INBAL rendirá homenaje póstumo a Pedro Friedeberg en el Palacio de Bellas Artes

• Familiares, colegas y personas cercanas al artista compartirán testimonios sobre su vida y legado

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), rendirá homenaje póstumo al Artista Plástico, Arquitecto y Diseñador Pedro Friedeberg el jueves 30 de julio, a las 18:00 horas, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes. Familiares, colegas y amistades del artista compartirán testimonios sobre su vida, obra y legado.

Al respecto, la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, Claudia Curiel de Icaza, señaló que “rendir un homenaje a un artista como Pedro Friedeberg es reconocer a un creador que hizo de la imaginación un lenguaje artístico y abrió una ruta propia frente a las corrientes dominantes de su tiempo. Este encuentro reúne las voces de quienes compartieron su vida y trayectoria, con el propósito de enriquecer la memoria colectiva, dimensionar su aportación al arte contemporáneo mexicano y transmitir su legado a nuevas generaciones”.

El homenaje contará con la presencia de Carmen Gutiérrez, compañera de vida del artista, así como de sus hijos, Diana y David. También participarán María Brito, representante de la Fundación Pedro Friedeberg, y Déborah Holtz, Escritora y Periodista, amiga cercana del maestro, con quien colaboró durante 25 años. De esa colaboración surgieron, entre otros títulos, Pedro Friedeberg y Pedro Friedeberg: Arquitecto de confusiones impecables. Asimismo, participarán René Solís y Guadalupe Loaeza.

Pedro Friedeberg, una de las figuras más relevantes del arte contemporáneo mexicano, falleció el 5 de marzo de 2026, a los 90 años de edad. Creador de la emblemática Silla-mano, obra surrealista que le dio reconocimiento internacional, dejó un amplio legado en la pintura, la escultura y el diseño.

Nació el 11 de enero de 1936 en Florencia, Italia, en el seno de una familia judío-alemana. Sus padres huyeron de Europa al estallar la Segunda Guerra Mundial y llegaron a México cuando Friedeberg tenía tres años. Estudió Arquitectura en la Universidad Iberoamericana, pero dejó la carrera inconclusa para dedicarse de lleno a la creación artística, por consejo de su Maestro Mathias Goeritz.

Inició su trayectoria profesional en 1959 con su primera exposición individual en la Galería Diana, en la Ciudad de México, gracias al apoyo de la artista surrealista Remedios Varo. Posteriormente incursionó en diversas disciplinas y recibió reconocimientos como Íconos del Diseño, otorgado por Architectural Digest México y Latinoamérica.

En 1961 formó parte de Los Hartos junto con Mathias Goeritz, José Luis Cuevas, Ida Rodríguez Prampolini, Jesús Reyes Ferreira y Alice Rahon, grupo inspirado en los principios del dadaísmo que promovía el antiarte como una postura crítica frente a las corrientes artísticas dominantes y rechazaba las convenciones sociales y políticas.

A lo largo de su trayectoria, Pedro Friedeberg realizó más de 180 exposiciones individuales. En 1993 recibió la Beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte y, en 2012, le fue otorgada la Medalla Bellas Artes, máximo reconocimiento que entrega el Gobierno de México, a través del INBAL, a destacadas figuras de la creación artística.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas en México y el extranjero, entre ellas las del Museo de Arte Moderno (MAM), el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) de la UNAM, el Los Angeles County Museum of Art (LACMA), el Denver Art Museum y la Smithsonian Institution, en Estados Unidos.

Con este homenaje, la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el INBAL reconocen la trayectoria y el legado de Pedro Friedeberg, cuya obra ocupa un lugar fundamental en el arte contemporáneo mexicano y continúa inspirando a nuevas generaciones de creadoras y creadores.

En el Palacio de Bellas Artes, la Gala Morelli celebra más de 45 años de talento operístico mexicano

• Once solistas con distinciones en ediciones previas del certamen interpretaron obras de Puccini, Leoncavallo, Mascagni, Cilea, Catalani, Boito y Ponchielli

• La gala fue una muestra de la continuidad de una tradición artística 

Arias, duetos y escenas corales provocaron prolongados aplausos el pasado, domingo 14 de junio de 2026, en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, en la que el público respondió con entusiasmo a cada interpretación de once solistas, ganadores de diversos premios del Concurso Nacional de Canto Carlo Morelli entre 2008 y 2025, que participaron en la Gala Morelli. Puccini en compañía 2026.

La velada fue también una muestra del desarrollo operístico del país y de la continuidad de una tradición artística sostenida por varias generaciones de intérpretes mexicanos. 

Bajo la dirección concertadora de Rodrigo Sámano y con Rodrigo Cadet como Director huésped del Coro del Teatro de Bellas Artes, participaron las sopranos Angélica Alejandre, Dhyana Arom, Jennifer Velasco y Denis Vélez; la mezzosoprano Rosa Muñoz; los tenores Alejandro Luévanos y Olymar Salinas; los barítonos Enrique Ángeles y Ricardo López; el bajo José Luis Reynoso, así como los pianistas Sergio Vázquez y Mitchel Casas.

Con las piezas seleccionadas se apreció la exigencia técnica de las voces y su capacidad interpretativa para transitar por personajes marcados por la pasión, el sacrificio, la condena amorosa y la tragedia. Obras de Giacomo Puccini dialogaron con páginas de Ruggero Leoncavallo, Pietro Mascagni, Francesco Cilea, Alfredo Catalani, Arrigo Boito y Amilcare Ponchielli, en un recorrido por la ópera italiana de finales del siglo XIX y principios del XX, cercana al repertorio verista que distinguió la trayectoria artística de Carlo Morelli.

Con más de 45 años de trayectoria, el concurso es una de las principales plataformas para que jóvenes voces mexicanas muestren su talento y reciban un impulso en su carrera artística. Creado en 1980 en memoria del barítono Carlo Morelli, figura fundamental de la vida operística nacional durante más de dos décadas, el certamen contribuye a la formación y proyección de distintas generaciones de intérpretes.

Uno de los momentos más celebrados de la noche llegó al cierre, con “Bevo al tuo fresco sorriso...”, de La Rondine, de Puccini, interpretada por Jennifer Velasco, Angélica Alejandre, Alejandro Luévanos y Olymar Salinas, junto con el Coro del Teatro de Bellas Artes. La escena, cantada por dos parejas, ofreció un final luminoso y expansivo que contrastó con la intensidad dramática de otras páginas del programa y permitió el equilibrio entre lirismo, ensamble vocal y presencia escénica.

Durante la ceremonia, se reconoció la trayectoria del promotor cultural Xavier Torresarpi (1935-2024). El Director General del Concurso Nacional de Canto Carlo Morelli, Francisco Méndez Padilla, agradeció a Pro Ópera A.C. la decisión de nombrar el Premio del Público, otorgado desde 2007, en memoria de quien fue uno de sus miembros más destacados e impulsor de la revista Pro Ópera, de Pro Música y del sistema de supertitulaje en el Palacio de Bellas Artes.

La Gala Morelli. Puccini en compañía 2026 confirmó la vigencia de un proyecto que, a lo largo de más de cuatro décadas, ha contribuido al desarrollo de la ópera en México y a la formación de nuevas generaciones de intérpretes. 

Con el respaldo de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, el INBAL, otras instituciones culturales, organizaciones de la sociedad civil y la comunidad operística nacional, el Concurso Nacional de Canto Carlo Morelli es un referente para el impulso del arte lírico y la preservación del legado de una de las figuras más importantes de la ópera mexicana del siglo XX.

El Ballet Folklórico de la Universidad Veracruzana celebra a Latinoamérica en el Palacio de Bellas Artes

• La agrupación se presentará el 11 de julio con un programa que rinde homenaje a las tradiciones de México, Paraguay, Venezuela, Bolivia, Argentina y Perú

• A través de una producción de gran formato, el público vivirá un recorrido coreográfico por las identidades, músicas y memorias de la región

Las identidades, ritmos y memorias que dan vida a nuestro continente se entrelazan en Latinoamérica es, una producción de gran formato a cargo del Ballet Folklórico de la Universidad Veracruzana (BFUV). El programa se presenta en el marco de la Temporada de Danza 80 Movimientos como una ventana a la riqueza de nuestra herencia compartida.

El público podrá disfrutar de esta celebración dancística en una función única que se llevará a cabo el sábado 11 de julio, a las 19:00 horas, en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes. El espectáculo es presentado por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), mediante la Coordinación Nacional de Danza, y reúne algunas de las expresiones más representativas del folclore latinoamericano.

Concebido originalmente por el Maestro Miguel Vélez Arceo y dirigido actualmente por el Maestro Julio César Flores Prado, este montaje muestra cómo cada región aporta un lenguaje corporal propio que dialoga con los demás, construyendo una narrativa en la que la tradición encuentra nuevas formas de expresión escénica. A través del movimiento, el cuerpo se convierte en un puente entre lo cultural, lo comunitario y lo artístico, integrando distintas manifestaciones del continente sin perder la esencia de cada pueblo.

