Emilia aborda el consumismo y la obsesión por pertenecer en su nuevo sencillo "Pasarella" Ft. Six Sex

Nueva York (4 de julio de 2025) – Con una ironía mordaz y una actitud sin disculpas, Emilia presenta su más reciente sencillo “Pasarella” junto a Six Sex — el nuevo tema de su muy esperado EP. Lo que a primera vista podría sonar como un himno glamuroso de moda, rápidamente se revela como una crítica aguda al consumismo moderno y a las absurdas medidas a las que la gente recurre para pertenecer. “Pasarella” y su video oficial ya están disponibles en todas las plataformas de streaming.

“Pasarella” ironiza la lógica de la exposición y el deseo a través del lente del consumismo. Es una canción que desfila entre marcas de lujo, looks curados y menciones de diseñadores, pero con una ceja levantada. Detrás del brillo se esconde una verdad más oscura: la presión constante de seguir comprando, actualizando y manteniéndose al día. Emilia se apoya en la exageración no sólo para dramatizar, sino para desmantelar el espectáculo mismo. Su interpretación es segura, casi demasiado perfecta — reflejando la compulsiva puesta en escena del exceso que define gran parte de la vida moderna.

El video musical que acompaña a “Pasarella” se desarrolla a través de una narrativa lineal ambientada en un centro comercial, donde Emilia y Six Sex emprenden una cada vez más absurda jornada de compras. Comienza con una toma amplia de una mujer sentada sola en la plaza de comidas, tomando un smoothie—una figura imperturbable con un corte de cabello y un look que remite claramente al ícono editorial Anna Wintour. Ese momento cotidiano se ve interrumpido cuando Emilia y Six Sex hacen su entrada, desfilando por el centro comercial y sincronizando sus labios con precisión magnética. Lo que empieza con unas pocas bolsas de compra rápidamente se convierte en un exceso consumista desmedido, acumulando montones de bolsas idénticas en tonos rosa pálido y azul, todas con la marca Pasarela. Entre tomas brillantes y encuentros surrealistas con transeúntes desconcertados, el video presenta viñetas íntimas dentro de dos probadores codificados por color — uno rojo, otro azul — filmados desde la perspectiva de un perchero. Allí, Emilia y Six Sex prueban ropa, descartan prendas y se lanzan miradas que difuminan la línea entre identidad y actuación. El video culmina en un exceso total: Emilia y Six Sex beben bubble tea, rodeados de una montaña imponente de bolsas con la marca. En una última caminata por el centro comercial, arrastran su cargamento con un esfuerzo exagerado — hasta que se rinden y abandonan las bolsas en un momento de liberación despreocupada. Una mujer mayor cercana observa, impasible. Ese instante agudiza la sátira en el corazón de la pieza: después de perseguir una versión inflada de pertenencia a través del consumo, la actuación colapsa — bolsas abandonadas, personas desnudas y un juicio silencioso que queda flotando en el aire como un eco de expectativas que nunca aceptaron cumplir.

Recién nombrada New Gen Artist en los Elle Style Awards 2025, la imparable ascensión de Emilia sigue causando impacto en la música, la moda y la cultura global. Con un sonido que desafía géneros y una visión audaz, se está consolidando rápidamente en el escenario internacional. Recientemente fue reconocida con un premio ASCAP por su colaboración con Los Ángeles Azules en “Perdonarte ¿Para Qué?”, una de las canciones latinas más interpretadas del año. También fue incluida en la lista de Artistas Emergentes del Año de People Magazine. Su reciente lista de colaboraciones destaca su versatilidad. Entre las más destacadas están “+ Te Vale” con Yami Safdie, y el “MASNA REMIX” junto a FMK, Nicki Nicole y Tiago PZK, que alcanzó el puesto No. 10 en la lista Daily Top Songs Argentina de Spotify. Su participación en el remix “MOTINHA 2.0 (Mete Marcha)” de Dennis DJ, con la brasileña Luísa Sonza, mantiene la posición No. 3 del listado semanal de Spotify en Argentina. Mientras tanto, “blackout” su sencillo con Nicki Nicole y TINI, debutó en el No. 9 del Top Songs Debut Global de Spotify y permaneció dos semanas consecutivas en el primer puesto del listado semanal en Argentina, manteniéndose actualmente en el No. 9. Con una base de fans internacional en rápido crecimiento, éxitos en las listas y un EP muy esperado en camino, la mezcla única de influencias latinas y su atractivo transversal consolidan a Emilia como una fuerza poderosa en la industria musical.

