El Festival Time Warp llega por primera vez a México

• 20 y 21 de noviembre – Expo Santa Fe

• Alarico B2B Ben Klock, Andy Martin, Anfisa Letyago, Beltran, The Blessed Madonna, Chlär B2B Dax J, Clara Cuvé B2B SPFDJ, Cristobal Pesce, David Löhlein B2B La Bad Curly, Desiree, DJ Stingray 313 B2B Helena Hauff, DJ Tennis B2B Seth Troxler, DVS1, Ede, Franky Rizardo, Indira Paganotto, Maceo Plex, Novah, Ogazón, Paramida, Reinier Zonneveld Live, Sven Väth, Zombies in Miami Live

• Preventa BANAMEX: 14 de julio, 11:00 a.m.

La espera terminó. Time Warp, el festival que ha marcado el pulso de la música electrónica global durante más de tres décadas, aterriza por primera vez en México, escribiendo un nuevo capítulo en la historia de la cultura techno internacional. Nacido en Alemania en 1994, Time Warp no es sólo un festival: es una experiencia sensorial, un ritual colectivo y un punto de encuentro para miles de amantes de la música electrónica provenientes de todo el mundo. Hoy, ese legado cruza fronteras y llega a suelo mexicano, listo para transformar la noche en algo eterno.

Reconocido mundialmente por su extraordinaria producción, Time Warp ofrece maratones musicales, múltiples escenarios con identidades únicas y un despliegue de luces, visuales y sonido de última generación que envuelven al público desde el primer beat hasta el amanecer.

El espíritu de Time Warp vive en el techno, pero su propuesta musical va mucho más allá. La escena electrónica contemporánea reúne a una amplia gama de artistas con identidades muy marcadas, desde el groove accesible de Beltran y Franky Rizardo en el tech house, hasta la sofisticación melódica y emocional de figuras como Maceo Plex, DJ Tennis o Anfisa Letyago. En el terreno más crudo, nombres como Dax J, Ben Klock y DVS1 dominan con propuestas intensas, técnicas y profundamente arraigadas en la cultura club.

Esta edición presentará encuentros especiales en formato back to back que prometen momentos irrepetibles en la pista, incluyendo a Alarico B2B Ben Klock, Chlär B2B Dax J y DJ Stingray 313 B2B Helena Hauff, combinaciones que reúnen algunas de las visiones más influyentes y vanguardistas del techno contemporáneo. Nuevos exponentes como Ogazón, Novah y David Löhlein aportan una visión fresca del techno hipnótico y de alta precisión. Por otro lado, artistas como Indira Paganotto y Clara Cuvé elevan la energía con fusiones que incluyen psy-techno, hard dance y breaks, generando experiencias explosivas en vivo.

En paralelo, propuestas más eclécticas y orgánicas como las de Paramida, Seth Troxler, The Blessed Madonna y Desiree destacan por su capacidad de mezclar géneros como house, disco, afro y sonidos retro, con gran sensibilidad curatorial, mientras que proyectos como Zombies in Miami incorporan una estética retrofuturista única. El festival tiene más colaboraciones atractivas, entre ellas DJ Tennis B2B Seth Troxler, una dupla reconocida por su imprevisibilidad y carisma detrás de las tornamesas; Clara Cuvé B2B SPFDJ, que promete una descarga de energía de alto voltaje; y David Löhlein B2B La Bad Curly, encuentro que conecta distintas generaciones y perspectivas de la escena electrónica.

DJs como Andy Martin y otros protagonistas del cartel aportan versatilidad con sets dinámicos y emocionales que conectan con distintas audiencias. En conjunto, todos estos artistas comparten una fuerte presencia escénica, consolidándose como protagonistas de las pistas alrededor del mundo.

Time Warp es sinónimo de excelencia artística. A lo largo de su historia ha sido hogar de auténticos iconos de la música electrónica, así como plataforma clave para las nuevas generaciones que están redefiniendo la escena. El público puede esperar sets legendarios, presentaciones extendidas y colaboraciones exclusivas, creadas especialmente para la experiencia de este festival.

Time Warp en México

La llegada de Time Warp a nuestro país representa un momento histórico para la escena electrónica nacional. Por primera vez, el público mexicano podrá vivir de manera directa uno de los festivales más influyentes del planeta, colocando al país en el radar principal del circuito internacional del techno. Esta edición no sólo celebra a una comunidad vibrante, apasionada y lista para bailar sin límites, sino que también abraza la filosofía que ha definido a Time Warp durante décadas: The Truth Is on the Dancefloor.

Después de conquistar ciudades como Mannheim, Nueva York, Miami, São Paulo y Madrid, Time Warp llega por primera vez a México para ofrecer una experiencia que promete quedarse grabada en la memoria colectiva.

Aprovecha la Preventa BANAMEX el 14 de julio a través de Ticketmaster o la Venta General, que se llevará a cabo un día después, el 15 de julio.

