde otras formas, las expresiones culturales de la sociedad colombiana.
En un país donde las calles gritan más de lo que se escucha en las noticias y los muros aún sangran rabia y poesía, las voces de las Tribus Subterráneas se niegan a desaparecer. El rugido del metal, el filo del punk, la visceralidad del hardcore y el sudor del rock and roll vuelven a alzarse como un solo puño para rendir homenaje a tres décadas de resistencia sonora. Garrobos, esa banda que desde hace treinta años lleva tatuada en sus acordes la furia de las banquetas y el desencanto de las periferias, celebra su aniversario no con un discurso condescendiente, sino convocando a la batalla a las bandas que han caminado el mismo sendero de asfalto, protesta y distorsión.
Será el domingo 27 de julio cuando el Centro Cívico de Ecatepec, se transforme en un altar pagano de guitarras incendiarias y corazones al rojo vivo. Un festival donde no habrá lugar para la tibieza, donde el escenario será trinchera y donde cada acorde será testimonio de vida. Para anticipar esa jornada que promete ser histórica, cinco de las agrupaciones que forman parte del cartel se encontrarán el día de hoy martes 15 de julio en el legendario Museo del Pulque, a las 18:30 horas, para compartir con el público y a través de la señal de Lagarto TV, sus historias, su presente y el espíritu con el que encaran esta celebración.
Xenofobia, esa banda mítica que desde los años ochenta ha servido de brújula para el punk nacional, se presentará con la reedición de su vinilo, un objeto que es más que nostalgia: es memoria viva en surco negro, un grito congelado en el tiempo que vuelve para recordarnos de dónde venimos. Graffiti 3X, con su rabia organizada, sigue inyectando ruido a los escenarios, y en esta ocasión mostrará parte de su nuevo repertorio, prueba de que su músculo creativo sigue palpitando con furia callejera.
Catarsis Liberada, fiel a su nombre, compartirá su primer vinilo, una pieza que huele a lucha, a libertad y a cicatriz recién cerrada. Excluded, con la voz aún rasgada por su reciente gira europea, contará las vicisitudes de un tour que demuestra que el punk mexicano no sólo resiste: también conquista. Y Autarkia, que vuelve a los escenarios con nuevo material discográfico, se alza de nuevo con la misma fiereza de siempre, mostrando que el silencio no es derrota, sino pausa estratégica para gritar más fuerte.
Este encuentro no será solo un conversatorio: será un ritual. Una reunión de espíritus afines que han hecho de la música no un pasatiempo, sino un manifiesto. Quienes se conecten a Lagarto TV serán testigos de cómo estas voces, que han hollado el concreto y la ignominia, siguen transformando el ruido en arte, y la rabia en propuesta. En este México que aún duele, estas bandas no sólo celebran a Garrobos: celebran que, pese a todo, seguimos de pie, guitarra en mano, gritando desde el subsuelo.
‘Blessed’, lanzamiento más reciente de la banda sudamericana de hardcore, Custodia, nos invita a persistir, a insistir e intentarlo de nuevo.
‘Blessed’, cuyo mensaje cargado de energía y optimismo simboliza a Dios como el ideal máximo al persistir y a pesar de todo, no caer en la derrota, es el sencillo que bautiza a su tercer larga duración. Aunque su travesía comenzó en el 2007, la integridad de su esencia se mantiene intacta.
En un primer acercamiento, la letra de la canción invita a no quedarse con los brazos cruzados. Todos los días estamos rodeados de problemas, limitaciones y oportunidades que se nos han negado desde un principio. Pero la calle nos hace fuertes, nos da valor; podemos quedarnos en el suelo y esperar el azar o, por el contrario, construir un cambio desde que nos levantamos para limpiarnos las lágrimas y darle vida al milagro que somos.