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OMV RADIO recomienda: (video) Pinó Moré de gira en México

• Llegan por primera vez a México con una gira que combina conciertos, talleres y colaboración artística.

• Su propuesta reinventa los sonidos del Caribe colombiano desde una mirada contemporánea y jazzística.

Por primera vez en su historia, la agrupación colombiana Pinó Moré cruza el Caribe para aterrizar en México, país con el que comparte raíces rítmicas, imaginación sonora y una devoción profunda por el mestizaje musical. Su visita no sólo será una serie de conciertos: se trata de una residencia artística que entrelaza talleres, encuentros, colaboraciones y escenarios que permitirán a este ensamble mostrar la madurez de una propuesta que lleva ocho años reimaginando el folclor de la costa norte de Colombia con el lenguaje del jazz contemporáneo.

Pinó Moré nace en Bogotá, pero su pulso viene del Caribe. Cumbia, porro, champeta y música antillana convergen con la armonía del jazz y la energía de la música urbana. Su primer álbum Bacatá (2019), es una carta instrumental a la capital colombiana: un homenaje plural a los sonidos que la habitan, la atraviesan y la expanden. Hoy, en plena etapa de postproducción de su segundo disco, el colectivo se prepara para presentarse por primera vez ante públicos mexicanos, acompañado de músicos locales y con una visión que rebasa lo escénico para instalarse en el diálogo, la pedagogía y la creación colectiva.

La gira Pinó Moré 420 Colombia-México, tendrá como epicentro la Ciudad de México, con una serie de presentaciones y talleres que se desarrollarán entre el 16 y el 26 de julio. Los talleres, en específico, forman parte de una coproducción con el Museo del Juguete Antiguo México (MUJAM), y contarán con la participación especial de músicos oaxaqueños, como el trompetista Ayuuk Benjamín Kumantuk, quien dirigirá una sección de metales que se sumará a la agrupación colombiana para algunos de los conciertos. Esta colaboración subraya el espíritu de la gira: un ejercicio de encuentro entre tradiciones vivas, regiones con identidad musical propia y artistas que entienden la música como un canal de transmisión directa.

El recorrido de Pinó Moré en México incluirá presentaciones en foros dedicados al jazz y la experimentación sonora, así como eventos masivos de celebración cultural. Algunas de las fechas confirmadas son:

• Miércoles 16 de julio – Por confirmar: Cracovia 32
• Jueves 17 de julio – Jazzatlán, CDMX
• Viernes 18 de julio – Huerto Roma Verde, CDMX
• Sábado 19 de julio – Fiesta de la Colombianidad, Foro La Paz, CDMX
• Domingo 20 de julio – Fiesta de la Colombianidad, Foro Bahía, CDMX
• Miércoles 23 de julio – Live Session en el MUJAM
• 24, 25 y 26 de julio – Tijuana Jazz Club y conciertos en Ensenada y Tijuana, Baja California Norte

Como parte de su residencia artística en el MUJAM, la agrupación ofrecerá una serie de cuatro talleres abiertos al público:

• Taller de composición con Santiago Pinaud
• Taller vocal con Leidy Montilla
• Taller de percusión con Antonio Guevara
• Taller de ensamble de banda, impartido por todo el grupo

La relación entre Colombia y México ha sido histórica en términos de circulación cultural y musical. En este contexto, la visita de Pinó Moré suma una nueva página a esa historia común, proponiendo una lectura contemporánea del Caribe desde la perspectiva del jazz, la improvisación, el groove y la investigación de campo.

La agrupación está conformada por Santiago Pinaud (director y pianista), Antonio Guevara (batería y producción), Leidy Montilla (voz, percusión menor y co-producción) y Francisco Álvarez (bajo y co-producción), acompañados en escena por una orquesta en formato expandido que incluye vientos y guitarra eléctrica.

