La cuarta edición de ¡Dah! Festival Cultural para Bebés, Niñas y Niños de Primera Infancia muestra que el arte se baila, juega, rie y comparte

• Familias con bebés, niñas y niños de 0 a 6 años vivieron un fin de semana en el que el juego, el movimiento y la imaginación transformaron los espacios del Pabellón de Cultura Comunitaria

• Con cincuenta y dos actividades gratuitas, el encuentro celebró el derecho de la primera infancia a participar de forma activa en la vida cultural

• Organizado por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, se ofrecieron dos jornadas en las que el arte se vivió a través de los ojos de niñas y niños

Carriolas, risas, primeros pasos, palabras y miradas curiosas dieron forma a la cuarta edición de ¡Dah! Festival Cultural para Bebés, Niñas y Niños de Primera Infancia, organizado por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través de la Dirección General de Vinculación Cultural y la Coordinación Nacional de Desarrollo Cultural Infantil – Alas y Raíces. El festival se llevó a cabo el sábado 28 de febrero y el domingo 1 de marzo de 2026, en dos jornadas en las que el arte se vivió a través de los ojos de niñas y niños. 

Desde las primeras horas del fin de semana, cientos de familias ocuparon los espacios del Pabellón de Cultura Comunitaria, en la 2ª Sección del Bosque de Chapultepec, ¡DAH! se integra como una propuesta que celebra el primer asombro y fomenta el acompañamiento sensible desde los primeros años de vida, con un enfoque que pone en el centro las experiencias artísticas significativas con bebés, niñas y niños de 0 a 6 años, al propiciar entornos en los que la exploración, la curiosidad y la interacción entre infancias y personas cuidadoras fortalecen vínculos y procesos de creación compartidos.

La programación ofreció de manera gratuita 52 actividades de narración oral, música, danza, teatro, juego escénico, instalaciones lúdicas y talleres sensoriales. La asistencia superó las expectativas y, en prácticamente todas las actividades, rebasó el número de registros previsto, lo que confirma el interés de las familias por espacios culturales diseñados para bebés, niñas y niños de 0 a 6 años.

En entrevista, la coordinadora nacional de Desarrollo Cultural Infantil,  Guillermina Pérez Suárez, explicó que el término “¡Dah!” es una onomatopeya relacionada con el lenguaje con el que se comienza a explorar el mundo: “puede ser nada y todo: para pedir, para compartir, para expresar alguna emoción”. 

La afluencia al Pabellón de Cultura Comunitaria superó las expectativas previstas al tratarse de un espacio nuevo para la cuarta edición del festival: “Tuvo muy buena convocatoria, las familias llegaron desde las diez y media, y se han quedado todo el día… los talleres han estado completamente llenos. Creo que ¡Dah! encontró su lugar”, indicó la funcionaria.

Por ejemplo, en la Bebeteca Arrullos, se llevó a cabo el taller “¿Cómo lo mueves, mueves?”, con Mafer Vergara. Con pelotas, plumas y telas suaves se creó un pequeño universo sensorial compartido con personas adultas acompañantes, entre texturas, balanceos y movimientos en el piso, en una dinámica en la que también las y los grandes volvieron a jugar como infantes.

En la ludoteca Barullos, la palabra se volvió vínculo. En su área de lectura, bebés, niñas y niños se acercaron a libros impresos de la colección de Alas y Raíces mediante la lectura compartida. Mientras algunas familias se acomodaron en el piso para escuchar cuentos, otras leyeron las historias al oído, al tiempo que las y los pequeños interactuaron con juegos y materiales.

También, el piso del salón Tutti se llenó de papelitos, cuerdas y globos de colores que iban y venían entre manos pequeñas y grandes en “Animalezas sonoras”, taller multidisciplinario con Nur Slim, en el que niñas y niños corrieron, dieron vueltas, bailaron y rieron.

En el salón de Circo se presentó Llanura, de Flores TeatroDanza. Alejandro Chávez, integrante del elenco, destacó: “Es muy hermoso habitar nuevos espacios y llenarlos de arte para las infancias”, y celebró la respuesta del público. Fernando Leija, también intérprete, reconoció: “Fue una experiencia muy linda; tuvimos más público del que estamos acostumbrados, pero afortunadamente fue muy bien acogida la pieza. Nos vamos contentos de colaborar con Alas y Raíces”.

Asimismo, en las Áreas Verdes, cuentos y conciertos dialogaron con el entorno natural. En el Foro Ombligo de la Luna, las instalaciones lúdicas tuvieron activaciones musicales.

Las familias coincidieron en la importancia del encuentro. Karina, madre de familia, señaló: “Me ha parecido muy bien para los niños, está bien para que convivan y se empiecen a desarrollar más”. A su vez, Lisette destacó el acierto de “encontrar un lugar en donde pueda conectar con mi hija”. Miguel Ángel lo definió como “una oportunidad para ofrecer más estímulos culturales desde una edad temprana”.

La jornada del sábado concluyó con las y los más peques saltando al ritmo de música con Norma Torres y Los Swingones. El concierto invitó a explorar el universo de los bichos con swing, blues y jazz. Niñas y niños brincaron, improvisaron pasos y bailaron con entusiasmo. “Las familias estuvieron muy contentas, las niñas y los niños felices”, expresó Torres, quien celebró el gozo compartido y reafirmó que estos espacios culturales son un derecho.

El domingo, la jornada de actividades continuó con el arribo desde temprana hora de nuevas familias –y otras tantas que repitieron su visita– para hallar un espacio en las funciones de su preferencia.

En Traza, de la compañía Una Canasta de Limones, niñas y niños de 3 a 5 años fueron parte de un juego escénico para los primeros años que invitó a la exploración e improvisación entre el asombro espontáneo de las y los bebés participantes. En otro espacio, sucedió Tesili, con Katia Castañeda y Tostli Abril de Dios, en la que las y los participantes vivieron una experiencia teatral de reconocimiento corporal entre formas y texturas, a partir de dos peculiares personajes.

De igual forma, los talleres creativos, las sesiones de narración oral y los espacios para la lectura, la exploración a través de instalaciones lúdicas y el encuentro y convivencia intergeneracional permearon el ambiente del segundo día de actividades. Para el cierre del festival, Mariana Mallol invitó a disfrutar de un concierto en los jardines entre “abrazos, besos y apapachos”.

A un par de horas del cierre del festival, alrededor de seis mil bebés, niñas, niños y adultos acompañantes disfrutan de la programación dirigida a la primera infancia de ¡DAH! durante el fin de semana.

Con la cuarta edición –inscrita además en la celebración de los 30 años de existencia del programa nacional de cultura infantil Alas y Raíces– ¡DAH! confirmó que el arte en la primera infancia se corre, se brinca, se baila, se juega y se ríe. Y, sobre todo, se comparte.

Sigue las redes sociales de la Secretaría de Cultura en Twitter (@cultura_mx), Facebook (/SecretariaCulturaMX) e Instagram (@culturamx).

En 2025, La Coordinación Nacional de Teatro consolida programas y refuerza su impacto social

La edición registró una asistencia total de 16 mil 135 personas durante 10 días.

• La Coordinación impulsó programación escénica de calidad, alianzas interinstitucionales y estrategias de alcance nacional

La Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), organismo de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, reafirmó en 2025 su compromiso con la sociedad al ofrecer una diversa y prolífica programación artística en la que la calidad fue una constante, con especial énfasis en la vinculación interinstitucional y la descentralización cultural.  

Con el objetivo de fomentar el trabajo de artistas y compañías, llevó a cabo acciones y convocatorias específicas, entre las que destacan:  

Artes Escénicas en la Escuela.  Programa mediante el cual se realizaron 113 funciones y actividades de mediación en 15 estados de la República, en conjunto con la Coordinación Nacional de Danza, con la participación de comunidades escolares de Baja California Sur, Ciudad de México, Durango, Estado de México, Guanajuato, Guerrero, Hidalgo, Jalisco, Morelos, Querétaro, San Luis Potosí, Tabasco, Tamaulipas, Tlaxcala y Yucatán. Más de 12 mil 600 estudiantes vivieron experiencias escénicas diseñadas para estimular la creatividad, el pensamiento crítico y el desarrollo integral desde la infancia.