Custodia es una agrupación que nació en Quito, capital de Ecuador. Las buenas circunstancias de la vida, sin embargo, han permitido que integrantes de Colombia y Perú también se sumen al proyecto, como emblema de la unión entre nacionalidades que viven realidades similares desde Latinoamérica. En un continente distinguido por un contexto social e histórico tan agitado, la hermandad entre sus miembros casa muy bien con los elementos punk, metal y hardcore de su obra musical; géneros ideales para protestar y mostrar descontento. Pero también, adecuados en la búsqueda de Dios como manifestación del camino correcto, la guía máxima de nuestra espiritualidad.
De acuerdo con su cantante Juan García (xChesterx): «Nuestra inspiración es Dios y todas las experiencias, vivencias y el poder plasmar historias de quienes también llegan a nosotros». En relación a esto, no es de extrañar que ‘Blessed’ (bendecido) incite a la fe y al hallazgo de un corazón valeroso, fuerte. En la actualidad, cuando este tipo de mensajes son tan importantes para la humanidad como raza única, el sencillo está narrado en inglés y español, acentuando su intención universal y el propósito fraterno del hardcore: Cuando tus gritos son silenciados y tu voz no es escuchada, tenemos un lugar para ti.
El videoclip que acompaña al tema fue grabado en una antigua casona de Lima (Perú). Su aire añejo refleja esa fuerza vital que nos mantiene en el tiempo y fiel a nuestros cimientos. A pocos segundos de iniciar, en lenguaje de señas se indica: «Jesús es el camino, la verdad y la vida». La fe, motor del día a día y el llamado inequívoco de la fuerza interior, dan las bases en las cuales Custodia ha creído por casi veinte años de experiencia sonora. Esto también ha motivado a que sus canciones sean directas, naturales y sin adornos. En el fondo son humanistas, apelan a la autonomía del oyente, a su criterio; a las grandes capacidades que todos podemos adquirir para superarnos, seguir adelante y regir nuestro propio destino.
En ‘Blessed’, la crudeza de las guitarras eléctricas se combina con el canto y los guiños raperos. Le dan vitalidad a la fuerza de las voces rasgadas junto a los fraseos callejeros, en un equilibrio que habla positivamente de sus inquietudes en el hardcore, como las influencias de Trapped Under Ice, Terror, Grito, Nueva Ética y Ética. En sus años sobre la carretera, Custodia se ha hecho notar sobre escenarios de México, Guatemala, El Salvador, Nicaragua, Honduras y Costa Rica. En Sudamérica, claro está, se ha presentado en Colombia, Ecuador, Perú, Chile, Argentina, Paraguay y Brasil. Incluso, haciendo más extensa su esencia latina, ha tocado en lugares como Indonesia y Singapur.
‘Blessed’ es el primer sencillo de su nuevo trabajo homónimo que saldrá en este 2025. Corresponde a su tercera producción discográfica. En el catálogo del grupo ya está disponible ‘Custodia’ (2010) y ‘Mi espíritu renacerá’ (2019).
La agrupación está actualmente conformada por los ecuatorianos Alejandro Morales (Negro), Juan García (xChesterx) y Jorge Narváez (xMerox); los colombianos Sebastián Ferrer y Rubén Cruz (xEggx); y el peruano César Gutiérrez (Cegese).
«Custodia suena a hardcore punk/metal, riffs crudos y letras que calan en el corazón de quienes nos escuchan», añade la banda.
La banda tapatía Cuca, ícono del rock mexicano, ofreció una rueda de prensa virtual para presentar lo que promete ser uno de los conciertos más intensos del año: su presentación el próximo jueves 10 de julio a las 21:00 horas en el Centro de Espectáculos La Maraka, en la Ciudad de México. Durante este encuentro con medios, al que asistieron el bajista Carlos Avilez, el guitarrista Alejandro Otaola y el baterista Nacho González, se habló no sólo del show, sino también del momento que atraviesa la agrupación, de su nuevo sencillo “Que Volando” y de su postura ante la coyuntura cultural del país.