Con un historial que incluye festivales como Barranquijazz, Mompox Jazz, Voces del Jazz Cartagena, Sancocho Fest, Fusagasujazz y escenarios clave de la escena independiente colombiana, Pinó Moré llega a México con el jazz como género, pero con toda la actitud ante el sonido, el cuerpo y la historia.

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OMV RADIO recomienda: (videos) El Viajero presenta Live Session 'Ocaso'

• Son seis memorias musicales que hablan del ocaso del amor

El Viajero es una agrupación colombiana que nace en el solsticio de 2020 en un viaje por diferentes veredas de El Carmen de Viboral, Antioquia, en un inicio en un formato solista que buscaba grabar y hacer memoria de la música creada desde el año 2002 y que conjugaría el cancionero 'Tres cantos al sol' y el poemario 'De los viajes'. Un año después, en 2021, durante un circuito de conciertos se fueron conectando los demás viajeros que darían vida al formato banda que hoy permanece.

El Viajero nace en la cordillera del oriente antioqueño y recorre distintos paisajes con una instrumentación mestiza. Sus integrantes Alejandro Trujillo Moreno, autor y compositor, voz y guitarra eléctrica; Wilmar Trujillo, clarinete, saxofón, sintetizador, gaita, coros, director musical y arreglista; Wilson Arbeláez, bajo; Wilson Arbeláez, percusiones, tambor alegre y caja vallenata; Jonathan Gómez Atehortúa, batería; Carolina Gómez Restrepo, coros; Daniela López, flauta traversa y coros; y Carlos Daniel Ossa, productor sonoro; con más de 20 años de trayectoria musical, han hecho parte de diferentes agrupaciones del oriente de Antioquia y en este tramo del camino, iniciaron un nuevo viaje de la música.

"Nuestra intención es viajar por las geografías sonoras de Colombia, caminar por las costas colombianas, los colores urbanos de la ciudad y algunas trochas montañeras herencias de nuestros abuelos. Intuimos la libertad del verso cantado y un amasijo de ritmos que se fusionan en el camino. Habitamos los paisajes del bullerengue, la cumbia y el bambuco. Nos encontramos en las trochas de la tambora, el vallenato y el porro chocoano. Y hacemos urdimbre y micelio con otras latitudes del mundo como el reggae, el funk y el rock", cuentan los integrantes de El viajero influenciados por la música de Carlos Vives, Daikiri, Puerto Candelaria, Bomba Estéreo, La Mojarra Eléctrica, Frente Cumbiero, Lucio Feuillet y Ondatrópica, Gustavo Santaolalla e Illya Kuryaki.

Con sus canciones, El Viajero busca conectar al público con su territorio a través del poema y la canción. Es una invitación para caminar la montaña, la ciudad y el mar y comprender la vida como un viaje, que no sólo transita los paisajes y los lugares en su geografía, sino también el viaje interior que todo ser humano vive en sus emociones, pensamientos y dimensiones espirituales y etéreas. Es un viaje al sueño, al amor y a los ciclos de la vida, conectando esta experiencia a la sabiduría del azar, de la sincronicidad, del cambio y del asombro en el camino.

Live Session 'Ocaso' es su nuevo lanzamiento, es un formato de sesión en vivo de la tercera producción de El Viajero. Contiene seis memorias musicales que hablan del ocaso del amor. Es una metáfora de la impermanencia y el movimiento cíclico de la vida.  El concepto del live presenta un paralelo de un atardecer y el amor que se transforma.

"Este live en su producción tuvo como referencia el live de la agrupación brasilera Natiruts, siempre quisimos crear un formato en donde se reflejarán los paisajes de El Carmen de Viboral. Sus canciones hacen parte del cancionero 'Tres cantos al sol' que es un trabajo que recopila más de 100 canciones creadas desde el año 2002. Está dirigido a un público joven y que tenga conexión con la naturaleza y sus paisajes, también a quienes disfrutan y aprecian las fusiones de las músicas colombianas".

La sesión explora las sonoridades de las músicas colombianas y latinoamericanas fusionadas con los sonidos del rock y el reggae. Son estas tres vertientes musicales las que El Viajero camina y que han marcado el lugar creativo que fusionan.