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Más allá del sonido: Malcriada trae el caos del punk digital al Pabellón Oeste

• Impacto Generacional: Fenómeno viral con una audiencia conjunta de más de 2 millones de seguidores, dominando plataformas clave como TikTok e Instagram

• Identidad Única: Pioneros del punk digital, fusionando géneros como darkwave, techno y witch house bajo una estética dreamcore y weirdcore

• Vanguardia Sonora: Sus tracks “MOMENTO”, “A A A A” y “KEROSENO” se han posicionado como desafíos auditivos que rompen con los esquemas del pop convencional.

21 de noviembre –  Pabellón Oeste

Preventa Banamex: 15 de abril, 11:00 a.m.

Prepárate para una verdadera inmersión en lo desconocido. El próximo 21 de noviembre, el Pabellón Oeste se convertirá en el epicentro de una experiencia musical y onírica sin precedentes con la llegada de Malcriada.

El proyecto de punk digital y electro-pop experimental, formado en la Ciudad de México por Mathilde Sobrino y Pepe Pecas, finalmente aterriza con un show en solitario que promete materializar su universo surrealista. Su sonido, una mezcla ecléctica que navega entre el darkwave y el techno, se complementa con una estética visual profundamente influenciada por las tendencias de internet como el dreamcore, ofreciendo una propuesta que es, ante todo, una ruptura con la realidad.

El lenguaje de una nueva era: Métricas y dominio digital

El éxito de Malcriada no es casualidad, es el reflejo de un proyecto que habla directamente el idioma de las nuevas generaciones. Según cifras de Chartmetric, el dúo cuenta con una audiencia masiva de más de 2 millones de suscriptores, concentrando su mayor fuerza en TikTok, plataforma donde su estética disruptiva ha encontrado un eco importante. Este crecimiento orgánico en redes sociales, seguido por una sólida presencia en Instagram y YouTube, demuestra que Malcriada ha logrado descifrar el algoritmo de la relevancia cultural, convirtiéndose en una de las propuestas más frescas y necesarias para un público que busca autenticidad y riesgo en el panorama musical actual.

Laberintos sonoros y desafíos auditivos: El manifiesto musical de Malcriada

Las composiciones de Malcriada son mucho más que simples canciones; son artefactos de diseño sonoro que operan bajo una lógica de experimentación absoluta. Temas como “MOMENTO”, “A A A A” y “KEROSENO” se presentan como verdaderos retos para el oído, donde la colisión de texturas del darkwave, ritmos industriales y una sensibilidad pop distorsionada, crean una experiencia que no es común de descifrar a la primera escucha. Esta mezcla audaz de corrientes musicales convierte cada track en un viaje sensorial que se siente tan fascinante como perturbador, logrando que el proyecto de Mathilde Sobrino y Pepe Pecas se posicione como una propuesta atractiva, arriesgada y, sobre todo, profundamente disruptiva para el panorama musical contemporáneo.

La cita de este 21 de noviembre en el Pabellón Oeste, es una invitación a descifrar los elementos musicales de temas como “KEROSENO” en un entorno diseñado para el trance y la euforia. No te pierdas la oportunidad de formar parte de este viaje sonoro que está redefiniendo los límites del pop y la electrónica.

Los boletos estarán en preventa Banamex el 15 de abril y un día después los podrás adquirir en las taquillas del inmueble o a través de www.ticketmaster.com.mx.

Visita las redes de Malcriada:

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Yimark ft. Mark Darkjewel presenta ‘Letanías Elektra Bomb (Remix)’: la búsqueda del ser continúa a través de la electrónica

En ‘Letanías Elektra Bomb (Remix)’, Yimark traslada la fuerza del power metal a un territorio electrónico, ampliando el universo conceptual de ‘Letanías’.

Dos meses después del lanzamiento de ‘Letanías’ en RPM Records, evento en el que Yimark, junto a su hijo, el DJ y productor Mark Darkjewel, presentó remixes electrónicos de algunas de sus canciones, la artista colombiana publica de manera oficial el EP ‘Letanías Elektra Bomb’, un trabajo que reinterpreta cinco de sus composiciones desde el lenguaje del Electronic Dance Music. La colaboración entre ambas generaciones articula dos miradas que convergen en un mismo propósito: ampliar los límites entre distintas expresiones musicales.

Fiel a su interés por explorar nuevas posibilidades sonoras, el EP combina la voz de registro mezzosooprano de Yimark con estructuras electrónicas propias del EDM, manteniendo el carácter conceptual que ha definido su trayectoria dentro del power metal.

 https://open.spotify.com/intl-es/album/5WRUvSUdlIemrhtYaU8VUM?si=FQxvq5i3S3C0P5Axuq1txw

Las canciones ‘Donde estés’, ‘Mortal Figura’, ‘Karma’, ‘Katarsis de Luna’ y ‘Sedienta en el vacío’ adquieren en ‘Letanías Elektra Bomb’ un nuevo tratamiento sonoro, adaptándose a otra lógica musical sin perder la esencia con la que fueron concebidas.

https://open.spotify.com/intl-es/track/5F6a9QC920LE4O5TQgANPj?si=4035258232a54a11