El viaje dancístico inicia en México con un ceremonial de cambio de poder en la sierra Tarahumara de Chihuahua. Posteriormente, el escenario se llenará con la vivacidad de las polkas de Paraguay y las costumbres de Venezuela, para luego adentrarse en el territorio andino con el Misachico Andino de Bolivia.

El programa continuará en la Pampa argentina con los tradicionales bailes de los gauchos y regresará a tierras mexicanas para honrar la identidad veracruzana mediante La Fiesta de las Cruces en Alvarado al ritmo de los sones jarochos. Finalmente, el espectáculo culminará con la fuerza y tradición del cuadro Perú Negro.

Los boletos para la función Latinoamérica es están disponibles en las taquillas del Palacio de Bellas Artes o a través de Ticketmaster.

500 lúmenes: El diálogo entre el cuerpo y la luz llega al Palacio de Bellas Artes

• La compañía ASYC / El Teatro de Movimiento presentará esta pieza interdisciplinaria el próximo 7 de julio, como parte de la Temporada de Danza 80 Movimientos

• Inspirada en la obra del Arquitecto Le Corbusier, la propuesta fusiona danza, iluminación y multimedia para crear un impactante paisaje visual

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), mediante la Coordinación Nacional de Danza, presentan la obra 500Lúmenes. El matiz de lo imperceptible, a cargo de la compañía ASYC / El Teatro de Movimiento. Esta propuesta interdisciplinaria, que explora la fragilidad de las conexiones humanas a partir del diálogo entre el cuerpo y la luz, se presentará el 7 de julio en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes.

La puesta en escena, dirigida por Alicia Sánchez, toma como punto de partida e inspiración el poema Le poème de l’angle droit, del arquitecto y teórico suizo Le Corbusier. A través de este referente, la obra profundiza en la "ceguera espiritual" de una humanidad que ha perdido la capacidad de mirarse a los ojos, y sitúa a la luz y a las sombras como los únicos testigos veraces de nuestra existencia.

El título de la pieza alude a una intensidad específica: no se trata de un destello cegador, sino de la cantidad justa de luz para rescatar un objeto del olvido sin erradicar sus sombras. De esta manera, la obra sugiere que la verdad humana habita en los detalles mínimos y tenues.

Fruto de un año de investigación y creación colectiva, la pieza destaca por su propuesta técnica. En ella, el videoproyector se convierte en una fuente de luz activa que transforma los cuerpos en arquitectura viva, integrándose con la multimedia de Héctor Cruz y el diseño de iluminación y espacio de Mauricio Asencio para construir un paisaje poético.

500Lúmenes es una coproducción de Primero Sueño A.C., realizada con el apoyo de México en Escena. Tras presentarse en los principales festivales del norte y centro del país (como Un desierto para la danza en Sonora y el Festival Onésimo González en Jalisco), la pieza llega al Palacio de Bellas Artes para ofrecer una experiencia sensorial.

Los boletos para la función están disponibles en las taquillas del Palacio de Bellas Artes, con descuentos para estudiantes, docentes y personas adultas mayores (INAPAM) con credencial vigente, así como a través de Ticketmaster.

Alberto Dallal recibió la Medalla Bellas Artes 2026

• Con la entrega del galardón, por parte de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México a través del INBAL, se homenajea a una de las figuras más relevantes en el estudio y pensamiento de la danza en México

• En su vasta obra escrita establece puentes teóricos para múltiples generaciones de creadoras y creadores

• Con más de 40 libros publicados, es reconocido como el principal artífice del pensamiento crítico sobre dicha disciplina

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), mediante la Coordinación Nacional de Danza, entregó la Medalla Bellas Artes 2026, en la categoría de Danza, a Alberto Dallal, una de las figuras más relevantes en el estudio y pensamiento de la danza en México, cuya labor, en seis décadas, ha contribuido de manera decisiva a la reflexión crítica sobre dicha disciplina artística.

En una ceremonia en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, la Directora General del INBAL, Alejandra de la Paz Nájera, definió a Dallal como una de las figuras más lúcidas de la cultura nacional, “es hablar de una trayectoria que ha hecho de la escritura un espacio en movimiento. Reconocemos a quien ha demostrado que el análisis puede ser un acto creativo y la reflexión una forma de presencia”. 

Agregó que la obra del periodista, escritor y crítico ha sido vital para visibilizar tanto la danza académica como las expresiones de los pueblos originarios. Para cerrar afirmó: “Cuando el pensamiento se mueve, la danza no termina: se transforma, se expande y permanece”.

Tras recibir la medalla, Alberto Dallal ofreció una reflexión sobre su trayectoria; aseguró que su identidad reside enteramente en su producción escrita: "Yo soy lo que he escrito y lo que he publicado. No soy nadie más".

En representación del jurado que otorgó la distinción, la coreógrafa y bailarina Cecilia Appleton destacó la capacidad de Dallal para captar los indicios energéticos que los artistas materializan en el escenario.

“Escribir sobre la danza desde la inteligencia perceptiva que atiende al gesto efímero es una ofrenda. Distingo en Alberto Dallal a un hombre que celebra la danza y tiene la capacidad de captar los detalles más agudos de este arte; un pionero que ha sabido nombrar la danza como la prolongación del instinto y una acción transformadora”, señaló Appleton.

A su vez, la periodista y crítica Rosario Manzanos aportó un retrato del Dallal "periodista de hueso colorado", resaltó su rigor con el dato y su labor docente; su trabajo, enfatizó, “marca un antes y un después" en la historiografía de la danza mexicana por ser el responsable de documentar y archivar los momentos más grandiosos de la disciplina en el país.

Dallal, afirmó, no sólo ha sido el crítico más importante de la Época de Oro de la danza mexicana, sino un maestro generoso cuya biblioteca y archivos son hoy pilares fundamentales de la memoria cultural de México.

Trayectoria en la cultura y la academia

Pionero en el análisis estético de la danza, Dallal ha dedicado su vida a observar y cuestionar el movimiento. A través de su vasta obra escrita establece puentes teóricos para múltiples generaciones de creadoras y creadores, lo que permite que las artes escénicas amplíen sus horizontes hacia nuevos terrenos intelectuales. 

Historiador, periodista especializado y académico, el galardonado es investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) desde 1975 y Docente en las facultades de Filosofía y Letras y de Ciencias Políticas y Sociales. A lo largo de su carrera ha publicado más de 40 libros, 17 de ellos dedicados en exclusivo a la danza, entre los que se encuentra el título didáctico Cómo acercarse a la danza. 

Durante su trayectoria ha recibido importantes distinciones, entre ellas los premios Magda Donato (1979), Xavier Villaurrutia (1982) y Nacional de Danza José Limón (2008), así como el reconocimiento Una Vida en la Danza (1996). 

Con la entrega de la Medalla Bellas Artes 2026, en la categoría de Danza, a Alberto Dallal, la Secretaría de Cultura del Gobierno de México reconoce a uno de los investigadores, historiadores y maestros fundamentales de la danza. Su enfoque reflexivo es considerado un pilar para el crecimiento crítico de la cultura nacional.

Regresa al Palacio de Bellas Artes la ópera Werther con una propuesta contemporánea entre el deseo y la convención social

• Se presenta los días 28 y 31 de mayo, 2, 4 y 7 de junio, en la Sala Principal 

• El INBAL y la Secretaría de Cultura del Gobierno de México fortalecen el repertorio operístico con una nueva visión que propone un diálogo entre pintura, naturaleza y emoción a partir de la obra maestra de Jules Massenet

• Ramón Vargas debuta en el personaje principal de la pieza

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Compañía Nacional de Ópera (CNO), presentan Werther, ópera en cuatro actos con música de Jules Massenet y libreto de Édouard Blau, Paul Milliet y Georges Hartmann, basada en la novela epistolar Los sufrimientos del joven Werther, de Johann Wolfgang von Goethe. 

La ópera, que se enmarca en el 190 aniversario del natalicio del libretista Blau y su 120 aniversario luctuoso, aborda desde una visión contemporánea el amor imposible, el conflicto entre deber y pasión, y la sensibilidad extrema del protagonista, con una música de gran lirismo y profundidad emocional. Werther se estrenó en 1892 en Viena, en un periodo en el que Europa vivía importantes transformaciones sociales.

En conferencia de prensa la Subdirectora Artística de la CNO, Lilia Maldonado, resaltó que con Werther la Secretaría de Cultura del Gobierno de México intensifica la oferta de galas y conciertos de alto nivel artístico al “estar apostando en grande para que la ópera vuelva a ser algo muy importante en México”. 