Teatro a una sola voz.  Festival de Monólogos que promueve la circulación del teatro en el país, fortalece la colaboración interinstitucional y garantiza el acceso a los derechos culturales de públicos diversos. En 2025, durante su edición número 20, presentó 14 puestas en escena provenientes de siete estados de la República, con 140 funciones en 26 ciudades y un registro total de 23 mil 428 asistentes.

Con el propósito de asegurar que las generaciones futuras tengan acceso al patrimonio artístico de los siglos XX y XXI, la Coordinación Nacional de Teatro produjo un total de 10 puestas en escena, entre ellas La danza que sueña la tortuga, en el marco del Centenario del natalicio de Emilio Carballido; Ovillo, inspirada en el colectivo Las Hormigas Bordadoras de San Francisco Tanivet, Oaxaca —mujeres que bordan mensajes para sus familiares migrantes—, con dramaturgia de Sonia Gregorio y dirección de Mariana Gándara; y Viajeras, de la compañía Depalabrayhueso, interpretada en náhuatl y euskera, obra que celebra la riqueza y diversidad lingüística.

Asimismo, se estrenaron (Solo) un bosque; Hildegarda, un aire atravesado por la luz; Salomé; La dignidad del insecto: vida y muerte de lo imperceptible; Un vals sin fin por el planeta; Nahuala; y Las Tres Gracias: habitando la cartografía corporal, propuestas artísticas que abordan temáticas de interés social.  

Durante el año, la Coordinación convocó a más de 137 mil 975 espectadores en mil 292 funciones de más de 120 puestas en escena programadas en los recintos que integran el Centro Cultural del Bosque, dirigidas a públicos de todas las edades, desde la primera infancia.

En el marco del Año de la Mujer Indígena, se llevaron a cabo los Prólogos Escénicos, intervenciones de cinco minutos realizadas antes de cada función. A partir de discursos de escritoras y activistas como Petrona de la Cruz, Alicia Gregorio, Rubí Tsunda, Alejandra Sasil y Marina Carrillo, estas acciones buscaron visibilizar las luchas y el papel fundamental de las mujeres indígenas, así como la relevancia de la diversidad lingüística en el desarrollo del país.

La Coordinación celebró la 17ª edición del Gran Maratón Nacional de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes, en colaboración con UNICEF y Alas y Raíces, con la participación de compañías provenientes de Aguascalientes, Baja California, Baja California Sur, Campeche, Chiapas, Chihuahua, Colima, Durango, Guanajuato, Hidalgo, Jalisco, Michoacán, Nayarit, Nuevo León, Puebla, Querétaro, Quintana Roo, Sinaloa, Sonora, Tabasco, Tamaulipas, Tlaxcala, Veracruz, Yucatán y Zacatecas.

Como sede del Circuito Cervantino, presentó los espectáculos Samsara of Blossom, propuesta multisensorial del colectivo coreano Jajack Movement; Deepstaria, experiencia sensorial de danza contemporánea dirigida y coreografiada por Sir Wayne McGregor; y NeoArctic, de la compañía danesa Hotel Pro Forma, ópera no narrativa que combina arte, ciencia y tecnología.  

Asimismo, impulsó modelos de desarrollo académico mediante talleres de especialización que enriquecen la práctica de los creadores escénicos, entre ellos Dramaturgia para una voz. Del melólogo al unipersonal, impartido por Silvia Peláez; Linklater: la libertad de la voz natural, impartido por Elizabeth Guajardo; y El vestuario como pieza artística, impartido por Laura Marnezti, entre otros. De igual forma, continuó el trabajo para consolidarse como un espacio de no violencia, con la impartición de tres talleres de Herramientas para la construcción de espacios laborales libres de violencia, dirigidos a su personal e impartidos por Margaret Ruiz.

Además, conformó la Red Nacional de Programación Teatral, integrada por representantes de las instituciones de cultura de las 32 entidades federativas. Como parte de sus actividades, se realizaron dos encuentros presenciales nacionales y ocho encuentros virtuales, tanto nacionales como regionales, y se estableció una agenda de trabajo para 2026.

Finalmente, la Coordinación celebró la 45ª edición de la Muestra Nacional de Teatro (MNT), en colaboración con el H. Ayuntamiento de Benito Juárez, Quintana Roo, a través de su Instituto de la Cultura y las Artes.

La edición registró una asistencia total de 16 mil 135 personas durante 10 días, con 91 actividades y 29 puestas en escena provenientes de 17 estados de la República, distribuidas en 45 funciones, además de cuatro funciones con intérprete de Lengua de Señas Mexicana, tres talleres, una Feria del Libro Teatral, dos clases magistrales, cuatro prólogos escénicos, instalaciones escénicas, encuentros críticos y un sólido programa de Jóvenes a la Muestra, con 32 participantes de todo el país.

La parranda del año será en Bogotá con "Los Hermanos Aicardi"

El Teatro Cassia en Bogotá recibe 'La Parranda del Año con Los Hermanos Aicardi' el próximo 19 de diciembre a las 7:00 pm.

La noche llega cargada de canciones que se han convertido en verdaderos himnos de los diciembres latinoamericanos como 'Adonay', 'Daniela' y 'Cariñito'. También podrás cantar y bailar nuevos éxitos como 'El Acongojao' y "Sigo Esperando".

Los Hermanos Aicardi encienden la fiesta con su energía arrolladora, su estilo inconfundible y ese sabor tropical que pone a bailar a todos. Desde el primer acorde hasta el último aplauso, cada momento es pura alegría, buena música y diversión sin límites.

Herederos del legado musical  de su padre, el legendario Rodolfo Aicardi, estos hermanos mantienen viva la esencia de la música tropical adaptándola al lenguaje de las nuevas generaciones y garantizando una fiesta intergeneracional.

Disfruta de un show lleno de luces, emoción y grandes éxitos. 

Los Hermanos Aicardi continúan un legado musical y cultural que representa las vivencias de los colombianos y enaltece la cultura popular: desde la alegría expresada a través de la cumbia, hasta los sentimientos más poéticos narrados en baladas y boleros.

¡La rumba no se detiene cuando Los Aicardi están en el escenario!

Abriendo la noche llegan la cantautora Lyanna Cadil y la agrupación La Vuelta. ¿Qué esperas para comprar tus entradas en www.boletomovil.com

Lyanna Cadil es una artista colombiana que fusiona pop alternativo, R&B con toques nostálgicos de soul y electrónica.

La cantautora transforma las emociones en canciones, con letras que sanan, empoderan y cuentan verdades intimas.

Desde pequeña supo que la música era su lenguaje natural. Hoy, su voz dulce pero poderosa narra historias de amor, despedidas y experiencias de vida. Cada canción es un pedazo de su proceso: una búsqueda constante de libertad, arte y conexión real.

Con La Vuelta los límites fronterizos se desdibujan, pues disfrutar de un alegre porro cordobés interpretado a zampoña y quena, demostrando la simpatía de los ritmos colombianos con instrumentos folclóricos del sur del continente, y la asimilación de melodías conocidas con nuevos colores y efectos. 

La agrupación entrega a su público un conjunto de nuevos sabores, una producción romántica, efusiva, festiva y tremendamente sonora, acompasando los patrones rítmicos regionales que le dan identidad a la música de este lado del mundo.

Los Hermanos Aicardi se encuentran promocionando su más reciente sencillo que mezcla el sabor tropical de siempre con una historia de hoy.

"Sigo Esperando" es alegría, despecho y tradición en una sola canción, ideal para las fiestas de fin de año y esas noches donde el corazón todavía anda “en línea”.