«La voz y fuerza del power metal, unen su energía con los beats oscuros para dar, de esta manera, una nueva vida a una cinta que cruza dimensiones», señala Yimark.

https://open.spotify.com/intl-es/track/6vEyNKXQ5t81DNeITvC2YA?si=79f376cb22494672

Para la artista, la música ha sido siempre un ritual que trasciende lo físico y se aproxima a lo espiritual. A lo largo de una carrera que supera las dos décadas, sus composiciones han estado marcadas por la construcción de un universo en el que armonías, letras, fotografía, piezas audiovisuales y puesta en escena dialogan entre sí. ‘Letanías Elektra Bomb’ retoma esta premisa y la expande hacia otros territorios creativos.

https://open.spotify.com/intl-es/track/1daHApXpVgii6kA3vbfJ6K?si=9fa1fa1d34fd40b3

«Mi intención no es reemplazar la esencia del álbum, sino revelar otro de los caminos posibles dentro del universo que he construido», agrega la artista, considerada pionera del power metal en Colombia.

https://open.spotify.com/intl-es/track/2Wv9dw5sr8zuwgdYaApRGF?si=ea77edb3b43c456e

La producción con la que Yimark inicia 2026 es el resultado de un trabajo prolongado junto a Mark Darkjewel, enfocado en lograr que la adaptación al lenguaje electrónico se integrara de forma natural y respetuosa con las composiciones originales. El EP reafirma la vocación experimental que ha sostenido la carrera de la artista.

https://open.spotify.com/intl-es/track/2eOVSmnoIzjk1x0IeqA4Ae?si=59f5ad188f0b4566

Explora el universo musical de Yimark:

YouTube: https://www.youtube.com/@YIMARK 

Spotify: https://open.spotify.com/intl-es/artist/6LQ5QliYuPPz2j9NYmD4Ju 

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Mark Darkjewel | Redes sociales

                                                    

La parranda del año será en Bogotá con "Los Hermanos Aicardi"

El Teatro Cassia en Bogotá recibe 'La Parranda del Año con Los Hermanos Aicardi' el próximo 19 de diciembre a las 7:00 pm.

La noche llega cargada de canciones que se han convertido en verdaderos himnos de los diciembres latinoamericanos como 'Adonay', 'Daniela' y 'Cariñito'. También podrás cantar y bailar nuevos éxitos como 'El Acongojao' y "Sigo Esperando".

Los Hermanos Aicardi encienden la fiesta con su energía arrolladora, su estilo inconfundible y ese sabor tropical que pone a bailar a todos. Desde el primer acorde hasta el último aplauso, cada momento es pura alegría, buena música y diversión sin límites.

Herederos del legado musical  de su padre, el legendario Rodolfo Aicardi, estos hermanos mantienen viva la esencia de la música tropical adaptándola al lenguaje de las nuevas generaciones y garantizando una fiesta intergeneracional.

Disfruta de un show lleno de luces, emoción y grandes éxitos. 

Los Hermanos Aicardi continúan un legado musical y cultural que representa las vivencias de los colombianos y enaltece la cultura popular: desde la alegría expresada a través de la cumbia, hasta los sentimientos más poéticos narrados en baladas y boleros.

¡La rumba no se detiene cuando Los Aicardi están en el escenario!

Abriendo la noche llegan la cantautora Lyanna Cadil y la agrupación La Vuelta. ¿Qué esperas para comprar tus entradas en www.boletomovil.com

Lyanna Cadil es una artista colombiana que fusiona pop alternativo, R&B con toques nostálgicos de soul y electrónica.

La cantautora transforma las emociones en canciones, con letras que sanan, empoderan y cuentan verdades intimas.

Desde pequeña supo que la música era su lenguaje natural. Hoy, su voz dulce pero poderosa narra historias de amor, despedidas y experiencias de vida. Cada canción es un pedazo de su proceso: una búsqueda constante de libertad, arte y conexión real.

Con La Vuelta los límites fronterizos se desdibujan, pues disfrutar de un alegre porro cordobés interpretado a zampoña y quena, demostrando la simpatía de los ritmos colombianos con instrumentos folclóricos del sur del continente, y la asimilación de melodías conocidas con nuevos colores y efectos. 

La agrupación entrega a su público un conjunto de nuevos sabores, una producción romántica, efusiva, festiva y tremendamente sonora, acompasando los patrones rítmicos regionales que le dan identidad a la música de este lado del mundo.

Los Hermanos Aicardi se encuentran promocionando su más reciente sencillo que mezcla el sabor tropical de siempre con una historia de hoy.

"Sigo Esperando" es alegría, despecho y tradición en una sola canción, ideal para las fiestas de fin de año y esas noches donde el corazón todavía anda “en línea”.

Con su característico estilo alegre y festivo, los hermanos transforman ese “me dejó en visto” en una melodía para cantar, bailar y hasta reírse del desamor. 

"Sigo esperando" le pone ritmo tropical al 'ghosting': "No voy a llamar, ni voy a textear, te voy a olvidar..."