En el Live Session 'Ocaso', 'El viajero' es el viaje que se baila, el inicio del camino; 'Son del monte' le canta a la montaña, a las memorias de los abuelos campesinos y al encuentro con el vallenato; 'Volarán' es el anhelo en la distancia entre colores de Latinoamérica; 'La hoguera' es la pasión de los amantes en llamas y el sonido de la sensualidad; 'Hechicera' le canta al espíritu de lo femenino, es una evocación a las selvas colombianas; y 'Ocaso' es el final del amor bailando la soledad al ritmo de tambora-tambora.

"Queremos conectar nuestra música con otras personas que quieran caminar con nosotros las canciones de montaña, ciudad y mar. Ampliar el mapa sonoro de Colombia desde la fusión que hacemos sonoramente, llevando nuestra música a territorios nacionales e internacionales. Es un trabajo para escuchar en las tardes, la metáfora del ocaso conecta con imágenes del atardecer que suceden en el Live. Por el erotismo de varias de las canciones, la noche también es un buen momento para conjugarse con estos sonidos", enfatiza la agrupación colombiana.

Para la portada, a partir de una fotografía, el diseñador gráfico Andrés Pérez recrea un paisaje de El Carmen de Viboral en donde el personaje de El Viajero contempla el territorio que somos y el punto de referencia donde inicia el viaje, enmarcando la metáfora "todos somos viajeros".

"Actualmente venimos trabajando en la construcción de una puesta en escena que integre lo poético, lo sonoro y lo audiovisual en una experiencia de viaje llamada "Montaña, Ciudad y Mar”. El plan es circular con este montaje en diferentes escenarios", remarca El Viajero.

El sencillo 'Agua', que acompaña la presentación de El Viajero, es una invitación a conectarnos con lo elemental y sus memorias. Sonoramente, es una cumbia vallenata con una instrumentación mestiza entre lo colombiano y lo eléctrico (Bajo, guitarra eléctrica, batería, clarinete, tambor alegre, caja vallenata, acordeón y voces) y un río de voces que le canta al agua. El video fue producido en el municipio de El Carmen de Viboral, Antioquia-Colombia, reflejando las fuentes hídricas de este lugar, como un homenaje a los guardianes del agua y su territorio.

Actualmente, El Viajero está en un ejercicio de difusión de la música creada: El EP 'Solsticio', el Video Lyric 'Te guardo' y el Live Session 'Ocaso', enfatizando en la circulación de la puesta en escena de 'Canciones de Montaña, Ciudad y Mar'.

"Creemos que es importante que las personas escuchen El Viajero porque es una propuesta musical fresca y moderna, con una narrativa de viaje que dialoga con las geografías de Colombia y Latinoamérica. Escuchar nuestra música es encontrarse con nuevas sonoridades y con una poética que narra el territorio, que invita a transitar la vida desde una perspectiva viajera. Ir y venir, retornar: a otras músicas, a otras edades, a otros lugares y a otras posibilidades del ser", concluye.

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El cine independiente de Rafael Rangel llega a la pantalla del Veintidós

• Con un ciclo especial, Canal Veintidós se une a la narrativa crítica y poco convencional Rafael Rangel a través de cinco de sus largometrajes

• Estreno: todos los jueves a las 23:00 horas, a partir del 3 de julio, por la señal 22.1

Ciudad de México, julio del 2025. Desde enfermedades mentales y adicciones, hasta la crudeza antropológica de Gaza, el trabajo del cineasta michoacano, Rafael Rangel, se ha destacado por la técnica intuitiva y poco convencional de su quehacer cinematográfico, mismo que, durante julio, la pantalla del Canal de las Culturas de México pondrá a disposición de su audiencia.

El principio de la espiral, (2009) | hoy

El ciclo especial comienza con la ópera prima del cineasta, que sigue la historia de Jerónimo, interpretado por Ramiro Guerrero y Germán Valdés III, un joven que padece esquizofrenia, intenta quitarse la vida y mata a sus padres. Esta cinta, que cuenta con una narrativa más comprometida con la expresión que con el mensaje, contó con León Nik en la fotografía y Paulo Rique y Beatriz Novaro como co-guionistas.