Con su característico estilo alegre y festivo, los hermanos transforman ese “me dejó en visto” en una melodía para cantar, bailar y hasta reírse del desamor. 

"Sigo esperando" le pone ritmo tropical al 'ghosting': "No voy a llamar, ni voy a textear, te voy a olvidar..."

InstagramFacebookYouTubeBoletas

La Parranda del año es una producción de HRP Producciones yTeatro Cassia.

Verano cultural 2025: Descubre, crea y disfruta

• Arte, música, talleres y espectáculos para todas las edades, con actividades gratuitas o de bajo costo en las distintas regiones de México

• Museos, teatros y centros culturales abrirán sus puertas en julio y agosto para ofrecer un verano lleno de cultura, aprendizaje y diversión

En el próximo periodo vacacional, la Secretaría de Cultura del Gobierno de México ofrece la cartelera Verano Cultural 2025, una amplia agenda con actividades diseñadas para todas las edades y gustos. Talleres creativos, campamentos infantiles, conciertos, exposiciones, propuestas familiares y cursos formativos, conforman la cartelera que fortalece el derecho a la cultura en todo el país.

Por ejemplo, el Centro Nacional de las Artes (CENART) presenta la exposición PAPIAM-D 2023, hasta el 10 de agosto, con obras que exploran los cruces entre arte, discapacidad y medios digitales en las galerías Manuel Felguérez y Espacio Alternativo.

Suspensiones bajo la lluvia es una serie de instalaciones sonoras al aire libre que invitan a la interacción del público. Entre las propuestas más originales está el taller “Orquesta de sartenes”, del 28 al 30 de julio, que enseña a crear música con utensilios de cocina, con un cierre especial en vivo de “Universos sonoros cotidianos”, el 30 de julio.

El ciclo de jazz “Sincopado" reunirá en el Auditorio Blas Galindo, del 13 al 27 de julio, a figuras destacadas del género como Roberto Aymes Dúo, Elizabeth Meza, Miguel Chuck Rodríguez, Erick Carrillo Quinteto y Som Bit.

Campamentos y talleres para infancias y adolescencias:

El Centro Cultural Tijuana (CECUT) realizará su tradicional Campamento de Verano, del 14 de julio al 8 de agosto 2025, para infancias de 6 a 12 años. Incluye talleres de artes plásticas, música, danza inclusiva, esgrima, teatro, ajedrez, cuentacuentos y visitas al Domo IMAX y al Acuario.

Los museos de Arte Moderno y La Tallera, en Ciudad de México y Morelos, respectivamente, ofrecen los cursos de verano “Modernos en Acción” y “Esto me lo llevo: museos chiquitos” para niñas y niños que crean, imaginan y descubren el arte moderno del 12 al 31 de julio.

El Centro Cultural Helénico, mantiene una atractiva cartelera teatral con montajes como Grand Slam, Detrás de mí, Quijote y Panza, El hilador, Dios es un bicho, C19 y El niño salvaje, con descuentos especiales. También están programados cursos de verano gratuitos con registro previo para infancias del 14 al 25 de julio, en dos segmentos por edades, más información en helenico.gob.mx.

La Fonoteca Nacional celebra Verano Sonoro, del 21 de julio al 1 de agosto, con los talleres gratuitos de arte sonoro, música experimental, poesía, rap, stop motion y hardware de audio para niñas, niños y jóvenes, con el objetivo de sensibilizar a las y los participantes sobre la importancia de la escucha en la vida cotidiana, a través de ejercicios que estimulan la sensibilidad auditiva, promuevan la expresión artística y fortalezcan el sentido colectivo. Más información vía correo electrónico en veranosonorofn@cultura.gob.mx.

El Centro de Cultura Digital organiza talleres gratuitos para infancias del 21 de julio al 8 de agosto, que explorarán electrónica, animación y experimentación auditiva con sonidos del bosque en experiencias lúdicas y creativas. Las inscripciones ya están abiertas y se pueden consultar en centroculturadigital.mx. 

Cultura comunitaria para todas las edades:

El programa Cultura Comunitaria, de la Dirección General de Vinculación Cultural, ofrece "Vacaciones de verano en el Pabellón” los sábados y domingos de julio, con actividades lúdicas, creativas y participativas; talleres de cartonería, construcción de memorias comunitarias, encuentros con Semilleros Creativos de Artes Gráficas y Circo, karaoke comunitario, clases de danzón queer y cine infantil gratuito, como un refuerzo de la convivencia familiar y el derecho a la cultura, todo en el Pabellón de Cultura Comunitaria, ubicado en la segunda sección del Bosque de Chapultepec.

En el resto del país, se activará el Verano Convitero, con 98 jornadas de Convite Cultural que ofrecen artes plásticas, música, teatro, narración oral, arte circense y juegos participativos; a su vez, los Semilleros Creativos comenzarán sus cursos de verano del 28 de julio al 22 de agosto en sus sedes locales, con talleres como artes plásticas en Teloloapan, Guerrero, y la puesta en escena Mujeres de Tradición, en Hecelchakán, Campeche.

Aprender y jugar en los museos del INAH:

El Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), ofrece una amplia programación en sus museos y zonas arqueológicas en julio y agosto; en la capital del país, por ejemplo, el Museo Nacional de Antropología brindará talleres para niñas, niños, jóvenes y personas adultas, sobre artes escénicas, arqueología, historia, texturas en barro, bordado y cerámica, opciones para acercar al público al conocimiento histórico y al patrimonio.

A su vez, el Museo Nacional de las Intervenciones brindará el taller “El Ahuizotito” del 21 de julio al 8 de agosto para niñas y niños, en el que se hablará de la Revolución Mexicana. El Museo de El Carmen, en San Ángel, tendrá actividades especiales sobre la temática floral, música en vivo y un rally para toda la familia, con programación hasta el 25 de julio, para celebrar la tradicional Feria de las Flores de San Ángel, con propuestas que invitan a descubrir el patrimonio cultural desde distintas miradas.

El Museo Casa de Carranza ofrecerá durante julio y agosto un programa con ciclos de cine, presentaciones musicales, talleres, recorridos guiados, clases de ajedrez, exposiciones temporales, diseñadas para acercar la historia a públicos de todas las edades.

Al interior del país, el Museo Nacional del Virreinato impartirá su taller gratuito “El vidrio novohispano”, dirigido a infancias, jóvenes y adultos. El Museo Regional de Historia de Colima ofrecerá “Xolitos", del 15 al 26 de julio, donde niñas y niños crearán instrumentos musicales y aprenderán a ser guías de museo.

A su vez, el Museo Regional de Querétaro tendrá “Recreando historias” del 15 de julio al 8 de agosto, con talleres y visitas guiadas. En Puebla, el Museo de Arte Religioso de Santa Mónica ofrecerá “Veranearte en Santa Mónica” del 14 de julio al 1 de agosto para niñas y niños, con actividades creativas y lúdicas.

De vuelta en la capital del país, el Colegio de San Ildefonso mantiene la exposición “Un cielo sin fronteras. Rosario Castellanos: archivo inédito” durante el verano, con visitas guiadas incluidas con el boleto de entrada. También ofrecerá talleres dominicales de grabado, esténcil y serigrafía con cuotas accesibles y un curso de teatro en papel para infancias, del 4 al 8 de agosto.

En el Lunario del Auditorio Nacional se presenta “Jazzpeando con La Trouppe”, con el que la agrupación celebrará 45 años de trayectoria. Las funciones serán los domingos 13, 20 y 27 de julio, y 3 de agosto, como un acercamiento a las infancias a la música en vivo de una forma divertida y educativa.

El Instituto Nacional de Estudios Históricos de las Revoluciones de México (INEHRM) ofrece su curso de verano “Transformaciones en el siglo XXI,” los martes de julio y agosto a las 17:00 horas, de manera híbrida, presencial en su sede y en línea a través de sus redes sociales, para pensar el presente y el futuro del país.