Agregó que “la última vez que se presentó Werther en el Palacio de Bellas Artes fue en 1997, hace casi 30 años. Es un acontecimiento importante el tener de regreso esta puesta en escena, que no es una reposición, es una puesta totalmente nueva”, en la que participa una vez más un coro infantil. 

Maldonado detalló que se disponen dos elencos espectaculares encabezados por el tenor mexicano, Ramón Vargas quien se estrena en el rol de Werther. “Muy pocas veces tenemos a una estrella de primer nivel debutando un papel en la Ópera de Bellas Artes. También, Rodrigo Sámano debutará como director concertador, así que es doble celebración el tener otra vez a un director joven mexicano muy talentoso, y con ello impulsar el desarrollo artístico”, indicó. 

La dirección de la puesta en escena, así como el diseño de escenografía, vestuario y vídeo, son de Juliana Vanscoit, quien explicó que es un proceso muy intenso y armónico en el que se cuenta una historia desde la belleza y rendir homenaje al personaje de Werther y Massenet incorporando tintes contemporáneos.

“Estamos haciendo una puesta en escena que parte de la contemplación, que es una característica fundamental en el personaje de Werther, desde la literatura de Goethe. Y lo estamos ubicando en museo, donde vamos a convivir al mismo tiempo con personajes de cuadros vivientes. Hay una parte que ubicamos justamente en el punto de la estructura de la familia de Charlotte y de la familia burguesa, una característica principal de la época en la que fue escrita la obra y que es el auge de la burguesía en el impresionismo”, subrayó Vanscoit.

La nueva concepción escénica de la ópera Werther además de establecer un diálogo entre el imaginario romántico del siglo XIX y la sensibilidad contemporánea, que revela la vigencia del conflicto entre el deseo y la convención social; es una propuesta estética que crea un lenguaje visual en el que el elemento pictórico no sólo ilustra la acción, sino que también la intensifica y refleja las emociones de varios personajes con los que el público se puede identificar. 

En su turno el tenor Ramón Vargas resaltó la función de la ópera como unión social. “Estoy convencido de que un modo de salvar al mundo es a través del arte y la cultura. No hay muchas actividades humanas que unan a las personas de esta manera. Solamente el arte y la cultura, especialmente el arte, pues en otras actividades humanas nunca estamos de acuerdo así que el arte nos une y nos pone en armonía”.

Para Rodrigo Sámano el regresar al Palacio de Bellas Artes en su debut como Director Concertador, con un elenco de gran talla es una oportunidad que demuestra la apertura hacia el talento artístico emergente. “Creo firmemente en la convivencia de diferentes generaciones de artistas e incluso diferentes nacionalidades y tengo tanto que aprender y tanto que dar que estoy muy contento y muy agradecido de estar aquí”.

El diseño de iluminación es de Rafael Mendoza; el diseño escenotécnico, de Iván Cervantes; la edición y animación de vídeo están a cargo de Gabo Gómez, y el diseño de maquillaje y peinados, de Cinthia Muñoz. Mientras que, en la codirección escénica y el diseño de vídeo participa Fabio Pietrosanti. 

Werther se presentará los días 28 y 31 de mayo y 2, 4 y 7 de junio, con funciones los martes y jueves a las 20:00 horas y los domingos a las 17:00 horas, en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes. La duración aproximada es de 2 horas con 30 minutos, con interpretación en francés y supertitulaje en español.

El Cuarteto Latinoamericano se despide de los escenarios con un emotivo concierto en Bellas Artes

• Álvaro Bitrán, acompañado de Saúl y Arón Bitrán, así como Javier Montiel, rememoró los momentos más importantes que la agrupación vivió en más de cuatro décadas de carrera musical

• La agrupación es uno de los referentes nacionales más importantes en la interpretación de música de cámara y la difusión del repertorio nacional y latinoamericano

• En su último concierto ofreció un programa con piezas de Luigi Boccherini, Samuel Barber y Javier Montiel, además de un quinteto de Robert Schumann, en el que estuvo acompañado por el pianista Rodolfo Ritter

Tras cuarenta y cuatro años de trayectoria artística y de vuelta a uno de los escenarios que lo vio nacer, el Cuarteto Latinoamericano se despidió del Palacio de Bellas Artes con el concierto “La última y nos vamos”, una noche especial que presentó la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Música y Ópera. 

Con sólo salir al escenario de la Sala Principal del recinto, Saúl, Arón y Álvaro Bitrán, así como Javier Montiel, recibieron la ovación y el cariño del público que se dio cita para decirle adiós a uno de los ensambles mexicanos más importantes a nivel mundial, tanto por su maestría en la interpretación de música de cámara, como en la difusión del repertorio nacional y latinoamericano. 

“Lo más relevante que logramos en el terreno profesional fue grabar todos los cuartetos de los más importantes compositores clásicos latinoamericanos: Heitor Villa-Lobos, Alberto Ginastera, Carlos Chávez, Manuel M. Ponce y Silvestre Revueltas, por nombrar algunos”, expresó Álvaro Bitrán al hacer un recorrido por la trayectoria del grupo. 

Recordó que en 44 años tuvieron el honor grabar más de cien discos y tocar junto a músicos de la talla de Philip Glass, Janos Starker, Manuel Barrueco, Wolfram Christ y Eduardo Mata, entre muchos otros, así como pisar escenarios como el Carnegie Hall de Nueva York, el Concertgebouw en Amsterdam, el Palacio de Real de Madrid y el Palacio de Esterhazy en Austria. 

A la par, el cuarteto dejó un legado formativo, pues, como recapituló Álvaro Bitrán en su discurso, la agrupación colaboró con la Universidad Carnegie Mellon en Pittsburgh y creó en Venezuela la Academia Latinoamericana de Cuartetos de Cuerda, “gracias a la cual tuvimos el placer de enseñar durante quince años a una generación maravillosa de músicos venezolanos que ocupan hoy plazas en muchas de las mejores orquestas del mundo”.

Bitrán, junto a su colegas de toda la vida, rememoró con gran nostalgia los viajes, las partituras, los conciertos, las grabaciones, los premios y alegrías e hizo honor a sus ausencias, pérdidas y vicisitudes que los acompañaron durante su gran aventura. 

El artista celebró: “Dejado por escrito lo anterior, me siento con el privilegio de admitir y proclamar una gran certeza: ¡Qué bien nos la pasamos en estos cuarenta y cuatro años del Cuarteto Latinoamericano! ¡Cuántas anécdotas, cuántas risas, cuántas alegrías!”.

“¡Brindo por todo lo vivido, por tanta música hermosa y por haber vivido esa aventura mágica con mis tres colegas maravillosos! Gracias Saúl, gracias Arón, gracias Javier”, exclamó Bitrán para concluir su agradecimiento con un abrazo al cuarteto y dar paso a su último concierto en el Palacio de Bellas Artes. 

Una noche inolvidable 

Con Saúl y Arón al violín, Javier con la viola y Álvaro con el violonchelo, el Cuarteto Latinoamericano rindió un concierto que se quedó grabado en la memoria de una Sala Principal del Palacio de Bellas Artes llena. 

El programa comenzó con Cuarteto en la mayor, G 206, del italiano Luigi Boccherini, dividido en  Allegro, Andantino lentarello, Minuetto con moto y Finale: Presto assai. 

La velada siguió con Adagio para cuerdas, del Cuarteto núm. 2, del estadounidense Samuel Barber, para cerrar la primera parte del recital con Variaciones sobre el Capricho 24 de Paganini, composición del propio Javier Montiel. 

Tras un breve intermedio, la noche cerró con el Quinteto con piano en mi bemol mayor, Op. 44, del alemán Robert Schumann, dividido en Allegro brillante, In modo d'una marcia. Un poco largamente, Scherzo: Molto vivace y Allegro ma non troppo, que interpretaron junto al pianista Rodolfo Ritter. 

“Son unos músicos excepcionales y transmitieron muchísima emoción en esta despedida. Fue un concierto hermoso”, aseguró Gema Ibarra, quien asistió con su familia a despedir al Cuarteto Latinomaricano. 

También entre el público, Joaquín Regalado resaltó: “Se notan todos los años que tienen reunidos, la experiencia y los lugares en los que han tocado. Fue una gran oportunidad haber venido a verlos en su último concierto”. 

“Fue hermoso y muy emocionante, estoy muy complacida con el concierto y casi lloramos al igual que ellos, qué bonito durar tanto tiempo juntos, es toda una aventura”, dijo Cecilia Vázquez, conmovida tras presenciar la despedida. 

Concertistas de Bellas Artes presentarán el recital Tres épocas, tres estilos, tres mujeres

La violinista Viktoria Horti es originaria de Hungría y radica en México desde 1981.

• El domingo 8 de febrero, a las 18 horas, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes

Las concertistas de Bellas Artes, Viktoria Horti (violín), Carmen Thierry (oboe) y María Teresa Frenk (piano) compartirán el escenario para ofrecer un programa que recorre la elegancia y el lirismo de la música de cámara, integrado por obras de Mozart, Franck, Telemann y Bach, en un concierto organizado por la Coordinación Nacional de Música y Ópera del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).