Preludios: Las otras partituras de Dios, (2012) | 10 de julio

Filósofos, predicadores y músicos indigentes son los protagonistas de esta historia grabada con una cámara no profesional que busca estar alejada de los cánones doctrinales del género documental. Sin trastocar la realidad, Rangel se adentra en las calles y metros de la Ciudad de México para seguir los pasos de personas en situación de calle y reflejar su realidad que, en algunos casos, involucra enfermedades mentales como la esquizofrenia.

Este ciclo lo completan los títulos El grito de los coyotes (2016), un documental a transmitirse el jueves 17 de julio que sigue el día a día de vendedores ambulantes y explora algunas interrogantes como ¿Quiénes son estos hombres, mujeres e infancias que se mueven por las avenidas?, ¿a qué se enfrentan día con día en la calle?; Mr. London Night (2024) se presenta el próximo 24 de julio, se trata de un material documental que retrata a Petr Hudicak, migrante checo que llega a Londres y quien día con día lucha contra su adicción a la heroína; y finalmente, Gaza, la franja del exterminio (2024), el material más reciente del cineasta en el que, con cámara en mano y sin música que guíe las emociones, enmarca el genocidio desde las entrañas de la Franja de Gaza, se transmitirá el 31 de julio.

Este ciclo llega a la pantalla del Veintidós todos los jueves a las 23:00 horas a partir de hoy, y por streaming en el portal de la televisora.

Los mejores ciclos por Canal Veintidós, el Canal de las Culturas de México. 

Reggie Stephens, One Drop Scott y Los Cojolites presentan “Black Man in México”, versos que sanan, beats que cruzan fronteras

En un rincón sonoro de la Ciudad de México conocido como Be Bops Diner Roma, el jazz se volvió aire y el hip hop se volvió carne, Reggie Stephens y One Drop Scott comparecieron ante la prensa no para hablar de música como producto, sino como ritual, como testimonio, como cicatriz, acompañados por Greg Landau, su productor, Benito de Los Cojolites y Serko Fu y Jhonny Beltran por parte de los raperos mexicanos. Fue la presentación oficial de “Black Man in México” y “Margarito 2”, dos piezas que no se limitan a sonar: gritan, curan, abrazan. Temas nacidos de The Collective Root, una colaboración transfronteriza donde se funden raíces negras, voces migrantes y la furia suave del jazz mexicano, con la producción visionaria de Greg Landau y el virtuosismo de la Orquesta Nacional de Jazz.

Reggie, aquel hombre que alguna vez corrió yardas para los New York Giants y hoy corre detrás del verso justo, tomó el micrófono como quien toma la palabra en un templo. “En Los Ángeles me miraban con sospecha. Aquí en México me miran con alma. Me abrazan en los mercados, en los estudios, en las calles. Y eso… eso cambia todo”, declaró. “Black Man in México”, explicó, nació al caminar por las calles de Veracruz y escuchar, en el eco de los tambores jarochos, algo familiar. “Allí sentí que mis ancestros no murieron en el mar. Sólo cambiaron de tambor.”

Junto a él, el legendario One Drop Scott —quien ha puesto beats a nombres como Mac Dre, E-40 y Scarface— asentía con la serenidad del que ha recorrido mil estudios y aún se asombra. “Esto no es solamente hip hop. Esto es medicina. Esto es jazz con sangre africana y piel mexicana. Esta es nuestra ofrenda”, dijo, y lo dijo como quien confiesa algo sagrado. Scott no dudó en señalar la importancia del mercado mexicano: “Aquí escuchan con el corazón. Y eso no tiene precio. En un mundo donde la música se consume como chicle, México la honra como altar.”

         Acompañados por el legendario productor Greg Landau —quien tejió los hilos de esta colaboración con maestría y visión política— y respaldados por la majestuosa sonoridad de la Orquesta Nacional de Jazz de México, Reggie y Scott dejaron en claro que su apuesta es tan artística como social. “Venir a México ha sido como respirar libertad”, compartió Reggie Stephens entre flashes y sonrisas. “Aquí no soy ‘el otro’. Aquí me escuchan, me respetan y bailan conmigo. En Los Ángeles me siguen viendo como amenaza. En México soy parte de la conversación.”