Las y los artistas del Sistema Creación también tendrán actividades para diversos públicos, por ejemplo, el 9 de agosto, para conmemorar el Día internacional de los pueblos indígenas, la escritora Clyo Mendoza, de la Generación 2025-2025 de Jóvenes Creadores, impartirá la charla “Animalidad y nahualismo”, en torno a los desdoblamientos del cuerpo según la tradición oral mexicana. La charla se realiza en colaboración con la Coordinación Nacional de Literatura del INBAL. Las inscripciones serán a través del correo electrónico: programación.sacpc@cultura.gob.mx

La Dirección General de Bibliotecas invita a niñas, niños y adolescentes están invitados a los talleres del programa “Mis Vacaciones en la Biblioteca 2025”, que se llevarán a cabo del 21 de julio al 22 de agosto en las 7,476 bibliotecas públicas en la República Mexicana. Los nombres de los talleres son: “Huateque de palabras”; “Piquín de versos y sones”; “Factor sorpresa”; “Sueños de tinta y papel” y “Retratos de familia”; el propósito es formar lectores y hablantes que puedan tomar la palabra en diversas situaciones comunicativas; que vean en la biblioteca un ambiente que fomente el deseo por leer y socializar. Para más información, consulta dgb.cultura.gob.mx

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, reafirma su compromiso de garantizar el acceso a la cultura como un derecho, al ofrecer en todo el país un verano lleno de arte, creatividad y comunidad. Participa en talleres, conciertos, espectáculos y experiencias para todas las edades y disfruta de unas vacaciones diferentes, inclusivas y enriquecedoras.

Consulta la cartelera completa en mexicoescultura.com y sigue las redes sociales oficiales para más información y actualizaciones.

Juan Hernández y la vida que nunca fue inútil: el rock, el barrio y una autobiografía que arde

Cuando parece que el ruido de la industria amenaza con apagar las voces auténticas, Juan Hernández alza nuevamente la suya, no con acordes ni distorsiones, sino con palabras que arden y acarician al mismo tiempo. El 3 de julio, bajo el cobijo de la Editorial Kuteka, se lanza La vida inútil, un libro que no es simplemente una autobiografía, sino un grito desde las entrañas, una confesión con olor a sudor, calle y escenario. Una bitácora de vida escrita con la tinta de los años, las derrotas y éxitos, los sueños, las tocadas, las noches y madrugadas compartidas con guitarras y almas en llamas.

Juan Hernández, el mismo que fundó caminos con Three Souls in My Mind, que afiló la guitarra junto a Javier Bátiz y que incendió la rebeldía con Síndrome del Punk, ha sabido conquistar, no los palacios del poder, sino los corazones insurgentes que laten al ritmo del rock mexicano. Su nombre no sólo resuena como músico, sino como testigo y protagonista de una historia que muchas veces se escribió al margen, en los márgenes, en las banquetas. Y ahora, ese caudal de vivencias se transforma en literatura, en crónica emocional y testimonial, en memoria convertida en eco.

La vida inútil es todo menos lo que su título sugiere. Es una obra necesaria, vital, urgente. Es el testimonio de un hombre que convirtió la música en refugio, la guitarra en estandarte y el escenario en territorio sagrado. Desde los barrios ásperos de Ecatepec hasta los foros legendarios del país como el Teatro Metropolitan o el Lunario, Juan recorre en estas páginas el trayecto de un soñador que nunca claudicó. Nos habla de sus primeros pasos en la música, de sus días en la Escuela Superior de Música donde la academia se encontró con la calle, de sus bandas nacidas entre la amistad, la pasión y el deseo irrebatible de hacer de su arte una forma de existencia.

Pero este libro no es una lista de anécdotas. Es un acto de narrativa visceral. Es una forma de resistencia frente al olvido, frente a la indiferencia de quienes jamás supieron mirar al sur del mapa o al fondo de las almas. Es un canto de vida para quienes creen que la música puede salvarnos del abismo. Juan Hernández escribe como toca: con furia, con ternura, con cicatrices, con su alma y espíritu por delante. Cada capítulo está habitado por memorias que laten como heridas abiertas y también como himnos y lecciones de vida. Cada línea es una canción no cantada, una reflexión sobre el valor de lo cotidiano, sobre el barrio como patria, sobre el blues y el rock como plegaria.

Lo que Juan ha hecho con este libro es expandir su territorio expresivo. Si antes electrificaba corazones con solos de guitarra o descargas armónicas que nacían desde el alma, ahora lo hace con el ritmo de sus palabras. Sus relatos son pura carne, puro barrio, pura música. No busca complacer ni adornar. Es brutalmente honesto, como lo ha sido toda su carrera: desde los días de punk visceral hasta la actual etapa donde, junto a Juan Hernández y su Banda de Blues, ha hallado en el blues su idioma primigenio, su forma de respirar, de caminar, de amar.

Y es que el blues no es sólo un género para Juan: es una forma de estar en el mundo. Un acto de fe, una filosofía, una herida que se canta. Quienes lo han visto en escena lo saben: no hay trampa, no hay máscara. Sólo un hombre con una guitarra, una voz rasgada por el tiempo y una verdad que se ofrece sin filtros y con enseñanzas para quien las quiera leer de primera mano. En cada concierto, Juan no interpreta canciones, las vive. Las sufre, las goza, las entrega. Por eso este libro es también una extensión del escenario, una tocada en papel, un unplugged de su alma.

La vida inútil es, en realidad, una celebración de lo esencial. Una meditación sobre el arte como destino y como condena. Una invitación a seguir creyendo en la belleza de las pequeñas cosas, en la dignidad de los que resisten, en la fuerza de una lírica nacida en la calle y elevada por la experiencia. Es un libro para los que saben que la vida no es inútil si se canta, si se lucha, si se ama.

Con esta obra, Juan Hernández no sólo reafirma su lugar como ícono del rock mexicano, sino que se revela como un cronista lúcido de su tiempo. Un poeta eléctrico, un juglar moderno que ha sabido traducir su trayectoria en un acto de amor por la memoria, por la música y ahora por las letras. Leerlo es acompañarlo en su camino, tomar su mano de guitarrista y caminar con él por ese sendero donde el arte y la vida se confunden en una crónica urgente e indispensable.

Porque, al final, lo que Juan nos ofrece con este libro es eso: la posibilidad de mirar con otros ojos, de recordar que hay vidas que nunca fueron inútiles, sino profundamente necesarias. Y la suya, la de Juan Hernández, vibra, arde, canta, narra. Y permanecerá por siempre gracias a esta obra.

“Fuegx Orgullose”, festival de disidencias y expresiones que arden

“Fuegx Orgullose”, un festival de arte, orgullo y rebeldía que visibiliza y reconoce los derechos, aportes y luchas de las poblaciones LGBTTTIQA+ en un espacio seguro, incluyente y creativo.

• Evento multidisciplinario que celebra la diversidad a través del arte, la cultura urbana, el pensamiento crítico y la expresión comunitaria

• Actividades gratuitas que incluyen teatro, drag, conversatorios, música, prácticas deportivas y pasarelas abiertas en El Complejo Cultural Los Pinos y PARCUR

El Complejo Cultural Los Pinos y el Parque de Cultura Urbana (PARCUR), espacios de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, serán sede de “Fuegx Orgullose”, un festival de arte, orgullo y rebeldía que visibiliza y reconoce los derechos, aportes y luchas de las poblaciones LGBTTTIQA+ en un espacio seguro, incluyente y creativo.

En el marco del Día Internacional del Orgullo LGBTTTIQA+, la programación propone una combinación de actividades artísticas, performáticas y reflexivas para celebrar la diversidad sexual y las expresiones de género con una cartelera que integra la música, el deporte urbano, artes escénicas, el arte drag y el ball, dirigido a todas las edades.