Este encuentro entre cuerdas, alientos y piano se llevará a cabo el domingo 8 de febrero, a las 18 horas, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, a través del recital titulado Tres épocas, tres estilos, tres mujeres.

De Wolfgang Amadeus Mozart (Austria, 1756-1791), el trío interpretará la Sonata para violín y piano, KV 301; y de César Franck (Bélgica, 1822-Francia, 1890) se escuchará Prélude, fugue et variation, Op. 18 núm. 3 para órgano, en transcripción para piano de Ignaz Friedman.

Tras el intermedio, Horti, Thierry y Frenk ejecutarán los cuatro movimientos de la Fantasía núm. 2 para oboe solo, de Georg Philipp Telemann (Alemania, 1681-1767), así como las tres partes del Concierto para violín y oboe, de Johann Sebastian Bach (Alemania, 1685-1750).

La violinista Viktoria Horti es originaria de Hungría, donde cursó la licenciatura y la maestría en la Universidad de Música Franz Liszt de Budapest, obteniendo el diploma cum laude. Desde 1981 radica en México; ha formado parte de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México y ha sido concertino de las orquestas de Cámara de Bellas Artes y de Minería. Su discografía comprende más de 20 títulos. Es integrante del grupo Concertistas de Bellas Artes y maestra de violín en la Facultad de Música de la UNAM.

Carmen Thierry es la primera oboísta titulada de licenciatura y posgrado en México por la UNAM. Recibió el diploma al mérito de la Academia Chigiana de Siena y realizó dos residencias artísticas en The Banff Centre for the Arts, en Canadá, donde grabó el disco Oboemia, música mexicana para oboe solo. En 2017 recibió la Medalla Sor Juana Inés de la Cruz de la UNAM por su trayectoria académica y profesional. Imparte la cátedra de música de cámara en la Facultad de Música de la UNAM; es oboísta de la Orquesta Capella Barroca e integrante del Quinteto de Alientos y de Concertistas de Bellas Artes.

La pianista mexicana María Teresa Frenk estudió la licenciatura en Piano en el Conservatorio Nacional de Música y el diplomado en Interpretación Artística en la Hochschule der Künste de Berlín. Desde hace 46 años es docente en la Escuela Nacional de Música de la UNAM y desde hace 32 años pertenece al grupo Concertistas de Bellas Artes. Ha realizado numerosas grabaciones, ha obtenido diversos reconocimientos y se ha presentado como solista con las principales orquestas de cámara y sinfónicas del país.

Los boletos para el concierto pueden adquirirse en las taquillas del Palacio de Bellas Artes, con descuentos para estudiantes, docentes y personas adultas mayores (INAPAM), con credencial vigente, así como a través de Ticketmaster.

Jalil Lopez conmueve a Ciudad De México con una presentación espontánea frente al Palacio de Bellas Artes

• Como artista en ascenso, Jalil Lopez continúa conectando de manera única con sus fans, creando nuevas relaciones y compartiendo su voz auténtica y conmovedora, mientras se viraliza en redes con música cargada de pasión y autenticidad.

Con el imponente Palacio de Bellas Artes y la Avenida Juárez como telón de fondo, el artista Jalil López transformó este monumento en un escenario para una experiencia musical inesperada. En medio del ambiente festivo de la Independencia de México, con turistas recorriendo el centro de la ciudad, banderas ondeando y la energía vibrante de este emblemático lugar, Lopez, acompañado de su guitarrista, apareció con micrófono en mano y con el corazón abierto para cantar en vivo a sus seguidores.

Fiel a su estilo, sin grandes producciones ni alfombras rojas, sorprendió a sus fans con una presentación relámpago anunciada apenas horas antes en sus redes sociales. Sus seguidores acudieron de inmediato desde distintos puntos, mientras que los transeúntes se detuvieron cautivados por su cálida voz y presencia magnética. Fue un momento de conexión pura, donde la música cumplió su mayor propósito: unir a las personas.

La respuesta del público fue inmediata: coros, aplausos, grabaciones en celular, publicaciones en redes y numerosos abrazos convirtieron la presentación en un encuentro inolvidable. Aunque el Palacio de Bellas Artes es frecuentemente visitado por creadores de contenido, pocas veces se convierte en escenario de presentaciones musicales en vivo, lo que hizo de este show un momento exclusivo para que Jalil conectara con sus fans.

Este espectáculo marcó el primer paso de un nuevo capítulo en el recorrido de Jalil: llevar su música a las calles de distintas ciudades internacionales que han apoyado su carrera, con una serie de presentaciones íntimas y cercanas al público, más allá de los escenarios tradicionales. Tras haber tenido exitosas presentaciones en varias ciudades de Estados Unidos y Puerto Rico, ahora, por primera vez, sorprendió al público en México. En cada parada deja huella con su sonido cautivador, conectando con la gente desde la humildad, el carisma y el talento.

Durante su visita, Jalil también se sumergió en la cultura mexicana en el marco del Mes de la Independencia, eligiendo celebrar esta ocasión especial junto a sus fans. La ciudad estaba llena de banderas, comida callejera y un ambiente festivo en cada rincón. “La gente es increíble, y la ciudad es tan hermosa”, compartió Jalil tras su presentación. “Estoy lleno de gratitud por el increíble apoyo y los encuentros maravillosos que estoy viviendo en este camino.” Su visita coincidió también con la semana de la pelea de Canelo Álvarez, lo que hizo su estadía en México aún más memorable.

Con cada paso, Jalil Lopez sigue consolidándose como una de las voces emergentes más auténticas de la música latina. Su capacidad de contar historias con el corazón y de conectar cara a cara con el público lo posiciona como un artista genuino, audaz y con un ascenso meteórico.

 

Reconocimiento en diversas platafromas

El ascenso de Jalil está impulsado por la autenticidad y el talento genuino, como se refleja en “Que Pase”, tema de su nuevo EP Metamorfosis, lanzado este septiembre. La canción debutó en la playlist “All New Latin” y recientemente fue añadida a la reconocida lista “Bachata Lovers” de Spotify. Esta curaduría, que reúne lo mejor del género a nivel mundial, confirma que la música de Jalil está encontrando su lugar en los oídos y corazones de oyentes alrededor del mundo.

Metamorfosis representa una poderosa fusión de bachata y pop: un estilo fresco y arriesgado con el que Jalil deja huella como una voz relevante en la nueva ola de la música latina. “Que Pase” es sólo una muestra de la revolución bachatera que este joven artista está gestando, mezclando emoción, innovación y una identidad musical inconfundible que lo distingue como un nombre a seguir de cerca.

Ya sea en un escenario tradicional o en el corazón de una ciudad, su mensaje es claro: la música vive en las calles, en el corazón y el alma del oyente, y en cada rincón donde alguien está listo para sentirla.

Fernanda Ulibarri y Musas Ensamble de Arpas reinterpreta a Lydia Mendoza con Denise Gutiérrez

• La tercera entrega del proyecto que reinterpreta obras de compositoras latinoamericanas 

• Una versión íntima de “Pálida Luna”, ya se encuentra disponible en plataformas digitales

La cantante y compositora mexicana Fernanda Ulibarri presenta una nueva versión de “Pálida Luna”, clásico de la legendaria cantautora texana Lydia Mendoza, conocida como La Alondra de la Frontera. Acompañada por Musas Ensamble de Arpas y la reconocida vocalista Denise Gutiérrez (Hello Seahorse!).

“Pálida Luna” es una pieza emblemática del repertorio de Lydia Mendoza (1916–2007), figura clave de la música tradicional mexicano-estadounidense. En esta versión, Fernanda Ulibarri ofrece una lectura contemporánea, acompañada por los arreglos envolventes de Musas Ensamble de Arpas y la voz invitada de Denise Gutiérrez (Hello Seahorse!).

Fernanda conoció “Pálida Luna” gracias al álbum Hola Texas! de The Mexican Standoff, donde la obra de Lydia Mendoza resonó profundamente con su sensibilidad musical. Considerada una de las voces más emblemáticas del siglo XX, Mendoza fue una guitarrista y cantante de estilo tex-mex, norteño y música tradicional mexicano-estadounidense, cuyo talento floreció gracias a los aprendizajes heredados de su madre y su abuela. Movida por esa conexión, propuso el tema a Musas Ensamble de Arpas —con quienes ha colaborado previamente— y a Denise Gutiérrez, con quien mantiene una estrecha relación creativa. “Descubrí a Lydia Mendoza, una cantautora tejana maravillosa, con una voz de timbre inigualable y canciones profundamente conmovedoras. Este proyecto de descubrir y dar a conocer autoras poco conocidas se ha gestado lentamente, pero siempre ha estado presente en mi vida musical”. menciona Fernanda Ulibarri.