Con más de 35 años de trayectoria y una fidelidad artística a prueba de tendencias, Cuca continúa desafiando los límites del rock con una propuesta irreverente, potente y profundamente crítica. La fecha en La Maraka, cuyas entradas ya están disponibles a través de Boletia, marcará el arranque oficial de su gira nacional 2025, además de servir como escenario de lanzamiento para su nuevo tema “Que volando”, una canción que, en palabras de Avilez, “mantiene esa vena crítica y salvaje que siempre ha tenido Cuca, pero con una madurez que refleja todo lo que hemos vivido como banda”.
Fieles a su esencia provocadora y sin filtros, los integrantes de Cuca reiteraron durante la rueda de prensa que lo “políticamente correcto” nunca ha sido parte de su ADN, y que la irreverencia es una característica que ha definido su trayectoria desde sus primeros años. “Ser correctos no va con nosotros, nunca ha ido”, afirmó Carlos Avilez con una sonrisa que denotaba complicidad entre sus compañeros. “Nos gusta decir las cosas como son, con crudeza y humor, como siempre lo hemos hecho”.
En ese mismo tono, compartieron su entusiasmo por el sencillo "Qué volando", una pieza que marca un giro sonoro con tintes de blues que, según confesaron, los ha dejado particularmente satisfechos. “Tiene un groove distinto, más arrastrado, más denso. Y aunque no es algo que hiciéramos de manera planeada, terminó siendo un experimento que nos gustó mucho”, señaló Alejandro Otaola, destacando cómo la banda sigue explorando caminos musicales sin perder su identidad.
Durante la conferencia, Carlos Avilez subrayó que la gira arrancará con una serie de sencillos que irán publicando progresivamente: “Vamos a soltar una rola tras otra, porque así se consume la música ahora, pero todas tienen el sello Cuca: no dejamos de decir lo que pensamos, ni de tocar como sabemos”, dijo. Por su parte, Otaola comentó que "Que volando" es solamente una muestra de la libertad creativa que vive actualmente la agrupación. “Estamos en un momento muy fértil, donde hay muchas ideas y ganas de tocar. No estamos siguiendo fórmulas, estamos haciendo lo que queremos hacer”.
Los integrantes expresaron su pesar por el reciente fallecimiento de David Lerma, mejor conocido como “Guadaña”, emblemático cantante de Banda Bostik, quien partió el pasado fin de semana. “Fue un golpe muy duro para todos los que formamos parte del rock mexicano. Guadaña era un guerrero, una figura fundamental del rock urbano. Nos deja una herencia muy cabrona y mucha tristeza”.
Asimismo, al ser cuestionados sobre la reciente prohibición de los corridos tumbados en Jalisco, los músicos coincidieron en que limitar la expresión artística no es la solución. “Prohibir el arte nunca ha sido una opción válida”, sostuvo Otaola. “Si algo caracteriza a la música es que debe tener libertad total, incluso para incomodar. Nosotros venimos de una tradición donde el arte decía cosas que no se podían decir en otros espacios. Hoy eso sigue siendo fundamental”. Nacho González añadió: “Censurar una manifestación musical, aunque no nos guste o no la compartamos, es muy peligroso. La historia lo ha demostrado”.
La velada del 10 de julio en La Maraka se vislumbra como una cita obligada para los fanáticos del rock duro, del sarcasmo poético y de las guitarras incendiarias. Cuca volverá a demostrar por qué es una banda de culto, capaz de encender cualquier escenario con sus himnos como “La Balada”, “El son del dolor” o “La pucha asesina”. El concierto no solamente promete una dosis de nostalgia, sino también una conexión actualizada con una banda que se rehúsa a vivir de glorias pasadas.
A lo largo de su historia, Cuca ha sabido navegar los vaivenes de la industria musical sin perder la brújula. Desde sus inicios en Guadalajara en 1989, con un sonido que mezclaba el punk, el metal y el hard rock con letras cargadas de humor negro y crítica social, hasta sus recientes producciones, han mantenido una congruencia que les ha valido un lugar privilegiado en la memoria sonora del país.
El Centro de Espectáculos La Maraka, reconocido por su acústica y ambiente íntimo, será el marco perfecto para este reencuentro con su público chilango este 10 de julio, que ha seguido a la banda desde sus primeras tocadas hasta sus presentaciones masivas en festivales. “Nos emociona volver a la CDMX en un lugar como La Maraka, que tiene la vibra exacta para un show como el nuestro: cerquita de la gente, lleno de energía, sin poses y sin filtros” , comentó Otaola.