En el Complejo Cultural Los Pinos se recibirá al público en Plaza Jacarandas a partir de las 12 horas con la puesta en escena TRANSCRAFT: videojuego escénico para juventudes, el cual se desarrolla dentro del mundo TRANSilvania, un lugar lleno de color y diversidad, que ha sido atacado por los boomersaurios que quieren convertirlo en un lugar de dos únicas posibilidades: el blanco y el negro.

Posteriormente, a las 13:10 horas, bajo la moderación de la periodista trans Bárbara Alvarado, se llevará a cabo el conversatorio Mujeres de ciencia y política: ¿Qué hace falta en México para tener una presidenta trans?, en el que participarán Kenya Cuevas, reconocida activista social y defensora de los derechos humanos y fundadora de Casa de las Muñecas Tiresias, y Ophelia Pastrana, destacada promotora de la cultura digital, premiada como una de las 40 Mujeres Líderes de México.

Concluirán las actividades en “La Casa de Todes” a las 14:10 horas, con la presentación del resultado del taller “BIZARRXS, Laboratorio de mvtantes y monstruos drag”, impartido por la artista trans Astra Lemm, a través del cual se invita a descubrir otras posibilidades de habitar, nombrar y vivir.

Por otro lado, en el Parque de Cultura Urbana (PARCUR), transformado en “Parqueer”, se tomarán clases de patinaje multinivel con el Colectivo Unicornix Rollers; también se podrá participar en las prácticas abiertas de vogue en el taller Libera la Cuerpa, a partir de las 10 horas en las Canchas de Skate.

A las 14:30 horas, empezará a vibrar el Bowl Techado con el DJ Set vibrante del Colectivo NACA, un ensamble que mezcla ritmos latinos, electrónica y reggaetón. A las 16:00 horas, el escenario recibirá a Luisa Almaguer, con un concierto acústico que mostrará lo más cautivador de su propuesta musical que reúne sonidos de indie rock mezclados con cumbia y synth pop. Asimismo, se presentará también Zemmoa, quien es una de las artistas más multifacéticas de la escena LGBTTTIQA+ en México, con un espectáculo que hará vibrar al público a las 16:30 horas.

Finalmente, PARQUEER Ball, organizado por Karma y Liaris Revlon, transformará el escenario en una pista de fuego en la que se caminarán las categorías Europea, Americano, Old Way y Vogue Femme, con vestuarios inspirados en la Cultura Urbana. El ball contará con la conducción de Escorpiona 007 y los beats de la reconocida DJ Bruja Prieta.

En la zona de graffiteros, se disfrutará del bazar LGBTTTIAQ+ en el que encontrarán arte gráfico, stickers, libros, alimentos y bebidas, de la mano de La Bazarita y Bazar Cuir. También gracias a la colaboración con Casa La Moira e Inspira Cambio A.C. se llevarán conversatorios en torno a la Salud Integral y los Cuidados placenteros. Cabe destacar que, en colaboración con IMSS Bienestar, se llevará a cabo una campaña de pruebas de detección de VIH.

El festival es una invitación para ser parte de un encuentro vibrante para visualizar y reconocer a las poblaciones LGBTTTIQA+, así como para fomentar su derecho a vivir dignamente y a expresarse sin ocultar ninguna parte de su personalidad.

“Fuegx Orgullose” se llevará a cabo el 22 de junio de 2025 de las 10 a las 18 horas en el Complejo Cultural Los Pinos y PARCUR. Parque de Cultura Urbana.

Sigue las redes sociales de la Secretaría de Cultura en X (@cultura_mx), Facebook (/SecretariaCulturaMX) e Instagram (@culturamx).

OMV RADIO recomienda: (vídeo) La Reforma estrena 'El Power', una canción de resistencia, tradición, identidad y revolución

La Reforma es una banda colombiana que nació hace 13 años con una visión clara: fusionar de manera innovadora el folclor colombiano con nuevos ritmos y lenguajes sonoros. Surgió como una necesidad artística y cultural, no sólo musical, de crear un puente entre lo tradicional y lo contemporáneo. El proyecto está integrado por Christian Lacouture (voz principal), Sergio Lacouture (guitarra eléctrica), Daniel Reyes (bajo), Jhonatan Lacouture (batería), Jesús Sierra (percusión) y Fabián Dada (piano y sintetizadores), músicos que, más allá del virtuosismo, entienden que la música tiene el poder de mover una generación entera.

La Reforma tiene una propuesta tanto social como folclórica. Su música busca conectar al oyente con sus raíces, recordándole que la identidad cultural no es algo del pasado, sino un poder vivo que puede transformar realidades. No es solamente entretenimiento, es expresión, memoria y resistencia. La Reforma, eleva la voz del pueblo con sonidos que despiertan orgullo, conciencia y ritmo. La Reforma es herencia y evolución. Es un proyecto que mezcla raíz y revolución con una identidad propia.

"Con nuestras canciones no venimos a predicar, venimos a incomodar, inspirar y despertar. Hablan de identidad, fe, resistencia y propósito. Hablan del dolor que se transforma en arte, del barrio que se convierte en escenario, del pueblo que se vuelve un movimiento. Cada canción tiene el corazón de una historia real: la del que lucha, del que cree, del que no se rinde. No buscan que los entiendan todos, buscan que los sientan con fuerza porque lo suyo no es adornar el mundo, es confrontarlo con belleza", cuenta la agrupación que suena a cumbia tradicional, tambor de callejón, vallenato de parranda y rebelión costeña con influencias directas de Carlos Vives, Totó la Momposina, Joe Arroyo, Lucho Bermúdez, y la potencia moderna de Rescate y Calle 13.

La Reforma estrena 'El Power', una canción que no nació para ser un hit sino para ser un estandarte. Habla del poder interior que se despierta cuando decides no adaptarte a lo superficial. Toca temas como la autenticidad, la resistencia espiritual, la conexión con la tierra y el fuego interno que todos llevamos. No es una canción motivacional, es una bomba sonora con mensaje de fondo. Es para los que siguen de pie, aunque la vida les haya querido tumbar.

En 'El Power', se siente la cumbia tradicional colombiana en su forma más pura, con un acordeón que suena como si hablara por el Caribe entero. Esa base se fusiona con un ritmo irrepetible, una cadencia que solamente La Reforma sabe hacer: una mezcla de guitarras eléctricas, tambores criollos y efectos contemporáneos que no rompen la tradición, sino que la empoderan. Es una obra de arte musical que suena a calle, a tradición y a revolución.

El video de 'El Power', es una explosión visual entre lo urbano y lo ancestral. Fue grabado entre Bogotá y locaciones emblemáticas de Cartagena como sus ruinas y su muralla colonial, en una apuesta por mostrar el contraste entre lo moderno y lo histórico. En la narrativa visual, la banda aparece como símbolo de resistencia, con imágenes que evocan lucha, identidad y calle. Al final, todos aparecen con máscaras de luchador, dejando claro que todos somos guerreros en la vida cotidiana. El director fue David Jassir de Parábola Films, quien logró capturar el mensaje con una estética poderosa y cinematográfica.

"Las expectativas que tenemos con 'El Power' son altas y estratégicas. Comercialmente, queremos posicionar a La Reforma como una banda pionera en una nueva ola de música latinoamericana con raíz y propuesta. No buscamos pegar un sencillo, buscamos construir una marca cultural. A nivel social, queremos que la canción despierte orgullo en lo local, inspirar a artistas emergentes y mover conciencias. Queremos que este sencillo se convierta en himno de quienes tienen algo que decir, pero no sabían cómo gritarlo. Es el inicio de un movimiento sonoro, visual y emocional", enfatiza.

'El Power', es el inicio de un movimiento. El proyecto completo incluirá varias canciones que explorarán temáticas sociales, espirituales y culturales con sonidos que van desde la cumbia hasta lo urbano experimental. Cada sencillo será un capítulo de una narrativa mayor. La Reforma prepara más lanzamientos, colaboraciones y piezas visuales que mantendrán vivo el concepto y expandirán el alcance del mensaje. No se trata de sacar música, se trata de construir un lenguaje nuevo.