“Sol Redondo” (2020), de Concha Michel, y “Veinte Años” (2022), de María Teresa Vera, son las canciones que ya forman parte de este proyecto en desarrollo de Fernanda Ulibarri y Musas Ensamble de Arpas, el cual busca visibilizar y revalorar el legado de compositoras latinoamericanas mediante relecturas actuales. 

La canción está disponible en todas las plataformas digitales

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Sobre Fernanda Ulibarri

Talentosa cantante y compositora mexicana graduada de Berklee College of Music, inició su carrera en Nueva York y se consolidó en Los Ángeles. Ha editado numerosos discos y sencillos de forma independiente, compuesto canciones para Nickelodeon, dirigido un ensamble de 15 mujeres músicas mexicanas para la instalación Frida Inmersiva de Cocolab, y fundado la banda The Mexican Standoff. Actualmente rescata canciones de compositoras latinoamericanas, interpreta música tradicional mexicana, compone música ambient, colabora con Musas Ensamble de Arpas y Aves Cantoras, y acaba de lanzar un disco con The Mexican Standoff en colaboración con Los Texmaniacs y El Flaco Jiménez.

Sobre Musas Ensamble de Arpas

Con siete años de trayectoria, Musas Ensamble de Arpas se ha consolidado como una referencia del arpa de pedales en Latinoamérica. Se ha presentado en escenarios nacionales e internacionales como Maestros del Arpa en Bogotá, la Semana del Arpa en Buenos Aires, el Palacio de Bellas Artes en México, el festival Ella es Música, y espacios universitarios como la UNAM y la Universidad Veracruzana. Han colaborado con artistas como Denise Gutiérrez, Leiden y Fernanda Ulibarri, grabando temas como Sol Redondo y Veinte Años. Parte fundamental de su misión es enriquecer el repertorio del arpa de pedales con composiciones originales de autores latinoamericanos y difundir obras poco conocidas e interpretadas.

El Festival de cine Europeo 2025, un puente para el diálogo y una vía para reflexión sobre los grandes retos globales

 

El festival pretende realzar la diversidad cultural de  México, en el año de la mujer indígena.

• Hasta el 18 de mayo de 2025, se proyectan 23 filmes en la Cineteca Nacional películas con historias que abordan temas como igualdad de género, derechos humanos, migración y medio ambiente.
• La presente edición se extiende a ocho estados del país en junio, como parte de una celebración cultural por los 75 años de la Unión Europea y los 80 del fin de la Segunda Guerra Mundial.

La Cineteca Nacional, institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, presenta una nueva edición del Festival de Cine Europeo, un ciclo que reúne lo más representativo del panorama cinematográfico actual del continente, en un recorrido por 23 países que celebran a través del “séptimo arte” la diversidad, la cultura y los derechos humanos.

En cooperación con la Delegación de la Unión Europea en México y las embajadas de sus Estados Miembros, del 7 al 18 de mayo de 2025, el público disfrutará en la Cineteca Nacional de México de una programación conformada por 23 películas de igual número de países de la Unión Europea.

La selección incluye títulos galardonados en festivales internacionales, propuestas de cineastas emergentes y obras pensadas para una gran variedad de públicos. El abanico temático y estilístico abarca desde dramas históricos y adaptaciones literarias hasta comedias familiares, animaciones y documentales sobre pueblos originarios.

“El festival refleja la diversidad y riqueza cultural de Europa, así como los valores que compartimos con México: los derechos humanos, la igualdad de género, la protección del medio ambiente y la promoción de la paz”, destaca en entrevista el embajador de la Unión Europea en México, Francisco André.

“Queremos que el cine sea un puente de diálogo entre nuestros pueblos y una vía para reflexionar sobre los grandes retos globales”, subrayó el diplomático.

Los países representados en la presente edición son: Alemania, Austria, Bélgica, Bulgaria, Chipre, Croacia, Dinamarca, España, Estonia, Finlandia, Francia, Hungría, Irlanda, Italia, Letonia, Lituania, Países Bajos, Polonia, Portugal, República Checa, Rumania y Suecia.

En el marco del Año de la Mujer Indígena en México, el ciclo abre con la película Historia: Puntadas para los sami (Thomas Jackson, 2022), un retrato de la artista y activista Britta Marakatt-Labba y su defensa de los derechos del pueblo sami en el norte de Europa.

“Es muy significativo comenzar el festival con una obra que pone en el centro la lucha de una mujer indígena por el reconocimiento cultural y la justicia ambiental. Queremos que este tipo de historias dialoguen con el público mexicano, que también vive y defiende su diversidad”, subraya el embajador.

En 2025, el Festival de Cine Europeo se inscribe también en dos conmemoraciones históricas: los 75 años de la Declaración Schuman considerada el punto de partida del proyecto de integración europea y los 80 años del fin de la Segunda Guerra Mundial. “Celebrar estos aniversarios en México, a través del cine y las expresiones culturales, es también reafirmar ese compromiso con la cooperación internacional, la democracia y los derechos humanos”, afirma el embajador André.

Al concluir las funciones en la ubicada en Xoco, al sur de la Ciudad de México, el festival continuará su ruta en junio a través del Circuito Cineteca, que lo llevará a pantallas en Aguascalientes, Baja California, Estado de México, Jalisco, Puebla, Querétaro, San Luis Potosí, Sonora y Puebla.

“El cine europeo dialoga de forma natural con México, un país con una poderosa tradición cinematográfica y un público profundamente curioso y conocedor. Esperamos que esta edición sea un éxito y que el festival siga creciendo en los próximos años, con más películas, más ciudades y más diálogo cultural”, concluye el embajador.

La primera función será el día de hoy, miércoles 7 de mayo a las 19:00 horas, en la Sala 10 de la Cineteca Nacional México.

Además de la proyección de películas, durante el mes de mayo se llevarán a cabo diversas actividades culturales en el marco del Mes de Europa. Entre ellas se encuentra exposición fotográfica “La Unión Europea hacia un futuro verde e inclusivo”, en las rejas del Bosque de Chapultepec, con más de 60 imágenes que retratan los esfuerzos del continente por la sostenibilidad.

También se realizarán el 31 de mayo en el Laboratorio de Creación Escénica, en el Jardín escénico, una sesión de cuentacuentos con Raúl Pérez Buendía, quien leerá obras de autores europeos y el espectáculo de teatro circense para niñas y niños del grupo Lokomotywa.

Además de actividades gastronómicas y exposiciones artísticas organizadas por las embajadas, así como la iluminación el 9 de mayo de monumentos emblemáticos de la Ciudad de México, como el Palacio de Bellas Artes y el Ángel de la Independencia, con el color azul de la bandera europea.

La Orquesta Sinfónica Nacional presenta "Voces femeninas", un programa conmemorativo por el Día Internacional de la Mujer

El 7 y 9 de marzo, a las 20 y 12:15 horas respectivamente, en la sala principal del Palacio de Bellas Artes.

• Se estrena en México el Dixit Dominus de Marianne von Martínez (1744-1812)
• El 7 y 9 de marzo, a las 20:00 y 12:15 horas respectivamente, en la sala principal del Palacio de Bellas Artes

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), en colaboración con la Coordinación Nacional de Música y Ópera (CNMO) y la participación del Coro de Madrigalistas de Bellas Artes, dirigido por Carlos Aransay, presentarán los próximos viernes 7 de marzo a las 20:00 horas y domingo 9 de marzo a las 12:15 horas, el programa conmemorativo del Día Internacional de la Mujer Voces femeninas en la sala principal del Palacio de Bellas Artes.

Como primera obra, bajo la batuta huésped de Carlos Aransay, la Orquesta Sinfónica Nacional presentará el estreno en México del "Dixit Dominus", de la compositora nacida en Viena en 1744, Marianne von Martínez. Hay consensos entre musicólogos y especialistas sobre que el "Dixit Dominus", basado en el texto del Salmo 110, es la obra más importante del catálogo de Marianne von Martínez, lo que hace extraña su ausencia absoluta en el artículo que le dedica el Diccionario Grove de la Música y los Músicos. Se trata de una adaptación en general luminosa y brillante, para voces solistas, coro y una orquesta reforzada por la potencia expresiva de trompetas y timbales. La escritura de Martínez es clara y directa, muy apegada a los modelos de la época, y en el desarrollo de la obra destaca la construcción de las secciones fugadas.

Existen discrepancias en diversas fuentes sobre la fecha de composición del Dixit Dominus: algunos mencionan 1773, otros 1774. En todo caso, algunos musicólogos afirman que Martínez compuso la obra como su trabajo de ingreso a la Academia Filarmónica de Bolonia (fundada en 1666), a la que fue invitada a incorporarse en 1773. Se dice también que el "Dixit Dominus" nunca fue interpretado en vida de la compositora.