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La Parranda del año es una producción de HRP Producciones yTeatro Cassia.

Plastilina Mosh regresará a la CDMX con un show irrepetible en La Maraka: Una noche para desafiar el tiempo y los géneros

 

*Se presentarán en el Centro de Espectáculos La Maraka el jueves 18 de septiembre de 2025 a partir de las ocho de la noche
*Los boletos ya se encuentran disponibles en el sistema Boletomóvil y en taquillas del inmueble

Hay noches que no se repiten, latidos que suenan como bajos eléctricos, pulsos que rebotan en la memoria colectiva como samples rescatados de una época que, aunque parezca lejana, sigue latiendo fuerte en el presente. Y una de esas noches se avecina con fuerza en la Ciudad de México (CDMX), cuando Plastilina Mosh, ese dúo insigne de la irreverencia sonora regia, llegue al Centro de Espectáculos La Maraka el jueves 18 de septiembre de 2025, con un concierto que promete ser tanto una celebración como una invocación al futuro. Las puertas se abrirán a las ocho de la noche, y los boletos ya se encuentran disponibles en el sistema Boletomóvil, donde las emociones también se reservan con anticipación.

En tiempos donde el algoritmo decide lo que escuchamos, Plastilina Mosh regresa como una anomalía necesaria. Un grito en medio del feed. Jonás González y Alejandro Rosso, alquimistas del beat desde finales de los noventa, regresan no para repetir fórmulas, sino para romperlas. Su música, antes definida por la fusión desprejuiciada de funk, electrónica, hip hop, lounge y rock, ha mutado hacia terrenos más contemplativos y políticos, sin dejar de ser ese caos elegante que los convirtió en referentes internacionales. En este 2025 que también es año de rupturas y reinvenciones, el dúo presenta dos sencillos nuevos: “Ilegal” y “Conquistador”, himnos de una nueva era que no olvida de dónde viene.

“Ilegal”, con sus tintes sombríos y su crítica al control de masas, es un manifiesto moderno que nació en el 2011, pero fue lanzado en mayo pasado. La colaboración con Al Jourgensen de Ministry lo dota de una contundencia industrial que corta como lámina afilada. Su estética visual —distópica, Orwelliana, incómoda— complementa un discurso donde la propaganda y la manipulación son los antagonistas de una melodía que se niega a obedecer. En contraste, “Conquistador”, lanzada en junio, es un viaje más íntimo, un susurro que apunta a la épica interior. Una canción de exploración emocional, pausada y sofisticada, que demuestra la madurez de una banda que ya no necesita gritar para ser escuchada.

Este regreso —más bien, esta reinvención— no sólo vive en los estudios de grabación, sino que cobra vida en el escenario, ese territorio donde la nostalgia se mezcla con la innovación. Y no hay mejor altar para este ritual sonoro que La Maraka, un recinto emblemático de la capital que ha acogido las más diversas expresiones musicales. El jueves 18 de septiembre será, así, una fecha para marcar en el corazón. Una velada en la que lo clásico y lo nuevo se fundirán sin pedir permiso, como siempre lo ha hecho Plastilina Mosh.

Los boletos están ya disponibles en el sistema Boletomóvil, una plataforma que no solamente da acceso al evento, sino que abre la puerta a una experiencia sensorial que va más allá del concierto. Porque lo que se vivirá esa noche será una declaración: de independencia sonora, de irreverencia poética, de evolución sin concesiones.

La trascendencia de este evento también se explica por la visión de EnLive Production, promotora que se ha convertido en una fuerza transformadora en el panorama musical mexicano. Su apuesta por espectáculos que no nada más entretienen, sino que provocan, despiertan y emocionan, ha sido clave para mantener viva la llama del arte con sentido. EnLive no programa fechas: crea encuentros irrepetibles, y el de Plastilina Mosh en La Maraka será uno de ellos. Apostar por este tipo de propuestas, donde la música se piensa y se siente con igual intensidad, es una forma de resistencia cultural que merece celebrarse.

Con una carrera que inició en 1997 con el mítico álbum Aquamosh, Plastilina Mosh ha sido siempre una anomalía luminosa dentro del rock mexicano. Desde los hits como “Mr. P. Mosh”, “Afroman”, “Pervert Pop Song” o “Peligroso Pop”, hasta sus exploraciones más oscuras y electrónicas, han sabido escapar a toda clasificación. Su eclecticismo no ha sido pose, sino esencia; su humor, una trinchera; su elegancia sonora, una forma de subversión.

Hoy, más de 25 años después, lejos de vivir del pasado, regresan con nuevas preguntas, nuevas texturas, nuevas intenciones. Su música sigue siendo un espejo deformante de la realidad, una pista de baile donde conviven la ironía y la melancolía, la crítica social y el hedonismo, el gozo y la furia.

El jueves 18 de septiembre en La Maraka, esa dualidad volverá a desplegarse con todo su poder. El escenario será una pista de aterrizaje para beats recién nacidos y un santuario para los himnos que marcaron a generaciones. Quienes acudan lo harán no únicamente para ver a Plastilina Mosh, sino para recordar que el arte sigue siendo una forma de resistencia, que el ruido también puede ser bello, y que la música, cuando se hace con verdad, nunca envejece.