La Maraka se convertirá por una noche en el templo del rock nacional, con un concierto que no será únicamente una fiesta, sino una afirmación de la vigencia y fuerza de Cuca en un momento donde el país necesita voces crudas, sinceras y brutales como la suya. El mensaje está claro: el rock sigue vivo, y Cuca está más viva que nunca.
El objetivo es impulsar el talento de las y los artesanos que dominan distintas técnicas en los procesos de transformación del metal, entre sus piezas, destacan las arracadas con flores, mariposas y pájaros, símbolos del pueblo Mazahua.
En el Estado de México 613 personas de más de 80 municipios se dedican a esta rama artesanal, elaborando artesanías de gran herencia cultural.
Destaca San Felipe del Progreso con la realización de arracadas con flores, mariposas y pájaros, símbolos del pueblo mazahua.
TOLUCA, Estado de México. - El pueblo mazahua, ubicado en el municipio de San Felipe del Progreso, destaca en la elaboración de piezas de orfebrería y joyería, una de las 13 ramas que trabajan las “Manos Mágicas” en el Estado de México.
La Secretaría de Cultura y Turismo, a través del Instituto de Investigación y Fomento de las Artesanías del Estado de México (IIFAEM), impulsa el talento de las y los artesanos que dominan distintas técnicas en los procesos de transformación del metal, entre sus piezas, destacan las arracadas con flores, mariposas y pájaros, símbolos del pueblo mazahua.
El Estado de México, cuenta con 613 personas dedicadas transformar metal y piedras preciosas en hermosas piezas de orfebrería y joyería de gran herencia cultural; son 329 mujeres y 284 hombres, de más de 80 municipios, muestra de herencia familiar, creatividad y talento.
Además de San Felipe del Progreso, destacan en esta actividad Almoloya de Juárez, Atizapán de Zaragoza, Coacalco, Ixtapaluca, Huixquilucan, Lerma, Naucalpan, Nicolás Romero, San Martín de las Pirámides, Tecámac, Toluca, entre otros.
Una de las técnicas de decoración que se realizan en la entidad es la de la filigrana, la cual consiste en formar la obra con hilos de oro o plata, que son unidos y soldados con mucho cuidado, siendo esta una de las más antiguas y primitivas dentro de la rama de la orfebrería.
La orfebrería y la joyería se diferencian en que la primera elabora piezas más grandes o juegos, mientras que en la segunda se trabajan pequeños accesorios, generalmente dedicados al adorno personal, como son collares y aretes, en los que, además del metal, se montan piedras preciosas o semipreciosas.
Para dar a conocer el talento de las y los artesanos y apoyar la comercialización de sus productos, la Secretaría de Cultura y Turismo, ofrece a la venta piezas de esta rama artesanal, a través del Festival Cultural TransformARTE, que se realiza el último fin de semana de cada mes en el Centro Cultural Mexiquense en Toluca y el Centro Cultural Mexiquense Bicentenario en Texcoco; además, ofrece una gran variedad de estos productos dentro de sus tiendas CASART.
* El Titans of Metal se presenta el 1 de marzo de 2025 en el Parque Bicentenario
* Boletos a la venta en el Sistema Ticketmaster
El sábado 1 de marzo de 2025, el Titans of Metal Fest en el Parque Bicentenario de la Ciudad de México marcará un capítulo importante en la historia del metal en México al recibir a una de las bandas más innovadoras y emocionantes del género, "Infected Rain". Provenientes de Moldavia, este grupo se ha convertido en un referente del nu metal y el metalcore melódico, fusionando elementos de groove metal con una sensibilidad moderna y profundamente emocional. Su llegada al Titans of Metal Fest no sólo es una celebración de su ascenso en el panorama internacional, sino también un reconocimiento a su capacidad para redefinir el género. Boletos a la venta en el Sistema Ticketmaster.