En segundo lugar y para finalizar este concierto, Ludwig Carrasco dirigirá la interpretación de la Sinfonía núm. 3 de Louise Farrenc (1804-1875), una compositora y pianista francesa, perteneciente a una gran familia de artistas, a quien la historia (igual que a una lista interminable de mujeres) ha condenado a ser conocidas por la posteridad con el apellido de sus no tan ilustres maridos.

Su tercera sinfonía fue estrenada el 22 de abril de 1849, en uno de los programas de temporada de la famosa Sociedad de Conciertos del Conservatorio. Un crítico contemporáneo escribió esto sobre la obra: “No hay músico que no recuerde la sinfonía que Madame Farrenc hizo ejecutar en el Conservatorio, una obra fuerte y enérgica en la que el brillo de las melodías se confronta con la variedad en la armonía”.

Como el resto de su música sinfónica, la Sinfonía núm. 3 de Louise Farrenc ostenta una gran claridad en la forma, una notable lógica en el desarrollo y una orquestación rica y robusta.

Los boletos, cuyos costos oscilan entre 100 y 250 pesos (más cargo por servicio), se encuentran disponibles en Ticketmaster y taquillas del Palacio de Bellas Artes.

Música de dos siglos convive en "Miradas Clásicas"

En presencia de la propia compositora, la OSN, liderada en esta ocasión por el director huésped José Luis Castillo, 

abrió el repertorio de la noche con Kairós.

• El programa de la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigido por José Luis Castillo, incluye Kairós, pieza compuesta por la mexicana Andrea Sarahí Ramírez en 2019

• Completan el repertorio Concierto en Mi bemol, Dumbarton Oaks de Igor Stravinsky, y Matías "El Pintor", de Paul Hindemith, ambas estrenadas en 1938

• El domingo 2 de marzo de 2025 habrá una nueva sesión a las 12:15 h en el Palacio de Bellas Artes

Música de inicios del siglo XX y una composición mexicana del siglo XXI convivieron en el programa Miradas Clásicas, interpretado por la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), que tuvo una primera gala el viernes 28 de febrero de 2025 en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes.

Dicho repertorio se repitió el domingo 2 de marzo como parte de la Primera Temporada de Conciertos 2025 Fronteras.

El recital que presenta la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), se destacó por Kairós, de la compositora mexicana Andrea Sarahí Ramírez, una pieza compuesta en 2019 e interpretada por primera vez 16 de febrero de 2020 con la Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata.

En presencia de la propia compositora, la OSN, liderada en esta ocasión por el Director Huésped José Luis Castillo, abrió el repertorio de la noche con Kairós, una pieza de gran optimismo y grandilocuencia que representa un momento oportuno, el tiempo adecuado o el momento justo.

La obra fue compuesta en 2019 como parte de la Cátedra Extraordinaria de Composición Musical Arturo Márquez.

La obra abrió paso en el escenario al concierto en Mi bemol, Dumbarton Oaks, de Igor Stravinsky, que data de 1938 y es una pieza de interpretación más íntima y alegre que pareció llevar al público por paisajes verdes poblados de aves.

Para finalizar, la OSN eligió el drama estruendoso de Matías "El Pintor", de Paul Hindemith, ópera que también tuvo su estreno en 1938 y que llenó el foro con batallas épicas musicales, inspiradas en las guerras campesinas alemanas; su energía y poder resultaron perfectas para cerrar la noche.

• Un repertorio variado

Germán López Castellanos, Fagotista estudiante de la Facultad de Música de la UNAM que asistió al primer concierto de Miradas Clásicas, destacó lo variado del programa al presentar la música nueva de Andrea Sarahí Ramírez junto a piezas tan emblemáticas de Stravinsky y Hindemith.

“Algo que me parece fantástico de las últimas temporadas de la Orquesta Sinfónica Nacional es el repertorio que está montando con música más variada que la que había estado tocando. La apertura de música nueva puede hacer que más jóvenes se quieran acercar”, expresó el joven músico.

La Orquesta Sinfónica Nacional ofrecerá una segunda fecha de Miradas Clásicas el domingo 2 de marzo de 2025, a las 12:15 horas en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes; con boletos que oscilan entre 100 y 250 pesos, y se encuentran disponibles en Ticketmaster y en las taquillas del recinto.

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En 2024, Cultura Comunitaria celebró las expresiones culturales de todo el país

* Durante el presente año se realizaron más de 5 mil 900 actividades

* Los Semilleros Creativos fueron galardonados por su talento y dedicación

* Los Convites culturales convocaron a la reflexión y el intercambio de experiencias para promover el rescate de tradiciones y saberes

* Bajo el tema "La programación cultural desde un enfoque participativo y comunitario", se realizaron conversatorios que generaron un intercambio valioso de experiencias y perspectivas

Durante 2024, el programa Cultura Comunitaria, de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, realizó más de 5 mil 900 actividades como resultado de un arduo trabajo con comunidades de todo el país.

A través de acciones permanentes, como los Semilleros Creativos y los Convites culturales, el programa se integró a la Estrategia de Atención a las Causas –uno de los ejes de la estrategia de seguridad del Gobierno de México–, con el objetivo de ofrecer alternativas a niñas, niños y jóvenes de todo el país.

Semilleros Creativos: talento y colaboración

Los Semilleros Creativos son grupos de formación gratuita para la niñez y las juventudes, en los que se promueve su participación en la vida artística, el pensamiento crítico y su posicionamiento como agentes culturales.

A lo largo del año, los Semilleros Creativos llevaron a cabo múltiples actividades que incluyeron la participación de infancias y juventudes de toda la República. Entre los momentos más destacados se encuentran la creación del mural colectivo "El ombligo de la luna", el cual se exhibe en el techo del foro al aire libre del Pabellón de Cultura Comunitaria, y se aprecia al viajar en la Línea 3 del Cablebús de la Ciudad de México.

De igual forma, se llevó a cabo un concierto sinfónico en el Palacio de Bellas Artes para conmemorar el 65° aniversario de Canal Once, ejecutado por jóvenes músicos de los Semilleros Creativos provenientes de Ciudad de México, Estado de México, Guanajuato y Morelos, en colaboración con la Orquesta Escuela Carlos Chávez.

Además, se presentó la exposición nacional “Somos Semilla”, que reunió más de seis mil piezas de arte creadas por 148 Semilleros Creativos y 70 Convites culturales.

Cabe destacar que es la primera muestra en su tipo a nivel nacional, que ofrece obras realizadas por las y los participantes del programa Cultura Comunitaria. Permanece abierta hasta enero de 2025.

Entre junio y octubre, se realizó el Festival Tengo un sueño 2024, en el que se llevaron a cabo 26 eventos estatales y biestatales, con la participación de integrantes de los Semilleros Creativos de todos los estados del país, en los que compartieron los avances anuales en sus diversas disciplinas.

La culminación del encuentro fue en el Auditorio Nacional con el “Magno evento de Cultura Comunitaria Tengo un sueño”, con la colaboración de dos mil niñas, niños y jóvenes, quienes participaron tanto en el escenario como en la realización de la escenografía.

En noviembre, el talento de los jóvenes artistas los llevó a explorar escenarios internacionales, como el II Encuentro Latinoamericano de Orquestas Sinfónicas Infantiles en Colombia, en el que integrantes de los Semilleros Ensamble Comunitario de Cuerdas y Percusiones “Arditepec” (Ciudad de México), así como de las Orquestas Sinfónica Comunitaria Jóvenes Líderes y “Vasco de Quiroga” (Michoacán), fueron seleccionados para representar a nuestro país.

En 2024, los Semilleros Creativos fueron galardonados por su talento y dedicación, ejemplo de ello es el reconocimiento al Semillero de Fotografía en Tala, Jalisco, por su colaboración en el proyecto Eclipse Soundscapes 2024, organizado por la Administración Nacional de Aeronáutica y el Espacio (NASA), que los incluyó como observadores de la naturaleza durante el eclipse ocurrido el 8 de abril.

También, está el caso de Leonardo, del Semillero Creativo de Cinematografía en Durango, quien fue seleccionado en el Festival de Cine Paloma Itinerante con su cortometraje Fuera de competencia. Y el mismo Semillero logró la proyección del cortometraje La música en el 29.° Festival Internacional de Cine para Niños (y no tan niños) de La Matatena A.C.

A finales del año, los Semilleros de Michoacán recibieron una mención honorífica en la Presea al Mérito de los Derechos Humanos de Michoacán 2024, otorgada por la Comisión Estatal de Derechos Humanos.

De igual forma, Iberorquestas Juveniles reconoció a una integrante del Semillero Orquesta Sinfónica Comunitaria “Vasco de Quiroga” con el Galardón Joven Intérprete 2024, y el Ensamble Huasteco Comunitario "Cántaros de Sol" obtuvo la mención honorífica como Agrupación Joven 2024, entre otros reconocimientos que el programa ha logrado.