         One Drop Scott, con su aura tranquila y la mirada encendida de sabiduría rítmica, sostuvo que este proyecto es su forma de desafiar el ruido vacío del poder. “Durante el gobierno de Trump nos estamos cansando de ver redadas en las esquinas de nuestras ciudades. A muchos se los llevaron, no por criminales, sino por tener un sueño. Y en este disco está esa rabia convertida en arte. Porque cuando el sistema te quita la voz, haces música. Y si no hay micrófono, gritas en el beat.”

Ambos artistas elogiaron a Benito, de Los Cojolites, como una figura esencial para este cruce de caminos. “Benito no únicamente nos abrió las puertas, nos abrió el corazón de México”, dijo Scott. “Él entendió desde el primer momento que lo que hacemos no es nada más rap y reggae: es ceremonia, es herencia, es protesta. Con él aprendimos a escuchar al río y a rimar con la ceiba.”

También presentes en la rueda de prensa, con la humildad de quienes han hecho del verso un arma y del micrófono una trinchera, estuvieron Serko Fu y Jhonny Beltrán, dos de las voces más lúcidas y poderosas del hip hop mexicano. Sentados al lado de Reggie y One Drop, hablaron no como invitados, sino como hermanos de causa, como parte esencial de esta sinfonía de raíz y rebeldía que es The Collective Root. Serko, cuya participación en Margarito 2 es un estallido de rabia poética, tomó la palabra con una calma que pesaba como plomo: “Cuando me propusieron todo, supe que no podía escribir cualquier cosa. Esto no era rapear por rapear, era contar una historia que también es mía. Margarito es un símbolo, es todos los que hemos tenido que correr sin saber de qué huimos.”

Por su parte, Jhonny Beltrán —figura icónica del freestyle nacional, voz cruda de las plazas y de los márgenes— celebró la potencia de este encuentro cultural como algo urgente y necesario. “En este país, y en muchos otros, todavía se nos olvida que la música también puede ser protesta. Que puede abrirte los ojos. Lo que estamos haciendo aquí es tender puentes, y lo hacemos con ritmo, con lírica, con fuego”, expresó con la intensidad que lo caracteriza. Luego miró a Reggie y señaló que “aquí nadie viene a posar. Aquí vinimos a decir la neta. Y la neta suena mejor con beats como estos.”

Este proyecto se consolida como un hito cultural en el que la poesía urbana de Reggie Stephens se entrelaza con las texturas profundas del jazz, el pulso del reggae de One Drop Scott y la fuerza tradicional del son jarocho que resuena en cada acorde. En un momento donde el mundo parece fracturarse por líneas étnicas y muros simbólicos, “Black Man en México” y “Margarito 2” se levantan como himnos de unidad, como puentes sonoros y como espejos de una humanidad que aún se busca.

En la canción de “Margarito 2”, Reggie narra, con furia medida, el acoso constante a los cuerpos racializados, mientras el mexicano Serko Fu responde desde este lado del muro, con rimas que duelen como verdades sin filtro. Y en medio de todo, el nombre de Benito, de Los Cojolites, apareció como un faro. “Benito es el chamán de este viaje”, dijo Reggie. “Sin él, no hubiéramos entendido el poder de lo comunitario, el fuego del son jarocho, la raíz que canta desde la tierra.” One Drop agregó: “Benito nos enseñó que aquí la música se hace con ritmo y con flor. Con historia y con futuro. Él no simplemente nos abrió la puerta: nos enseñó a entrar descalzos, con respeto.”

El proyecto The Collective Root, editado por Round Whirled Records, representa una alquimia sonora sin precedentes. Con Greg Landau como arquitecto de esta sinfonía de consciencia, con la pluma encendida de Reggie, los beats de Scott y el respaldo de la Orquesta Nacional de Jazz, el resultado es más que un disco: es una declaración política, una comunión rítmica entre pueblos que han sido históricamente desoídos.

“México nos salvó el alma”, concluyó Reggie, dejando una frase flotando como mantra. “Aquí no venimos a enseñar, venimos a aprender, a mezclar nuestras heridas con las suyas, y a convertir todo eso en algo que se escuche fuerte. Porque si la música no incomoda, no transforma.”