"Es una canción perfecta para los días en los que necesitas levantarte con propósito, para cuando el mundo te quiera callar y tú decidas rugir. Es el track ideal para iniciar el día con actitud, para entrenar con convicción, para pensar en alto o simplemente recordar quién eres. Es música para cuando estás listo para dejar de sobrevivir… y empezar a vivir con poder", puntualiza la agrupación.

La portada del sencillo muestra un león con una bandera en alto, con una estética callejera y un grafiti latino. El león simboliza identidad, fuerza, resistencia. No es una imagen decorativa: es una declaración de guerra contra la apatía, el conformismo y el olvido cultural. El león no ruge por sonar fuerte, ruge para despertar. Es una invitación visual a sacar tu power, a no esconder tu fuego y a convertir tu voz en bandera.

Durante el 2025, La Reforma realizará una gira nacional con un show que no únicamente será música, sino una experiencia sensorial. La banda colombiana también prepara contenido con impacto y movimientos de comunidad. Cada escenario será una plataforma para algo más grande que un concierto: será una protesta artística, una celebración cultural y una provocación emocional.

"La Reforma representa lo que muchos sienten, pero no saben cómo expresar. En un continente que a veces olvida su poder, ellos lo recuerdan con cada verso, cada tambor y cada show. Son la voz de los que no caben en los moldes, de los que aman su cultura, pero no quieren vivir anclados al pasado. La Reforma no busca fans, busca aliados. Quien los escuche se une a un movimiento que no se vende, que no se rinde y que viene a encender una generación con el verdadero power", concluye la banda.

Sigue a La Reforma en sus redes sociales:

El arte y cultura de Tepito laten en la Galería José María Velasco

Uno de los principales objetivos de la exposición es invitar al público a que vea como tal la escena artística de Tepito, que es un barrio que tiene mucha historia. Foto: Abraham Goldsmith.

• Compuesta por 80 obras de más de 20 artistas, la exposición “Desde el corazón del barrio. Tepito raíces profundas, voces que resuenan” detona reflexiones en torno a las dinámicas barriales, la vida cotidiana de sus habitantes y los procesos de construcción de memoria e identidad
• Participan artistas y figuras icónicas del barrio como Daniel Manrique, Diego Cornejo Choperena, Lourdes Ruiz “La reina del albur”, el colectivo Tepito ArteAcá, Peña de Morelos, Luis Arévalo, Armando Ramírez, Alfonso Hernández, Julián Ceballos Casco, Arnold Zpadaz, El Chicano, Alan Carranza, Ramón Ubaldo, Adriana González, Lizzette Charlote y Silvia Hernández, entre muchos otros

La Galería José María Velasco (GJMV) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), órgano de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, inauguró “Desde el corazón del barrio. Tepito raíces profundas, voces que resuenan”, exposición que reúne el trabajo de más de veinte artistas que viven, crean o mantienen vínculos estrechos con su comunidad.

“No tiene el objetivo de explicar o sintetizar lo que es Tepito, sino que quiere abrir una conversación que se sienta como una caminata sin rumbo fijo, tal y como lo hacemos por las calles de Tepito, entre pasillos y voces, donde nos vamos encontrando talleres de oficios que siguen resistiendo y creando”, expresa la curadora de la muestra, Grecia González.

Compuesta por alrededor de 80 piezas, lleva al público por el mural, la fotografía, la pintura, la gráfica, la escultura y el arte objeto a través de tres núcleos: “El pulso de una historia viva”, “Entre oficios y talleres” y “Umbrales de reexistencia cultural”.

El primero reúne obras, documentos y memorias que narran la historia cultural de Tepito como una fuerza activa y resistente, en el que se encuentra el mural "Consecuencias del industrialismo ajeno y la posibilidad de desarrollo con sensibilidad, conocimientos y pensamiento propio", de Daniel Manrique, así como volantes y programas impresos del icónico Peña Morelos, uno de los colectivos culturales más importantes en la capital en los años setenta.

“Entre oficios y talleres” pone al centro los saberes encarnados en la vida cotidiana del barrio: oficios, prácticas gráficas, sonoras y visuales que emergen de la reparación, la creación colectiva y la reinvención del entorno, y también presenta los resultados de los oficios mismos, como los zapatos de Luis Arévalo, un organillo salido del taller de Silvia Hernández, los guantes y costales de box de El Chicano, así como los rótulos de Isaías Salgado.

Asimismo, muestra el trabajo de jóvenes tepiteños como Alan Carranza, fotógrafo y fotoperiodista que expone una serie de fotografía en torno a boxeadores locales, así como Arnold Zpadaz, un carpintero que además ejercer el oficio, lo lleva a nivel artístico al tallar en madera objetos como tenis y jerseys de baloncesto.

El tercer núcleo, “Umbrales de reexistencia cultural”, abre un espacio para imaginar otras formas de habitar y resistir desde la creación artística. Aquí, la memoria, el cuerpo, lo doméstico y lo popular se presentan como territorios simbólicos de transformación, en el que el arte y la vida son inseparables.

En esta parte del recorrido se encuentran retratos de figuras importantes en el barrio realizados por Carranza, fotografías de paisajes de Tepito hechas por Eriko Stark, el arte gráfico de Lizzette Charlote y Adriana González, así como arte objeto creado por Ariel Torres con juguetes que se venden en los tianguis.

Con dichas obras se detonan reflexiones en torno a las dinámicas barriales, la vida cotidiana de sus habitantes y los procesos de construcción de memoria e identidad, entendidos como elementos fundamentales para la cohesión social al interior de la comunidad.

Otros artistas que componen la muestra son Diego Cornejo Choperena, Lourdes Ruiz “La Reina del albur”, el colectivo Tepito ArteAcá, Armando Ramírez, Alfonso Hernández, Julián Ceballos Casco, Ramón Ubaldo, Gustavo Aguilar Mayén, Malandra, Heriberto Alcázar, Fernando Uribe “Chacalonett”, el colectivo Barrio Bravo, Guadalupe Benzoato, Belém Maytorena, Sangre y Alfonso Zárate.

La exposición tiene como propósito visibilizar las prácticas artísticas vinculadas con una comunidad históricamente estigmatizada que, gracias a la resistencia cultural de múltiples agentes, reivindica su herencia, su presente y sus posibilidades de transformación.

“Uno de los principales objetivos de la exposición es invitar al público a que vea como tal la escena artística de Tepito, que es un barrio que tiene mucha historia. Queremos que conozcan esa historia y a los personajes que la habitan, que no se queden con la idea del barrio estigmatizado y vengan a conocerlo”, invita el Director de la GJMV, Luis Miguel León Cornejo.

La Galería José María Velasco se encuentra en Peralvillo 55, colonia Morelos, alcaldía Cuauhtémoc, Ciudad de México. El horario de visita es de 10:00 a 18:00 horas, de martes a domingo, con acceso gratuito.

"Jazz & Flow": La Orquesta Nacional de Jazz de México une el rap y el Jazz en un sólo disco

Cartel Ilustrativo del próximo disco titulado "Jazz & Flow"

La escena musical mexicana se prepara para recibir uno de los lanzamientos más audaces y vanguardistas del año: “Jazz & Flow”, producido por Manuel Huizar, Serko Fu y Last Jerónimo, que se ha convertido en el nuevo álbum de la Orquesta Nacional de Jazz de México (ONJMX), mismo que verá la luz este 29 de mayo a través del prestigioso sello estadounidense Round Whirled Records.

Se trata de un proyecto que no sólo rompe esquemas, sino que establece un nuevo diálogo entre géneros que históricamente han compartido raíces de libertad, resistencia y expresión: el jazz, el rap y el hip hop.