Fundados en 2008 en la ciudad de Chisináu, Moldavia, Infected Rain ha roto barreras geográficas y culturales al convertirse en una banda de renombre en la escena internacional. Moldavia, una nación pequeña enclavada entre Rumania y Ucrania, no es un lugar comúnmente asociado con el metal, pero esto no ha impedido que Infected Rain construya un sonido único que combina la furia del nu metal, la complejidad técnica del metalcore y una base sólida de groove metal. Sus composiciones, lideradas por la potente voz de Lena Scissorhands, destacan por una mezcla equilibrada de growls agresivos, melodías desgarradoras y letras introspectivas que abordan temas como la fragilidad humana, la conexión con la naturaleza y la lucha personal.
Su sexto álbum de estudio, "TIME", lanzado en 2024 bajo Napalm Records, es un ejemplo perfecto de esta evolución artística. Producido, mezclado y masterizado por Valentin Voluta, el disco es un viaje multifacético que explora la fugacidad de la vida y la importancia de cada momento. El álbum marca también la incorporación de Alice Lane al bajo, una adición que ha aportado una nueva dimensión al sonido del grupo. Canciones como Dying Light y Never to Return han demostrado ser piezas centrales del álbum, con una energía que captura tanto la brutalidad como la belleza del metal moderno.
INFECTED RAIN - Freaky Carnival (Live at The Devil's Dozen) | Napalm Records
Desde sus primeras producciones como Asylum hasta trabajos más recientes como Ecdysis y el propio TIME, Infected Rain ha perfeccionado un estilo que combina riffs contundentes y estructuras melódicas con una producción impecable. Su música es intensa y visceral, con canciones como Sweet, Sweet Lies, The Earth Mantra y Mold que se han convertido en himnos para sus seguidores. La banda, liderada por Lena, junto con Vadim Ojog en la guitarra y Eugeniu Voluta en la batería, ha consolidado un sonido que resulta inconfundible y altamente adictivo.
La importancia de que Infected Rain forme parte del cartel del Titans of Metal Fest no puede subestimarse. El festival, que reúne a titanes de la escena metalera de todo el mundo, es una plataforma que reafirma el estatus de la banda como una de las más relevantes de su generación. Esta será su segunda visita a México, tras un debut triunfal en 2024, y representa una oportunidad única para que los fanáticos del metal en el país disfruten de una de las propuestas más frescas y emocionantes del momento.
Además de su trascendencia musical, Infected Rain también es un ejemplo de resiliencia cultural. Originarios de Moldavia, un país con un panorama musical limitado y escasos recursos para artistas independientes, la banda ha demostrado que el talento y la determinación pueden superar cualquier obstáculo. Su éxito no sólo pone a Moldavia en el mapa del metal, sino que también inspira a músicos de otras regiones menos representadas a seguir luchando por sus sueños.
El Titans of Metal Fest 2025 será un punto de encuentro para los amantes del metal, y la presencia de Infected Rain promete ser uno de los momentos más electrizantes de la jornada. Con su estilo único, su energía inagotable y su capacidad para conectar emocionalmente con su público, la banda moldea una experiencia en vivo que va más allá de lo musical. El 1 de marzo, los asistentes al Parque Bicentenario no sólo presenciarán a una banda en su mejor momento, sino también el poder transformador del metal como una fuerza cultural universal. Boletos a la venta en el Sistema Ticketmaster.
*Se presenta el 2 de noviembre en la Piedad Live Music junto a Koltdown y Pattern
*Boletos a la venta en el Sistema WeGow
Sever The Light, la reconocida banda mexicana de metal gótico y gothcore, está lista para deslumbrar a sus fanáticos en su Halloween Metal Party 2024, un evento que se ha convertido en un clásico de la escena metalera en Ciudad de México. El 2 de noviembre, la cita será en La Piedad Live Music, donde la agrupación presentará en vivo su esperado sencillo "Ghost", lanzado recientemente en plataformas digitales. Este tema, que explora los oscuros matices de la culpa y el arrepentimiento, es especial no solo por su temática, sino porque marca una colaboración internacional con Pablo Viveros, baterista y vocalista de Chelsea Grin, una de las bandas más influyentes en el deathcore estadounidense. Boletos a la venta en el Sistema WeGow.