“Black Man en México” y “Margarito 2” ya están disponibles en todas las plataformas. Y no son canciones: son testigos. Son el eco de lo que fuimos, el grito de lo que aún somos y la promesa de que otro ritmo es posible.

Desde el sur del mundo, Camiseta 22 enciende México: ska, cumbia y corazones al ritmo de "Ni un segundo más"

Desde las entrañas de Santiago de Chile, con la pasión tatuada en la voz y el ritmo latiendo como si fuese una segunda piel, la banda Camiseta 22 ha cruzado nuevamente el continente para pisar suelo mexicano y encender su euforia, esa misma que han cultivado en cada escenario con sudor, bandera y gratitud. En este julio de 2025, la gira que los lleva por cinco ciudades mexicanas no es nada más una travesía musical: es un reencuentro con su hinchada, una declaración de amor transoceánico, una reafirmación de que el ska, la cumbia y el rock también son lenguajes de unidad y resistencia.

Camiseta 22 no es una banda cualquiera. Es una herida abierta de alegría. Una herencia del aliento colectivo que dejó Guachupé tras su receso en 2020. Tomás Maldonado y Robinson Acuña supieron que el silencio no era opción. Que el escenario seguía esperando. Y entonces formaron esta tropa de sonido y alma, esta columna sonora que hoy vibra con el disco "Ni un segundo más", un canto urgente al presente, una bandera agitada con rabia y esperanza.

La visita a México, que comenzó el 1 de julio y culminará el día 12 en el emblemático Multiforo 246 de la Ciudad de México, tiene sabor a consagración. No sólo porque es su segunda gira por estas tierras, sino porque en esta ocasión llegan con una madurez sonora poderosa, con un nuevo álbum que ya late en las plataformas, y con el respaldo de su creciente audiencia mexicana, la segunda más fiel después de su natal Santiago, según los registros de Spotify.

En "Ni un segundo más", los corazones laten al compás de colaboraciones que son puentes sonoros entre pueblos hermanos. La canción “Viernes”, compuesta e interpretada junto a los legendarios Panteón Rococó, es un guiño directo al público mexicano, una explosión de alegría en medio del caos. Y el tema que da nombre al disco, creado junto a Los Miserables, emblema del punk chileno, suena como un puño levantado en medio de la pista de baile: celebración y protesta, amor y memoria.

“Estamos emocionados y profundamente agradecidos. Ir a México es un sueño para cualquier banda chilena, y nosotros vamos por segunda vez con el corazón lleno de gratitud y canciones para compartir con la hinchada. Sabemos que nos escuchan y nos siguen”, confiesa con humildad Tomás Maldonado, mientras alista su garganta para otra noche de canto compartido.

Robinson Acuña, siempre con la guitarra como escudo, sostiene: “México siempre ha sido una referencia. Poder confirmar varias fechas y vivir esta experiencia es algo que valoramos profundamente. Gracias al público mexicano por abrirnos las puertas, y a nuestra gente en Chile que siempre nos empuja a ir por más”.

Y es que Camiseta 22 no llega a improvisar. Su gira es una fiesta que se prepara con el alma en la maleta. Un recorrido por Izcalli, CDMX y más, donde cada acorde es un abrazo y cada estrofa, una promesa. Su historia es breve en el calendario —apenas tres años—, pero inmensa en energía: en 2022 lanzaron Un Mundo Raro, disco que incluyó a Los Auténticos Decadentes; en 2024 un vibrante álbum en vivo, y ahora, este 2025, una obra que los reafirma como una de las voces emergentes más potentes de la música popular chilena con vocación continental.

Allá donde vayan, la hinchada los sigue. Con camisetas, banderas y cánticos. Porque Camiseta 22 no solamente toca: convoca, arremolina, despierta. Su ska no es solo para bailar; es también para recordar, para resistir, para no perder la ternura en medio del ruido.

En México, el eco de sus canciones ya recorre las calles. Y cada escenario que pisan se convierte en un terreno sagrado donde la música late como un corazón de multitudes. Camiseta 22 está aquí, con toda su cumbia combativa, su ska sudoroso, su rock fraterno. Y con la promesa viva de que no dejarán pasar ni un segundo más sin entregar lo mejor de sí.