Los boletos están ya disponibles en Boletomóvil y no deberían esperar. Porque este no es un show más: es una oportunidad única de ver renacer, frente a nuestros ojos, a una de las bandas más inteligentes, audaces y queridas del país. Monterrey se cruza con la Ciudad de México en una noche donde el futuro y el pasado chocarán en una explosión de sonidos inconfundibles.

Y al final del concierto, cuando las luces se apaguen y los cuerpos sigan temblando con los ecos de las canciones, quedará la certeza de haber sido parte de algo grande. Porque así es Plastilina Mosh: inclasificable, indispensable, inolvidable.

Amor, rabia y resistencia: ‘Our Love’, la nueva declaración sonora de Lea Shico y Rosk

En medio del estruendo del mundo, entre discursos de odio, retrocesos legales y cuerpos que aún son vistos como disidencias, estalla una canción que no pide permiso: Our Love, el nuevo sencillo de la artista colombiana Lea Shico junto a Rosk, se alza como un himno irrefutable al amor libre. No hay medias tintas, ni metáforas tímidas: esta composición es grito, abrazo, caricia, furia. Es la música que brota cuando el amor y la rabia se dan la mano para responderle a un mundo que insiste en negar la ternura de lo diverso. Es la canción que se canta con los dientes apretados y el corazón abierto.

Our Love es la unión creativa de dos almas que comparten no sólo el escenario, sino la vida. Lea Shico, con su explosiva fusión de queer pop, electrónica y ritmos latinos, y Rosk, el proyecto de rock electrónico y pop oblicuo comandado por Rosan Sashida —una de las voces más punzantes de la escena alternativa en la Ciudad de México— confluyen en esta pieza que nació del dolor y la esperanza. La letra no esquiva el fuego. Por el contrario, se zambulle en él: “Our love will outrun your dumb, glum hate speech” no es nada más una frase, es un puñetazo lírico contra la violencia que aún se ejerce sobre los cuerpos y afectos que se salen de la norma.

Esta canción emerge de un contexto global cada vez más hostil para las diversidades sexuales y de género. La censura de identidades trans en escuelas, la criminalización de discursos de género, la violencia cotidiana que se despliega en calles, plazas, redes y recintos oficiales, son el telón de fondo de una pieza que no se rinde al miedo. Lo que Lea Shico y Rosk hacen con Our Love no es solamente arte: es resistencia. Es la forma en que el dolor se transforma en baile, en estrofa, en beat.

Musicalmente, el tema es una mezcla audaz de queer pop con atmósferas de indie electrónico y el filo de la actitud punk. En su producción confluyen las manos de ambas artistas junto al reconocido productor español Pachi García Alis, quien da cuerpo final a este grito sonoro, destinado a retumbar en marchas, pistas de baile, recámaras y memorias.

La historia detrás de esta colaboración también está tejida con hilos de amor. Lea y Rosk, pareja en la vida real, soñaban desde hace tiempo con fundir sus voces y visiones en una sola canción. La chispa se encendió frente a más de 700 mil personas, durante la Marcha del Orgullo LGBTTTIQA+ de Guadalajara en 2024. Ahí, en medio del clamor colectivo por la igualdad, comprendieron que era el momento. El resultado es este canto, esta bandera, esta promesa: el amor seguirá ganando, aunque quieran borrarlo.

Our Love es apenas el comienzo de un verano cargado de presentaciones en vivo, donde ambas artistas recorrerán escenarios de todo México, llevando consigo un mensaje de comunidad, deseo, y resistencia afectiva. Y mientras haya odio, habrá canciones como esta: luminosas, valientes, necesarias. 

Porque el amor libre no se pide, se vive. Y hoy, se canta.

San Juan Project lanza "La Tapatía" un homenaje sonoro a Guadalajara

* El grupo realiza un homenaje a su ciudad natal a través de una de sus canciones emblemáticas

* Original de Julio y Andres (El Personal), la canción es resignificada en un contexto diverso y contemporáneo

* La canción estará disponible este 8 de noviembre en plataformas digitales

El 8 de noviembre, San Juan Project, el innovador ensamble de jazz, electrónica y hip-hop, estrena “La Tapatía”, una reinterpretación del clásico de El Personal, que rinde homenaje tanto a Guadalajara como a su música. Manteniendo el icónico intro de la versión original, este nuevo lanzamiento abandona los ritmos de reggae, funk y rock para moverse a un contexto sonoro más contemporáneo, propio del estilo único del grupo.