Con este espectáculo, Sever the Light reafirma su lugar como una de las bandas más importantes del gothcore en México. La Halloween Metal Party, ahora en su tercera edición, contará además con la participación de importantes actos locales como Koltdown y Pattern, dos bandas que también destacan en el panorama nacional por su potencia y autenticidad en el escenario. A ellos se sumará la DJ NoWhrGrl, quien estará a cargo de ambientar la noche con una selección de metal que hará vibrar a los asistentes hasta el amanecer.
Como parte de las novedades de la noche, Sever The Light presentará oficialmente a sus nuevos guitarristas, Sof Simons y Leonardo Raffaello, quienes han aportado una nueva dinámica al sonido de la banda. Esta renovación en la alineación coincide con la evolución sonora de Sever the Light, reflejada en la profundidad lírica y el sonido maduro de su nuevo sencillo "Ghost". La canción, que combina los desgarradores screams de Viveros con la voz melódica y envolvente de Pamela Oscos, se caracteriza por sus potentes riffs y una atmósfera oscura que transporta al oyente a los rincones más profundos de la mente.
Sever The Light ha destacado en la escena del metal mexicano por su estilo único, fusionando el metal gótico con influencias alternas para crear lo que ellos denominan gothcore, un subgénero que ha resonado con fuerza entre sus seguidores. Esta colaboración con Pablo Viveros es un testamento de la proyección internacional de la banda y de su constante búsqueda por expandir las fronteras del metal gótico. "Ghost", disponible en plataformas digitales desde el 25 de octubre, es una muestra de esta evolución, y su videoclip oficial, producido por Pulver Films, se estrenará el 31 de octubre, prometiendo ser uno de los lanzamientos audiovisuales más ambiciosos de Sever The Light hasta la fecha.
Para completar esta experiencia inmersiva, la banda ha anunciado una colaboración especial con la marca mexicana de hidromiel Brokkr Meade. Juntos lanzarán una edición limitada de hidromiel inspirada en "Ghost", que contará con un exclusivo sabor a cereza negra. Esta bebida, que estará disponible durante la Halloween Metal Party, permitirá a los asistentes degustar una hidromiel única que, al igual que el sencillo, busca capturar los matices oscuros y profundos de la canción.
La Halloween Metal Party deSever The Light promete ser una noche épica e inolvidable para los amantes del metal y del gothcore en México. Con un cartel que combina talento nacional e internacional, y con un despliegue visual y musical preparado especialmente para la ocasión, la banda invita a todos sus seguidores a no perderse esta noche única. Los boletos están disponibles en preventa en WeGow con precio especial hasta el 31 de octubre, por lo que quienes deseen ser parte de esta experiencia deben asegurar su entrada cuanto antes.
Nuclear, la icónica agrupación de Metal originaria de Chile, llega para arremeter con una nueva y brutal creación. Se trata del tema que le da título al nuevo asalto sónico que saldrá a la venta el próximo 25 de octubre a través de Black Lodge Records, un EP lleno de Thrash titulado “Violent DNA”.
"Este primer single del nuevo EP - que además es la canción que le da título - es una suerte de regreso a la música más rápida que siempre nos ha caracterizado", comenta Matías, vocalista de Nuclear. "Nuestro anterior disco fue bastante más sombrío y oscuro, en "Violent DNA" quisimos nuevamente volver al carril de la velocidad, llevando la música nueva un escalón más arriba en agresividad. La letra dice directa relación en la percepción que tenemos de la humanidad en cuanto somos seres que desde nuestro orígenes como especie hemos impuesto voluntades por medio de la violencia, es nuestro pasado, presente y futuro y no podemos cambiarlo".