Una voz y 20 mil corazones: Luis Ángel “El Flaco” regresa para hacer historia en La Arena CDMX con sus amigos

• Se presenta el próximo sábado 17 de enero de 2026, a las 20:30 horas en La Arena CDMX

• Los boletos están a la venta en el Sistema Superboletos y en taquillas del inmueble

Luis Ángel “El Flaco” no nada más canta: acaricia con la voz las fibras más profundas del alma mexicana. Cada interpretación suya es una carta abierta al corazón del pueblo, una confesión melódica tejida con sentimiento, fuerza y autenticidad. Y será el próximo sábado 17 de enero de 2026, a las 20:30 horas, cuando su esencia vuelva a abrazar al público, en una noche destinada a convertirse en un hito dentro de la memoria colectiva del regional mexicano. Los boletos están a la venta en el Sistema Superboletos y en taquillas del inmueble.

Tras el deslumbrante éxito de su presentación en el Auditorio Nacional, donde no quedó ni un solo asiento vacío y donde la emoción desbordó los muros, se confirmó lo que muchos ya sabían: Luis Ángel El Flaco es hoy por hoy uno de los intérpretes más entrañables y poderosos del género. Aquella noche en el llamado “coloso de Reforma” fue más que un concierto; fue un encuentro de almas, una reunión de amigos, un testimonio de gratitud y fidelidad entre artista y público. Ahora, con esa misma energía multiplicada, se prepara para volver a reunir a los suyos en un escenario todavía más vasto y colosal: La Arena CDMX. Con esto, la promotora Music Live sigue consolidándose como una de la principales promotoras que prodigan emociones a su audiencia.

Y esta vez, la celebración será todavía más especial. Porque en este formato único, entrañable e irrepetible, Luis Ángel El Flaco no estará solo. Ha decidido convocar a quienes han caminado con él por los senderos del regional mexicano, a sus hermanos de vida y de música, a grandes artistas del género que se sumarán como invitados especiales para hacer de esta noche una verdadera fiesta compartida, una constelación de estrellas bajo un mismo techo, cantando al unísono, vibrando juntos. La Arena CDMX será testigo de una velada que no será solamente suya, sino de todos aquellos que han formado parte de este legado sonoro que no deja de crecer.

Con una carrera que ha florecido en cada paso y que se sostiene sobre los cimientos de la humildad y el trabajo incansable, El Flaco ha conquistado los corazones desde sus días como vocalista de Banda Los Recoditos hasta su consolidación como solista. Pero más allá de las cifras y los aplausos, su verdadero triunfo radica en la manera en que logra que cada canción se vuelva espejo, refugio y bandera para quienes lo escuchan. Sus temas hablan del amor y del dolor, del barrio, de las derrotas cotidianas y de las esperanzas invencibles, y lo hacen con esa voz inconfundible que no únicamente se escucha, se siente. 

Este nuevo concierto será una celebración del camino recorrido, pero también una promesa de futuro. Una noche donde cada acorde será un reencuentro y cada verso, un homenaje a la música que brota de la entraña misma del país. En un momento de esplendor artístico, donde sus presentaciones se cuentan por llenos totales y sus canciones por millones de reproducciones, Luis Ángel El Flaco vuelve al escenario con la certeza de que lo mejor aún está por venir.

La venta de boletos ya está disponible a través de Superboletos y en las taquillas del inmueble, con una demanda que anticipa otro lleno absoluto. Y no es para menos: quienes han vivido la experiencia de verlo en vivo saben que no se trata exclusivamente de música, sino de una conexión real, palpable, que trasciende el escenario y se transforma en una celebración colectiva del orgullo regional.

Esa noche de enero, La Arena CDMX se vestirá de gala. Y cuando suene el primer acorde, cuando el público lo reciba de pie, con aplausos, lágrimas y coros al unísono, sabrán que no están ante un simple show, sino ante un fenómeno que honra la raíz, el presente y la emoción profunda del regional mexicano. Luis Ángel El Flaco no canta para ser admirado. Canta para quedarse, y vaya que lo ha logrado. Y se podrá constatar el próximo sábado 17 de enero de 2026, a las 20:30 horas en La Arena CDMX. Los boletos están a la venta en el Sistema Superboletos y en taquillas del inmueble.