La canción fue compuesta originalmente por Julio y Andrés Haro, quienes transformaron sus vivencias y aventuras de conquista en la conservadora ciudad de Guadalajara en un retrato sonoro de la vida tapatía. Con versos como "La conocí en la central / Comprando un bírote descomunal. Por la calzada yo me fui / Siguiendo sus pasos me perdí…", el vocalista y letrista de El Personal elaboró un recorrido que abarca lugares, comida, tradiciones y el estilo de vida tapatío. Tres décadas después, San Juan Project resignifica esta historia en un mundo que ha cambiado profundamente y que ahora abraza la diversidad, adaptando la frase "vimos bicis vimos motos y en la calle muchos jotos" por "muchos mochos". Con nuevas capas de jazz y hip-hop, la banda reinterpreta el tema en una evocación que es, a la vez, nostálgica y moderna.

Fundado en Guadalajara en 2007, San Juan Project ha dejado huella en la escena musical de México y más allá, llevando su fusión de jazz libre, electrónica y hip-hop a festivales como Glastonbury y SXSW. Liderado por Arturo Lamadrid, el proyecto sigue reinventándose mientras conecta con la identidad y los sonidos de Guadalajara.

Este año ha sido especialmente importante para la agrupación. En febrero, San Juan Project fue galardonado en los Premios Minerva de Cultura Jalisco por su tema “Another Jazzy Track from Downtown”. En mayo, cautivaron al público del Festival GNP en CDMX compartiendo escenario con The Jacksons, UB40 y Buena Vista All Stars. En octubre, lanzaron el sencillo “Same Old Same Thing”, explorando sonidos frescos para cerrar el año con fuerza.

Acerca de San Juan Project:

San Juan Project es el proyecto de Arturo Lamadrid, Músico, Multiinstrumentista, Productor y Dj mexicano nacido en Hermosillo, Sonora y radicado en Guadalajara, Jalisco. El proyecto es la respuesta a una necesidad: el poder escuchar en Guadalajara, Jalisco la misma música en vivo que sucedía en otros clubs del mundo. Con esa idea en mente, Arturo empezó a experimentar y mezclar en una computadora trozos de temas clásicos del Jazz, ritmos de Funk, House y acapellas creando la base perfecta para que diferentes amigos y músicos se reúnen a improvisar toda la noche en una bodega a 2 cuadras del famoso mercado San Juan De Dios. Estas improvisaciones pasaron a los bares de jazz locales y a grabar su primer disco “Sin Miedo Y Con Respeto” que con su sencillo “El Hilo Negro” lograron colocarse en el gusto de la gente y presentarse en los mejores festivales de Mexico, Estados Unidos, Centro y Sur America y Europa: Festival Glastonbury, Londres Inglaterra. SXSW, Austin Texas, Circulart, Medellín Colombia, Sala Apolo, Barcelona, Cumbre Tajin, Veracruz, Festival RMX 212, Festival Marvin CDMX, Festival Internacional de Jazz de Polanco, CDMX, Festival Internacional de Jazz de Mazunte, Oaxaca, Festival Internacional de Zacatecas, Festival Bahidora, entre otros.

OMV RADIO recomienda: José Madero, Camilo Séptimo, Willie González y más, harán show en las pirámides de Teotihuacán

* Este excepcional cartel se presenta el sábado 1 de marzo en Teotihuacán, con diversas amenidades

* Boletos a la venta en el Sistema Ticketapp y en puntos de venta autorizados

El esperado Festival Caminante 2025 ha sorprendido con un cartel que promete hacer historia en la pirámide de Teotihuacán. Encabezado por José Madero y la banda Serbia, el evento, programado para el sábado 1 de marzo, integrará diversas propuestas musicales en un entorno que combina historia y modernidad. El regreso de Madero y la inclusión de Serbia representan no sólo un atractivo singular para los seguidores del rock mexicano, sino un acierto en la consolidación del festival como un referente para múltiples generaciones de melómanos.

José Madero, Exvocalista de Pxndx y uno de los artistas más influyentes en el rock nacional, llevará al Caminante su característico estilo introspectivo y letras cargadas de emotividad. Madero, quien ha logrado consolidar su carrera como solista, incluirá en su presentación temas que lo han mantenido en el gusto de su público y con los que, sin duda, conectará en un escenario tan emblemático como Teotihuacán. 

A su lado, Serbia—banda que ha ganado popularidad en la última década—ofrecerá su sonido enérgico y crudo, lo que añade al cartel una notable dosis de frescura y potencia. La inclusión de ambos en Caminante 2025 resalta la relevancia del rock mexicano en el panorama musical actual, y su presencia asegura una conexión única con el público.

Además de Madero y Serbia, la edición de 2025 reúne a otros nombres importantes de la escena musical. Camilo Séptimo, conocido por su estilo entre el indie rock y el dream pop, promete cautivar a la audiencia con su sonido característico, que incluye éxitos como “Vicio” y “Eres”. La banda argentina Los Cafres, pionera del reggae latinoamericano, enriquecerá el evento con su vibra relajada y contagiosa en temas icónicos como “Tus Ojos”. El festival también contará con el carisma del salsero Willie González, quien ofrecerá éxitos de su amplio repertorio romántico, así como la nostalgia noventera de Caló, pioneros del rap en español.