Bajo la dirección de una nueva generación de músicos excepcionales que han elevado el jazz nacional a niveles internacionales, la Orquesta Nacional de Jazz de México (ONJMX) ha venido consolidándose como una plataforma de exploración sonora y cultural, capaz de tender puentes entre las distintas expresiones musicales contemporáneas sin perder de vista la riqueza rítmica e identitaria de México. Con “Jazz & Flow”, la orquesta no solamente reafirma ese compromiso, sino que lo expande hacia territorios insospechados, sumando a su visión la energía lírica del hip hop, la cadencia verbal del freestyle y los tintes melódicos del regional mexicano.

El álbum no es únicamente un ejercicio de fusión, sino un manifiesto artístico, donde se entrelazan las complejidades armónicas del jazz con las estructuras poéticas y callejeras del rap, logrando una alquimia sonora que sorprende tanto por su sofisticación como por su contundencia emocional que también reúne la sapiencia de sus productores Manuel Huizar, Serko Fu y Last Jerónimo.

En este proceso colaborativo, la Orquesta Nacional de Jazz de México (ONJMX) ha convocado a algunos de los más destacados improvisadores y voces del rap nacional e internacional, entre los que figuran Serko Fu, pionero del hip hop mexicano; el potente liricista Jony Beltrán, leyenda de las batallas de freestyle; la rapera dominicana radicada en España Arianna Puello, considerada una de las MCs más influyentes del ámbito hispanohablante; el afilado y versátil Skiper RMZ; el talentoso Mike Díaz; el virtuoso Juan Sant; y el polifacético Olmeca, artista chicano de enorme prestigio en la escena global.

"Jazz & Flow" pretende combinar lo clásico con lo urbano creando una fusión de sonidos agradables.

Cada uno de estos invitados imprime su sello particular a las piezas del disco, generando una conversación dinámica entre instrumentos, rimas e identidades. La improvisación —eje vital de ambos géneros— se convierte en territorio común, permitiendo que los fraseos de los MCs dialoguen de tú a tú con solos de saxofón, explosiones rítmicas de la batería, arreglos de metales y armonías envolventes del piano y el contrabajo. Es ahí donde “Jazz & Flow” se vuelve una experiencia viva, impredecible y profunda.

La Orquesta Nacional de Jazz de México demuestra, una vez más, que el jazz no es un género anclado al pasado, sino un lenguaje en evolución constante que se nutre del presente. Con este nuevo álbum, redefine los marcos tradicionales de la música improvisada, abriéndose a nuevos públicos y reivindicando el poder de la experimentación colectiva. Al mismo tiempo, subraya la cercanía histórica entre el jazz y el hip hop, dos géneros nacidos de la resistencia cultural, de la afirmación identitaria y de la libertad como práctica estética.

“Jazz & Flow” no únicamente es una producción discográfica, sino un proyecto cultural integral, que promueve el encuentro entre comunidades musicales distintas, derriba barreras generacionales y propone una nueva manera de pensar la música desde México hacia el mundo. Su publicación bajo el sello Round Whirled Records también marca un hito importante para la Orquesta Nacional de Jazz de México (ONJMX), al proyectar esta innovadora propuesta a los circuitos internacionales del jazz y la música urbana, colocándola en el radar de las audiencias más exigentes y abiertas a la experimentación.

A unos días de su lanzamiento oficial, la expectativa alrededor de “Jazz & Flow” sigue creciendo. Tanto melómanos como seguidores del rap freestyle y el jazz contemporáneo reconocen en este álbum una apuesta honesta, potente y necesaria. La Orquesta Nacional de Jazz de México (ONJMX) echa mano del virtuosismo, la pasión y el riesgo para recordarle al mundo que la música sigue siendo una herramienta poderosa para el diálogo, la creación y la transformación cultural.

Con “Jazz & Flow”, México no sólo lanza un disco: lanza una señal clara de que el arte puede y debe reinventarse constantemente, sin perder de vista sus raíces ni dejar de mirar hacia el futuro.

Más de 15 mil personas asistieron a la cuarta edición de "Guerrero en los Pinos"

Más de 15 mil personas se dieron cita para disfrutar de la diversidad cultural y artística de las ocho regiones guerrerenses que llegaron a la Residencia Oficial del Pueblo de México para participar en la cuarta edición de “Guerrero en Los Pinos”.

• Se dedicó en especial al legado de las mujeres indígenas de la región, quienes desempeñan un papel fundamental en la preservación de las tradiciones
• El público adquirió, directamente de sus productores a precios justo,  artesanías textiles, ornamentarían, utilitarias y joyería, así como productos originarios de la región

En el Complejo Cultural Los Pinos, de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, de las 10:00 horas del sábado 29 hasta las 18:00 horas del domingo 30 de marzo de 2025, más de 15 mil personas se dieron cita para disfrutar de la diversidad cultural y artística de las ocho regiones guerrerenses que llegaron a la Residencia Oficial del Pueblo de México para participar en la cuarta edición de “Guerrero en Los Pinos”, que convocó a miles de asistentes, en torno a sus artesanías, sabores, músicas y danzas.

Con un desfile inaugural que mostró el colorido y la algarabía del estado del suroeste mexicano, la fiesta arrancó con la nutrida participación de los asistentes que se unieron al recorrido y fueron parte de la danza de las Tlacololeras de Chilpancingo y de Tierra Colorada, entre otras.

El chilate –bebida tradicional a base de arroz, cacao y canela– y el pozole fueron la bebida y comida, respectivamente, más buscadas por el público, que visitó la Plaza Jacarandas, el Mercado El Solar, las Cocinas de Humo y la Plaza Cencalli.

La cuarta edición de “Guerrero en Los Pinos” se dedicó en especial al legado de las mujeres indígenas de la región, quienes desempeñan un papel fundamental en la preservación de las tradiciones.

Así, la programación cultural incluyó danzas, presentaciones de libros, poesía, música, por ejemplo con la “Banda Filarmónica de Niñas de Tlapa de Comonfort”, las danzas tradicionales de Nanas, Banda de Viento de Zitlala, y Tigras de Cualác; el Canto y Baile Tu'un Savi, por Savi Yoko (Lluvia sagrada); la presentación de "Los Arrieros del Son", de Hueycantengo; el Baile tradicional Amuzgo, por el Club Cultural de Danza “Cachi We Xquen”, de Xochistlahuaca, y la presencia de la compositora Kopani Rojas, quien cerró las programación musical.

También, se presentaron los libros: Cuentos del Tío Conejo y el Tío Coyote, a cargo de Yadira Máximo, y Una luz en la montaña, producción de velas e identidad cultural entre los nahuas de Guerrero, por Rosalba Díaz Vázquez. Asimismo, se proyectó el documental Flores de la Llanura; se tuvo la exposición fotográfica "Intekuane Yaotecatl", de Griss Romero, así como la realización de talleres y diálogos como el conversatorio "El telar de cintura de Xochistlahuaca", con la Cooperativa Flores de la Llanura.

Además, el público adquirió, directamente de sus productores a precios justos y sin regateo, artesanías textiles, ornamentarías, utilitarias y joyería, y productos originarios de la región, como miel, mezcal, dulces, coco, pan, aguardiente, mango, jamaica, café, chocolate y más.

Las y los expositores compartieron su alegría con el público, pues, de manera improvisada en distintos momentos, en El Solar bailaban y cantaban, lo que alegró a las y los presentes, mientras hacían sus compras.

“Guerrero en Los Pinos” es la primera entidad que en 2025 visita el Complejo Cultural como parte de la iniciativa “Los Estados en Los Pinos”, que da acceso a la Residencia Oficial del Pueblo de México a una muestra representativa de las culturas de nuestro país y que en 2025 la curaduría se dedica al Año de la Mujer Indígena.

Con un incremento de 11 mil personas, con relación al año pasado, “Guerrero en Los Pinos” recibió a más de 15 mil asistentes, quienes se dejaron cautivar por todas las actividades y reconocieron las particularidades de la comida, la danza, los textiles y sabiduría ancestral con la que cuenta el estado.