Este nuevo lanzamiento se encuentra disponible en todas las plataformas de reproducción y llega acompañado de un videoclip de categoría, como cada contenido realizado por la banda. "Violent DNA" (EP) será el séptimo lanzamiento de estudio de la banda sudamericana de thrash y esta vez trae algo diferente a la mesa. Tres nuevas canciones rabiosas y tres versiones van a ser demasiada brutalidad para que la proceses fácilmente. Cuidado, este nuevo álbum te transportará a principios de los ´90 y no te dejará ir hasta que termine.
Guitarras gruesas, baterías increíblemente rápidas y gritos ensordecedores sin parar son los ingredientes clave para la tormenta perfecta: "Violent DNA". Canciones imperdibles: "Violent DNA" y "Psychological Infanticide", son sólo una pista de esta corta pero efectiva agresión de este quinteto sudamericano. Incluso sin escucharlo, te atraparás con solo mirar la portada gráfica y espantosa.
El estreno en vivo de "Violent DNA" será el mismo día de su lanzamiento mundial, cuando Nuclear se presente en Santiago como parte de la celebración del 30° aniversario de "Victimized" de Criminal en el Teatro Cariola de la capital.
Luego de presentar el nuevo EP, la agrupación emprenderá la octava gira europea hasta mediados de noviembre con shows en Alemania, Polonia, Bélgica, República Checa y Eslovaquia.
FECHAS
25.10 SANTIAGO (CL) - TEATRO CARIOLA 30.10 HANNOVER (DE) - BEI CHEZ HEINZ 31.10 OSNABRÜCK (DE) - BASTARD CLUB 02.11 BREE (BE) - RAGNAROK LIVE CLUB 03.11 HAMBURG (DE) - BAMBI GALORE 05.11 WARSZAWA (PL) - VOODOO CLUB 06.11 KRAKÓW (PL) - HYPE PARK 07.11 PRAGUE (CZ) - MÓDRA VOPICE 08.11 BRATISLAVA (SK) - PINK WHALE 09.11 BURGENGLENFELD (DE) - VAZ 10.11 ESSEN (DE) - DON'T PANIC
SOBRE NUCLEAR
Formado en 2003, Nuclear se enmarcó en las tradiciones del thrash metal en sus primeros años, convirtiéndose más tarde en la prueba viviente del crossover explosivo con el que se conoce hoy. "Violent DNA" (Black Lodge Records, 2024), el séptimo lanzamiento de estudio de la banda, sigue el camino trazado por el exitoso "Murder Of Crows" pero agrega elementos más agresivos y cercanos al death metal en la música de Nuclear, aumentando la aspereza, la violencia y manteniendo su carácter intransigente e inalterable: escalar la brutalidad a medida que pasan los años.
Con 7 discos de estudio a sus espaldas y una amplia experiencia de más de 600 conciertos en todo el mundo y tocando en grandes e importantes festivales de metal a lo largo de los últimos años, la banda se ha mantenido firme y ningún revés romperá su voluntad de perseguir nuevos objetivos ni detendrá su impulso continuo de seguir creando música extrema.
Luego de lo que fue en 2021 la edición de “Compelled By Evil”, su álbum debut larga duración, los mexicanos Hate Ritual vuelven al ruedo en materia de composiciones con el lanzamiento de un nuevo single con videoclip bajo el nombre de “Grand Incineration Process”.
Este nuevo track llega de la mano de una renovación de la banda en cuanto a integrantes y adelanta, en cierto modo, lo que será un nuevo disco. La canción recientemente editada muestra el poderío musical de estos cuatro artistas que redoblan la apuesta con cada nuevo contenido, ahora en una nueva etapa.
Partiendo desde su impactante arte y luego desde lo musical, este nuevo lanzamiento es un viaje hacia lo extremo del Metal, interpretado por una agrupación relativamente joven, que ya se destaca dentro de la escena pesada del país Azteca.