La lista de talentos continúa con Los Estrambóticos, representantes legendarios del ska mexicano, y Eme Malafe, quien se ha abierto paso en el reggae latino. Otros artistas confirmados incluyen a los K-Chiporros, una banda de ska y cumbia desde Paraguay, la Banda Maguey en representación de la música regional mexicana, y el Instituto Mexicano del Sonido, proyecto innovador que fusiona electrónica con cumbia.

Uno de los grandes atractivos del Caminante Fest 2025 será la revelación de un último invitado estelar, programada para el 30 de noviembre, manteniendo la expectativa al máximo entre los seguidores de este evento. A la música se suman emocionantes actividades como la lucha libre y un skate park para los asistentes más intrépidos, completando una experiencia cultural y de entretenimiento única.

Con boletos ya a la venta a través de TicketApp y en puntos autorizados, Caminante Fest 2025 se perfila como un evento imperdible, capaz de reunir a los amantes del rock, ska, reggae y más, en un espacio que, como Teotihuacán, guarda y evoca la grandeza del México ancestral y contemporáneo.

OMV RADIO recomienda: (video) Tequendama presenta 'Gigantes' un disco rebelde que celebra la vida

* 'Gigantes' invita a no abandonar la rebeldía y a convertir en celebración y ritual cada acto de la vida. Tequendama navega en su disco entre el rock y la electrónica.

* El disco debut de Tequendama fue producido por Jota García en colaboración de Mateo Camargo, Pedro Rovetto y Andrés Millán en los estudios Zenit, Árbol Naranja y Sónica.

El grupo colombiano Tequendama conformado por Amós Piñeros, Alejandro Duque, Jota García y Camilo Zúñiga presenta su disco debut 'Gigantes', un trabajo que retrata procesos de la banda que han transcurrido a la vez durante momentos históricos que sus integrantes han compartido y vivido como humanidad.

Las canciones de 'Gigantes' hablan de conjunciones planetarias, libertad y pasión por la vida, relatos oníricos sensuales, rebeldes aspiraciones de una madurez digna, el cómo reconocer el momento y el lugar en el que estamos, magia y celebración, así como de recogimiento y dulce despecho.

"Algunas canciones hablan de las vivencias del aislamiento y los cuestionamientos sobre lo básico de la vida que con ello nos invadieron, otras abordan vivencias liberadoras y festivas. Algunas historias son íntimas y otras hablan de cómo somos bombas a punto de estallar", comenta el grupo.

Durante las 14 canciones que componen 'Gigantes', Tequendama navega entre el rock y la electrónica en varios subgéneros, riffs fuertes y letras con contenido. En términos vocales es un viaje diverso, evolucionando en la gama de intenciones.

"El rock siempre será el camino, pero hay canciones que son muy rapeadas y otras muy suaves tipo balada", agrega la banda.

'Gigantes' es un llamado a subir la autoestima y a sentirse enormes desde el lugar que cada uno tiene. El mensaje de esta producción invita a no abandonar la rebeldía y a convertir en celebración y ritual cada acto de la vida.

"Innumerables aprendizajes nos deja esta pequeña odisea denominada 'Gigantes', de las dificultades se aprende y se afina la maquinaria que es una banda. Como músicos superamos retos estéticos y técnicos cada uno en su área y logramos canciones que nos mueven las fibras. Desde lo técnico pudimos llevar a otro nivel nuestras expectativas. Contamos con colaboradores de primer orden tanto en la grabación como en la mezcla y mastering: Mateo Camargo, Andrés Millán, Pedro Rovetto y Camilo Silva. Gracias a lo plasmado en este disco sabemos que podemos dar mucho más y que no hay límites si el objetivo es hacer buena música que llegue a los corazones", enfatiza Tequendama.

La portada del álbum fue realizada por Margarita Olivar, diseñadora con la que Tequendama ha venido trabajando los últimos dos años y su concepto radica en la luz que traemos dentro y la simbología universal.

'Gigantes' viene acompañado del sencillo promocional 'Aceros', una canción que abre una nueva etapa de la banda y propone un sonido declaradamente electro rock. Sus arreglos y las voces son muy pop, sin dejar de ser crudas e impactantes. El tema habla de cómo las relaciones humanas a veces son como trabajar con aceros al rojo vivo y de cómo la sensualidad y la rudeza están tan emparentadas.

Además, el álbum incluye los sencillos 'Gigantes', 'Los Árboles', 'Perfecto error' y 'Duro con ellos' que estuvieron en rotación en emisoras de Colombia y Latinoamérica.

Dentro de los retos que tiene Tequendama para los próximos meses es tocar en vivo por las diferentes localidades de Bogotá, así como en varias ciudades del país como Sogamoso, Medellín, Cali, Pasto y Pereira. De igual manera, la banda planea la grabación de nuevos videos y seguir produciendo nueva música.

OMV RADIO recomienda: (video) Andrés Hoeflich estrena 'La Marea': nuevo indie rock mexicano, disruptivo y antitendencias

* Ciudad de México (Pop Société). - Con el primer álbum de estudio de su proyecto solista, La marea, el artista mexicano Andrés Hoeflich se propone ir más allá de lo trending, de las tendencias musicales y visuales, en la búsqueda de un nuevo indie rock mexicano.  