Sergio Sánchez Santamaría charlará sobre la incorporación de las redes sociales en la promoción del arte

* Participará en el conversatorio “Redes Sociales, buriles y tinta” junto con el caricaturista, pintor y escritor Rafael Barajas “El Fisgón” y el curador Fernando Gálvez

* El sábado 25 de enero a las 13:00 horas en el Museo Nacional de la Estampa

En el marco de la exposición “Sergio Sánchez Santamaría. El Nahual gráfico”, en el Museo Nacional de la Estampa (MUNAE), del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), se llevará a cabo el conversatorio “Redes Sociales, buriles y tinta” el sábado 25 de enero a las 13:00 horas con la participación del artista visual Sergio Sánchez Santamaría, del caricaturista, pintor y escritor Rafael Barajas “El Fisgón” y del curador Fernando Gálvez.

En esta charla, se hablará acerca de los antecedentes históricos de la obra del autor, que serán ligados a los estudios que Rafael Barajas “El Fisgón” ha realizado sobre el grabado de los siglos XIX y XX.

Sergio Sánchez Santamaría explicó que la plática versará también sobre lo que ha hecho en los últimos tres años, que es tratar de entrar al mundo del internet: “Yo soy un autor muy clásico porque me gusta todo en papel, las tintas, las prensas de grabado; sin embargo, para dar a conocer mi obra se ha abierto una gran ventana, que son las redes sociales”.

Actualmente, el maestro Santamaría cuenta con 37.4 mil seguidores en Instagram como @grabador1976. Señaló que se encuentra con el fenómeno de que “los jóvenes manejan muy bien las redes, pero veo que compañeros o colegas de mi generación, muchos de ellos ni siquiera tienen más de mil seguidores; entonces, tengo que adaptarme a los nuevos tiempos con las nuevas maneras de comunicación”.

Comentó que uno de sus invitados en la charla es Fernando Gálvez: un erudito en la gráfica contemporánea, quien hablará de su experiencia dentro de la curaduría. Asimismo, reforzará la idea que Santamaría tiene sobre el manejo de las redes sociales en el arte.

Comentó que Rafael Barajas “El Fisgón” “es toda una institución y conocedor de la gráfica de los siglos XIX, XX y XXI, quien también maneja los cartones en físico dentro del periódico; sin embargo, tuvo que migrar hacia la forma virtual”, acotó el grabador.

Agregó que las personas que asistan podrán escuchar los argumentos de cada uno de ellos sobre su experiencia con la gráfica y hacerles preguntas para aclarar algunas inquietudes: “Yo no ocupo el iPad, a diferencia de otros diseñadores e ilustradores que sí lo usan, porque se me hace complicado el manejo de estas herramientas. Lo que hago son historias tanto en Tik Tok e Instagram con mis dibujos y con la cámara rápida realizo videos introduciendo mis dibujos y explicando la técnica”.

El curador Fernando Gálvez también hablará sobre los aportes de Sergio Sánchez Santamaría en la historia de la gráfica en México, dentro del Taller de Gráfica Popular, de corte nacionalista y social, y en la gráfica contemporánea; asimismo, de la inserción de Santamaría en el lenguaje de tradiciones que vienen desde José Guadalupe Posada, pero enriquecida con su mirada hacia el grabado europeo y la incorporación de tradiciones gráficas actuales como el tatuaje, las iconografías del mundo del rock, las serigrafías de las camisetas, los carteles y el diseño gráfico de libros y pósteres.

Cabe señalar que se realizará una visita guiada por la exposición “Sergio Sánchez Santamaría. El Nahual gráfico” el miércoles 29 de enero a las 18:30 horas, en el marco de la primera Noche de Museos de 2025. Al concluir el recorrido con el artista y el curador Fernando Gálvez, el público podrá participar en la actividad “Tinta sobre la piel”, en la que Sergio Sánchez Santamaría colocará algunos de los sellos corporales que él mismo grabó en linóleo, con una tinta que no es tóxica y se remueve con agua y jabón.

El Museo Nacional de la Estampa se ubica en avenida Hidalgo 39, Plaza de la Santa Veracruz, Centro Histórico de la CDMX.

La familia Sosteno, cuatro generaciones que cuidan y preservan el árbol de la vida

La pieza "El rebelde", con autoría de Israel Soteno, es parte de la colección que se expone de manera permanente en una de las salas del segundo piso del Museo Nacional de Antropología: “Grandeza y diversidad cultural de México”

Metepec, Estado de México, es referente en la producción de una colorida y particular artesanía: el Árbol de la vida, fabricado con barro, modelado y pastillaje policromado a mano; de la forma tradicional, representa la escena bíblica de la creación, y, con el paso del tiempo, ha incorporado otras temáticas. Su fabricación suele realizarse en talleres familiares: muestra de ello es el trabajo de la familia Soteno, que lleva cuatro generaciones de cuidar, preservar y difundir este arte.

En entrevista, el Artesano Israel Soteno Ambrosio comenta que su abuela, Modesta Fernández Mata, empezó a trabajar el barro desde muy niña, alrededor de 1940, especializándose en la creación de dichas piezas; fue la primera de la familia en ser reconocida localmente por su trabajo.

Transmitió sus conocimientos, técnica y práctica a sus hijos, entre los que se encontraba Tiburcio Soteno Fernández, padre de Israel, quien siguió la tradición y ahora es quien comparte el bagaje a sus hijos: así, se juntan cuatro generaciones.

Elaboran sus piezas (reconocidas en todo el mundo por el cuidado al detalle) con barro rojo, típico de Metepec: “Lo pulverizamos, mezclamos con agua y con una planta que se llama la flor del tule (aquí le llamamos plumilla): ayuda a dar consistencia a las piezas y da mucho cuerpo al barro. Lo juntamos con agua y hacemos una masa moldeable que se puede manejar con facilidad”, explica Soteno.

Tradición familiar con un toque personal

En sus obras, la familia Soteno Ambrosio aborda, además de temas de interés personal, otros populares, por lo que entre sus creaciones están árboles dedicados al mito de la creación, el arca de Noé o el Día de Muertos; incluso, realizaron uno denominado El canto, el cual representa la región de Lancaster, Inglaterra; está también el Encuentro de dos mundos, que se exhibe en el Museo Británico, o bien otro que lleva por nombre El sueño del Quijote.

“Mi papá —agrega— hizo árboles de diferentes temas: por ejemplo, de la Independencia de México y la Revolución Mexicana, así como una vez fabricó uno dedicado a La divina comedia”.

El artesano comenta que si bien en sus obras preservan la tradición de alfarería familiar, busca que tengan un toque personal. Por ello, el trabajo en barro es el resultado del diálogo con su entorno, la memoria de un suceso, o bien, la respuesta a un diálogo interno.

Israel Soteno realizó estudios profesionales de Artes plásticas en la Universidad Autónoma del Estado de México, aunque no concluyó la carrera ya que a los 20 años se dedicó de tiempo completo a la elaboración de su obra con el respaldo de su padre, sus amigos, compañeros y maestros en el terreno artístico.

En el taller de su padre, desde niño, aprendió la técnica del amasado del barro, pues le encargaba detalles para adornar los árboles que hacían sus mayores, por lo que elaboraba soles, lunas y ángeles: piezas muy comerciales. Luego, empezó con sus propios árboles y a los 12 años ganó el primer lugar en el Concurso de alfarería Modesta Fernández, en Metepec.

Ha participado en exposiciones como “Nacimientos mexicanos” (2022), en el Museo del Carmen; en “Arte/Sano entre artistas 7.0” (2023), en el Museo de Arte Popular; y en “Esto somos. Arte mexicano vivo” (2024), entre otras. Cabe destacar que "El rebelde, pieza" de su autoría, es parte de la colección que se expone de manera permanente en una de las salas del segundo piso del Museo Nacional de Antropología: “Grandeza y diversidad cultural de México”.

Conoce más de la obra de Israel Soteno en Facebook: Israel del barro Soteno, e Instagram: Israel Soteno.