Sobre el nuevo single, los protagonistas dejaron sus sensaciones:
José Hernández (guitarra), opinó al respecto: “Con Grand Incineration Process estamos mostrando una vez más que Hate Ritual no solo son los integrantes si no que son todas aquellas personas que se sienten identificados con los temas, los riffs, los nuevos ritmos y en con esta nueva alineación, vamos a demostrar que estamos en el siguiente nivel de odio, la sangre en este nuevo single es inminente, fresca y con mucho que ofrecer como lo pueden ver en nuestro video oficial, la unión y fuerza que viene de diferentes ideologías es el resultado, estamos emocionados por irles mostrando el desarrollo de este nuevo disco, esto es apenas el comienzo del nuevo ritual del odio".
Inlan Bravo (batería), compartió su punto de vista: “Es un vídeo que demuestra la intención de la banda, trabajar de la manera más eficaz y certera, integrando los mensajes a través de lo visual y también de lo auditivo, la canción es el punto inicial de todos los nuevos sonidos, métricas y ritmos que vendrán en el álbum”.
Hate Ritual no es sólo una banda de metal, es una experiencia en sí misma. Originarios de Mérida, Yucatán, México, esta banda ha forjado su camino en la escena del Death Metal con una pasión feroz y una visión musical única en su tipo.
Historia y Fundación: Hate Ritual se forma en junio de 2017 en Mérida, Yucatán, México, como una respuesta a uno de los entornos culturales y sociales históricamente más cerrados y opresivos del país. La banda se formó con la determinación de desafiar lo establecido y llevar su música a todos los rincones del mundo.
Miembros: Hate Ritual está formada por cuatro inadaptados que se unieron en busca de libertad musical y expresión artística. Conoce a los miembros: Charles “Sugar” Hangman (voz), Pepe Hernández (guitarras), Ricardo “Rudo” Rodríguez (bajo) e Inlan Bravo (batería).
Sonido: La música y sonido que los caracteriza es una fusión única de death metal, groove y thrash. Sus influencias incluyen bandas legendarias como Lamb of God, Gojira, Sepultura, Carcass, Bolt Thrower, Sleep, Acid Bath y Pantera. Cada miembro aporta su propio bagaje musical, creando un sonido distintivo que refleja sus diversos gustos.
Experiencia en Vivo: Los shows en vivo de Hate Ritual son mucho más que simples conciertos. Son una experiencia interactiva en la que el público se convierte en parte integral del ritual. Desde fanáticos del mosh pit que se entregan al caos hasta aquellos que corean cada canción con pasión, todos son bienvenidos. Durante sus actuaciones, la banda incorpora dinámicas que hacen que todos se sientan parte de algo más grande.
Álbum Debut: En 2021, Hate Ritual lanzó su álbum debut Compelled by Evil, que explora temas que van desde luchas internas hasta críticas sociales y horrores de la mente humana. Cada canción es una invitación a explorar la oscuridad dentro de nosotros mismos a través de riffs poderosos, percusión implacable y letras memorables. El disco grabado y producido por Hexenfall Media en medio de la pandemia. Fue editado en formato físico por Maykos Records de Querétaro, México.
Highlights: Hate Ritual ha acumulado más de 160,000 reproducciones en Spotify, un testimonio del impacto de su música en la audiencia. Además, han sido objeto de numerosas entrevistas internacionales y tuvieron el honor de ser headliners en el escenario New Blood Stage del H&H 2022, compartiendo escenario con bandas como Thell Barrio y Ace Kool. También han realizado minitours con Cemican y fueron el acto de apertura en dos fechas nacionales con Suffocation.
Contenido: La filosofía de Hate Ritual va más allá de la música. Crean música intensa y muchas veces catalogada como malévola o violenta pero se oponen a la segregación y la opresión. Su mensaje es claro: el odio debe quedarse en la música y no debe ser utilizado para reprimir o dañar de ningún ser humano. Están preparados para exhibir y combatir cualquier forma de discriminación o injusticia, dispuestos a ser los villanos que desafían los estándares sociales.
Próximos Proyectos: Actualmente, Hate Ritual está escribiendo su segundo álbum, que promete un enfoque aún más sustancialmente agresivo y mensajes más provocadores. Están listos para llevar su música y su mensaje al siguiente nivel.
Hate Ritual - Grand Incineration Process (Video Official)