Jornadas culturales y rescate de saberes

Durante 2024, los Convites culturales y actividades como Cine sillitas y Jolgorios convocaron a la reflexión y el intercambio de experiencias. Las jornadas se llevaron a cabo para promover el rescate de tradiciones y saberes locales.

Los Convites culturales son convivencias semanales que incluyen actividades artísticas y culturales dirigidas a públicos de todas las edades. Los eventos, que se realizan a lo largo del año, se enfocaron en el rescate de la literatura local, las artes plásticas y las prácticas tradicionales, entre otros intereses culturales comunitarios.

Además, se diseñaron jornadas especiales para conmemorar acontecimientos y personajes de la historia de México, como Rufino Tamayo y Felipe Carrillo Puerto.

A su vez, Cine sillitas fomenta la sana convivencia, la cultura de paz y la apropiación afectiva de espacios públicos, mediante el acceso libre a proyecciones de películas y cortometrajes para personas de todas las edades.

En tanto que los Jolgorios son celebraciones públicas de arte y cultura en los cuales se propicia la apertura al diálogo creativo y a las audiencias que tienen presencia activa, por tanto, son también protagonistas.

Formación cultural y comunitaria

En el ámbito formativo, se realizaron 42 actividades en línea, entre ellas, sobresalieron el seminario “Epistemología latinoamericana en la gestión cultural comunitaria” y talleres como: “Textos en lenguas indígenas - diidxa nisa/ palabras de agua”, “Cabaret para trabajar con juventudes: identidad, sexualidad y género” y “El textil en el arte contemporáneo”, impartidos por Cecilia Iglesias, Irma Pineda, Mariano Ruiz y Teresa Olmedo, respectivamente.

También, se lanzó la segunda edición del MOOC (Massive Online Open Courses) en políticas culturales de base comunitaria. Además, en Centros de Reinserción Social (CERESOS), Centros Federales de Readaptación Social (CEFERESOS) y Centros Especializados de Internamiento Preventivo para Adolescentes se realizaron talleres y se presentó la exposición “La suerte del destino en Querétaro”, con obras creadas por personas privadas de la libertad.

Uno de los logros más significativos fue el desarrollo de ocho conversatorios en línea, en los que participaron más de mil personas, como parte del espacio formativo La Pixca. Bajo el tema "La programación cultural desde un enfoque participativo y comunitario", estos encuentros generaron un intercambio valioso de experiencias y perspectivas.

Memorias y narrativas

En colaboración con la Mesa Intersecretarial de Entendimiento para la Promoción de la Cultura de Paz, se coordinó la elaboración del capítulo El poder de la cultura: comunidad y transformación social, en el libro FR4CTAL. Experiencias de Construcción de Paz y Reconstrucción del Tejido Social en el Gobierno de México, coordinado por la Subsecretaría de Desarrollo Democrático, Participación Social y Asuntos Religiosos de la Secretaría de Gobernación.

El texto recoge las acciones del programa Cultura Comunitaria desde 2022 en Ayahualtempa, Guerrero, y Temacapulín, Jalisco, que abordan las causas de la violencia mediante actividades socioculturales en Convites culturales, Jolgorios y Semilleros Creativos. La publicación está disponible en bit.ly/4gS8ynC.

Además, se lanzó el compilado Cultura Comunitaria. La revolución cultural, que reúne historias y testimonios sobre cómo el arte y la cultura, a través del programa, resignifican las trayectorias individuales y colectivas en las comunidades. Estas están disponibles en el siguiente link: bit.ly/4iSt4WH.

Con la actividad "Del collage al recuerdo" invitan al público a sumergirse en el imaginario de Alan Glass

* Se lleva a cabo los miércoles de las 13:00 a las 15:00 hrs en el Área de murales del Palacio de Bellas Artes

* Los participantes podrán crear, de manera colaborativa, una memoria de la exposición a través de un libro de recortes

En el marco de la exposición “Alan Glass. Sorprendente hallazgo”, en el Museo del Palacio de Bellas Artes, durante los miércoles de las 13:00 a las 15:00 hrs, se lleva a cabo la actividad “Del collage al recuerdo” en el Área de murales del recinto, donde se invita a las y los participantes a crear, de manera colaborativa, una memoria de la exposición a través de un libro de recortes (scrapbook) en relación con las impresiones que les provocó la muestra y el trabajo del artista.

El equipo de mediación del recinto del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) comentó que “Del collage al recuerdo” toma como referente un libro del artista llamado Scrapbook (Libro de recortes), en el que Alan Glass originalmente incluía recortes e imágenes de momentos que marcaron su vida a través de personas y experiencias, a manera de collage.

“Lo que quisimos fue crear una memoria de la exposición a través de la experiencia y visión del público sobre el trabajo de Alan Glass. Nos interesa resaltar la unión de elementos aparentemente desconectados (en particular, de imágenes, tal como Alan Glass lo hacía no solo en su scrapbook, sino en sus propias cajas surrealistas), así como aludir a un gran sistema de referencias que el artista tuvo para dar cuenta de experiencias, historias o temas específicos”.

Los públicos, a través de la actividad, se llevan consigo el aprendizaje de crear narrativas a través de imágenes, más que de palabras, y así contar su experiencia, impresiones y los hallazgos que tuvieron al sumergirse en el imaginario de Alan Glass. Utilizarán recortes de revistas, libros antiguos o periódicos, lápiz adhesivo, colores, plumones, tijeras, así como dos libretas donde se crea de manera colaborativa para ejecutar la actividad.

El equipo de mediación explicó que “la manera en como hemos ido de lo ordinario a lo extraordinario va de la mano con un ejercicio recurrente en la obra de Glass: crear zurcidos invisibles, es decir, crear relaciones entre imágenes, experiencias y personajes que aparentemente no están conectados: abrir la puerta a otras realidades”.

Añadió que la importancia de esta actividad recae en que el ejercicio de una práctica como un scrapbook se vincula también con otras prácticas surrealistas previas, como el collage ejercitado por Max Ernst.

Además, acerca a los públicos al trabajo íntimo del artista, así como a una faceta de él que se expresa también en sus cajas.

El Museo del Palacio de Bellas Artes invita a sorprenderse con la obra de Alan Glass en un recorrido virtual

* El domingo 15 de diciembre a las 11 hrs, por Facebook Live y YouTube, con la guía de los curadores Joshua Sánchez y Xavier de la Riva 

* El propósito: adentrar al público en la vida y obra del artista surrealista canadiense

Debido al éxito obtenido y para abarcar a mayor número de beneficiados, el Museo del Palacio de Bellas Artes organiza un recorrido virtual por las salas que albergan la exposición “Alan Glass. Sorprendente hallazgo”, una muestra que pone de relieve la vida y obra de este artista canadiense.

El recorrido virtual se llevará a cabo el domingo 15 de diciembre a partir de las 11 hrs, a través de las plataformas de streaming Facebook Live y YouTube del Museo del Palacio de Bellas Artes, y estará a cargo de los curadores Joshua Sánchez y Xavier de la Riva.

El objetivo de esta actividad es llevar al público de las redes sociales a conocer la exposición mediante un recorrido por los diferentes apartados que la conforman, acompañados de los comentarios de los expertos curadores del recinto del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).

Organizada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) a través del Museo del Palacio de Bellas Artes, la exposición “Alan Glass.

Sorprendente hallazgo” se abrió al público el pasado 30 de octubre para hacer un recorrido y acercar al público a la vida y obra del artista canadiense Alan Glass (Montreal, 1932 - Ciudad de México, 2023), quien desarrolló su carrera en México dentro de la corriente conocida como surrealismo.

Se trata de una fascinante exposición que ofrece una visión multidimensional de más de cinco décadas de producción artística de Alan Glass, quien abarca temas como la naturaleza, el deseo, los viajes y la muerte.

El recorrido virtual llevará al público por las tres secciones de la muestra: “Bitácora de viaje: una introducción al artista”, “Objetos de afinidad: un atlas de ensamblajes” y “El jardín de las diosas”, las cuales reúnen un total de 125 piezas entre pintura, dibujo, ensamblajes y video, las cuales muestran la diversidad de afinidades artísticas, literarias y espirituales que influyeron en la obra de Glass.

Esta exposición cuenta con curaduría internacional: Joshua Sánchez (curador en jefe del Museo del Palacio de Bellas Artes) y Xavier de la Riva, por la parte mexicana; y la historiadora del arte estadounidense Abigail Susik y el investigador sueco Kristoffer Noheden.

Con el recorrido virtual, Joshua Sánchez y Xavier de la Riva buscan adentrar a los cibernautas en el “insospechado mundo de Alan Glass” a través del “proceso curatorial que está detrás de la exposición” y referirse a “ciertas claves de lectura” que darán al público para apreciar, en toda su dimensión, el trabajo de uno de los últimos artistas extranjeros vinculados con el surrealismo en México.

Para invitar al público a recorrer de manera virtual —y presencial— la exposición, Joshua Sánchez afirma: "Alan Glass es uno de los máximos exponentes del movimiento surrealista y eligió a México como su país para residir a partir de 1963. Aquí se vinculó con el movimiento pictórico mexicano y fue distinguido en 2017 con la Medalla Bellas Artes que otorga el INBAL".

El recorrido virtual de estreno por la exposición “Alan Glass. Sorprendente hallazgo” se realizará el domingo 15 de diciembre a las 11:00 hrs a través de Facebook Live y YouTube del MPBA. Para las visitas presenciales, la exposición se encuentra abierta de martes a domingo de 10 a 18 hrs, hasta el 16 de febrero de 2025.

Encarnación Vázquez y José Luis Ordóñez interpretarán concierto navideño en la Sala Manuel M. Ponce

* Con música de Händel, Frisina, Bernal Jiménez, Farías, Olechowski, entre otros; viernes 13 de diciembre a las 18:00 hrs

Ya se respira el ambiente navideño y la Coordinación Nacional de Música y Ópera, del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), invita al “Concierto de Navidad” que ofrecen la mezzosoprano Encarnación Vázquez y el tenor José Luis Ordóñez, acompañados al piano por Esteban León.

El recital tendrá lugar en el marco del ciclo Música INBAL en la Ponce, el próximo viernes 13 de diciembre a las 18:00 hrs en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes.

El programa elegido por los concertistas de Bellas Artes se integra por Alto e Glorioso Dio, de Marco Frisina (Italia, 1954); God Rest ye Merry, Gentlemen: tema de autor anónimo publicado en Christmas Carols Ancient and Modern (S. XIX); Gesú Bambino, de Pietro Yon (Italia, 1886 - Estados Unidos, 1943), y el villancico mexicano Duerme y no llores.

Además, interpretarán Por el Valle de las rosas, de Miguel Bernal Jiménez (México, 1910-1956); Nana para el niño Dios, de Ramón Farías (México, 1960); Pastores venid: villancico de Castilla; Adeste Fideles, de John Francis Wade (1711-1786); Porque llegó la Navidad, de Józef Olechowski (Polonia, 1959); O Holy night, de Adolphe Adam (Francia, 1803-1856); y cierran con broche de oro: Joy to the World, de Georg Friedrich Händel (Alemania, 1685 - Reino Unido, 1759).

Encarnación Vázquez ha sido distinguida con la Medalla Mozart en su primera edición. Ha alternado con cantantes como Renée Fleming en el Teatro Colón de Buenos Aires, así como en la gira anual de la New York City Opera, la Ópera Metz de Francia y el Teatro Teresa Carreño de Venezuela. Se ha presentado en la Ópera de Berlín y la Ópera de Karlsruhe, en Alemania, además del Palau de la Música Catalana y en el Gran Teatro Liceo de Barcelona.

Se ha presentado en Zimbabue, Sudáfrica e Israel. Interpretó la ópera Yuzuru en Japón. En Polonia, se ha presentado en Cracovia, Radom, Katowice y Varsovia. Ha grabado 18 discos que incluyen la obra de Mahler, Graun, Mozart, Debussy, Fauré, Ponce, Chávez, Revueltas y diversos compositores de música contemporánea mexicana.

Por su parte, José Luis Ordóñez —originario de Camargo, Chihuahua— debutó en el Palacio de Bellas Artes en 2002, con el papel de Luigi en Il Tabarro, de Puccini. Debutó en Europa en 2005 (en Innsbruck, Austria, en el Tiroler Landestheatre) con el papel de Don Carlo de la ópera del mismo nombre, de Verdi. En 2005 y 2006, participó en la producción de El trovador en el Festival Internacional de Bregenz, Austria, con la Orquesta Sinfónica de Viena.

Con la Compañía Nacional de Ópera de Bellas Artes, participó en Carmen y en el estreno de la ópera Únicamente la verdad, de Gabriela Ortiz. Con la Compañía Nacional de Danza, debutó en Carmina Burana, de Carl Orff, en el Auditorio Nacional.

Esteban León fue discípulo de María Teresa Frenk en la Facultad de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México, donde se graduó con mención honorífica. Fue ganador de los concursos internos de piano en 2007, 2008 y 2013. La UNAM le ha otorgado reconocimientos por su excelencia académica en 2011, 2012, 2013 y 2014.

Como solista, ha ofrecido recitales en la Ciudad de México, así como en recintos culturales del país. Tomó clases magistrales y cursos de perfeccionamiento con Horacio Franco, Teresita Junco Reyna, Jean Paul Sevilla, Lilya Zilberstein, Jörg Demus, Janos Kèry, el Cuarteto Latinoamericano y Richard Markson.

El INBAL realizará su gran venta de bodega del 13 al 20 de diciembre con grandes descuentos

* Se pondrán a la venta decenas de ejemplares con descuentos de hasta 50%, en el túnel del Palacio de Bellas Artes

* Para los empleados del INBAL habrá descuento especial de 75% el 19 de diciembre

Del 13 al 20 de diciembre se llevará a cabo la XXX Gran Venta de Bodega de Publicaciones del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) en el túnel del Palacio de Bellas Artes, a un costado de la calle Ángela Peralta.

Durante esa semana se pondrán a la venta libros que ya se han vuelto piezas de colección, con un descuento del 50% sobre el precio marcado. Hay decenas de títulos sobre variados temas en las diferentes disciplinas artísticas.

Para los empleados del INBAL habrá un descuento especial de 75% el 19 de diciembre, por única ocasión.

Libros de danza, música, teatro, artes plásticas, literatura e investigación, entre otros temas, fueron publicados por el INBAL en distintos años, los cuales se pondrán a disposición del público, junto con las novedades editoriales que seguramente llamarán la atención de los lectores.

Una de ellas es el volumen Ex Teresa. XXX años, dedicado a un recinto que desde su aparición ha creado su propio público, debido a sus novedosas propuestas artísticas y ser el lugar por excelencia del performance. Imperdible para las personas que deseen conocer y comprender el arte mexicano desde 1993 a la fecha.

Otra novedad es Francisco Castro Leñero. Una lógica de la belleza, un libro enfocado en la labor de uno de los máximos representantes del arte abstracto mexicano. El artista falleció en 2022 a los 68 años de edad, luego de más de medio siglo de actividad. La muestra homónima se presentó en el Palacio de Bellas Artes.

Teatro y profanación (Artaud, Brecht y Benjamín), de Agustín Elizondo, es uno de esos libros que no dejan de sorprender por su contenido. Como muchas investigaciones de su tipo, el autor analiza el trabajo de dos directores clave: Antonin Artaud y Bertolt Brecht, quienes con propuestas artísticas muy distintas pugnaron por un verdadero teatro de su tiempo. Asimismo, revisa el concepto de la historia del filósofo Walter Benjamin y el impacto del capitalismo en la sociedad moderna.

En el terreno de la danza se encuentra el libro Urdir la resistencia. Cuerpos en desplazamiento, de Rebeca Mundo Peralta, quien hace reflexionar al lector sobre la importancia de este género artístico desde el individuo y la sociedad.

Héctor Xavier. Señales de vida es el catálogo de la exposición que estuvo en el Museo Nacional de Arte hace tres años, con el propósito de recordar el centenario del natalicio del artista consolidado como el maestro del dibujo, cuya obra abreva de los antiguos maestros europeos para representar animales, retratos, desnudos y escenas costumbristas.

Además de esos libros, en la venta de bodega estarán Patrimonio, de Santiago Arau; Sublevaciones en el cielo y en la Tierra, de Enrique González Rojo Arthur; Camelia 12, de Pilar Cabrera Fonte, Premio Bellas Artes “Juan Rulfo” para Primera Novela 2022; Cuerpos como bosques, de Ángel Aurelio Hernández Arreola, Premio Bellas Artes Baja California de Dramaturgia “Luisa Josefina Hernández” 2022; Antártida, de Fabián Espejel, Premio Bellas Artes de Poesía Aguascalientes 2023; El género de la danza para piano en México (1860-1930). Estudios de diversos aspectos musicales, de Joel Almazán e Índices de la revista Carnet Musical, primera época (1945-1966).

Otros títulos son Clemente Aguirre (1828-1900). Compositor, maestro, director musical y compilador de música tradicional. Tomos I, II y III, de Gabriel Pareyón; Heterofonía, números 152 y 153; El lenguaje de los pájaros: del laboratorio al co/laboratorio, de Rubén Ortiz y Principios de nanoteatralidad. La ironía y la antropología modular, de Juan Claudio Retes Campesino, por citar algunos autores.

Como se puede notar, son libros para todos los gustos, desde el incipiente lector hasta el más avezado investigador que buscan conocer los pormenores de las diferentes disciplinas artísticas mexicanas.

El público podrá adquirir ejemplares de las 10:00 a las 20:00 hrs.