¿Cómo lo hace? Con un enfoque puramente artístico. Marcando su propio camino en medio de una industria que, se entiende, funciona a través de tendencias y casi totalmente de manera digital. Apostando principalmente a la experiencia en vivo, con shows inmersivos con fuerte presencia visual, a través de proyecciones de luces que se sincronizan con la música.

Sobre una base de géneros como indie rock, electrónica, trip hop y new wave, el disco es un viaje de nuestra propia 'marea', esa que nos creamos en la mente y en la que decidimos naufragar. La sensibilidad de sus letras conecta con los pasajes nostálgicos que todos llevamos dentro, así como con la reflexión y el deseo de encontrarnos a nosotros mismos.

Con mensajes muy introspectivos, acompañados con la fuerza de instrumentos electrónicos y guitarras distorsionadas, puede sonar oscuro, feliz, nostálgico y poderoso en un mismo tema. Sin dejar de lado las melodías pegajosas, trata de diversificar las emociones con paisajes sonoros muy llamativos y sorpresivos.

«Este disco nació de la acumulación de experiencias, de las ganas de querer decir algo artísticamente, más allá de buscar el 'éxito de taquilla'. Se materializó por la necesidad de sentirme vivo. Siempre que hago música me inspiro en mi vida y en lo que esté pasando por ella. En este disco, por ejemplo, las trompetas son clave y es un recurso que nunca antes hubiera imaginado proponer, pero tuve un acercamiento a su uso por algunos trabajos de producción en los que terminé enamorándome de su sonido. De resto, fue como armar un rompecabezas de géneros. Aunque al principio no parecía que tuvieran que ver unas canciones con otras, esa diversidad se tradujo en un sentido: el de un espectro musical amplio».
-Andrés Hoeflich

¿El mejor momento para escuchar La marea?

Ese, cuando queremos encontrar nuevos significados a través de las letras, cuando nos reinventamos y creamos nuestros propios escenarios.

Sobre el focus track

"La marea" es más que el título del disco: es su personaje principal, que representa todo lo que siempre está pasando, lo que fluye pese a la adversidad y a lo que esta arrasa.

Sobre Andrés Hoeflich

Este joven productor, músico y compositor mexicano estudió ingeniería de audio y producción musical en la Academia de Música Fermatta. Tras ser parte de otros proyectos y bandas y lanzar varios sencillos, ahora comparte con el mundo su primer larga duración como solista. 

Sobre el universo del artista

Dentro de sus principales inspiraciones musicales y artísticas se pueden citar nombres como los de The Mars Volta, Massive Attack, Radiohead, Pink Floyd, David Bowie, Lou Reed, Gustavo Cerati, René Magritte, Pablo Neruda, Gibran Kahlil Gibran o Friedrich Nietzsche, entre otros.

OMV RADIO recomienda: (video) El DJ Bonhaus presentó con gran éxito su nuevo tema "Olvídame" en el festival EDC

○Actualmente se trata del DJ Mexicano con más actividad en el país.

Bonhaus vive el sueño de los grandes. Su calidad le ha llevado a ser el protagonista indiscutible de cualquiera de los escenarios que pisa, sin importar si éste es de un club o el escenario principal de los festivales más grandes del mundo. Nada ha sido gratuito en su carrera y ha sabido capitalizar cada uno de sus logros como pocos. Y ha elegido justamente el Festival EDC para presentar el que será su nuevo sencillo titulado “Olvídame” junto a Valzzi que ya ha visto la luz de la mano de Worldwide Records. Su set que combina diversos sonidos catalogados como Future Bass & Trap son contundentes, sin embargo, también ha hecho suyas corrientes como el Reggaeton, Hip Hop, R&B y Latin Pop.

Su carrera musical en el último año ha sido una avalancha que dignamente ha sabido irlo posicionando en una cúspide que por el momento no conoce de límites. Para empezar y luego de 120 fechas en clubes de la República Mexicana y Europa ha ido sumando seguidores que lo han puesto en el cartel de enormes eventos como son el Tomorrowland Winter, el estar como sucedió este fin de semana en el EDC en el segundo escenario más grande del festival “ Circuit Grounds “ con una buena aceptación, son solo algunos ejemplos de su grandeza. En su agenda está en la mira el Wish Outdoor Monterrey 2020, en el cual estará actuando en el escenario principal, además de un tour europeo que ya incluye el reconocido Ushuaia Ibiza en Verano.

Bonhaus además cuenta con más de tres millones de reproducciones en Spotify sin apoyo editorial, 25,000 seguidores en dicha plataforma y es además un curador experto en playlist independientes de Spotify, contabilizando más de 60,000 seguidores en este momento. Para este año, además de “Olvídame”, su nuevo track, tiene programados 7 sencillos y más de 5 colaboraciones que quedarán plasmadas en el EP “Genero Bass”. En diciembre del año pasado y bajo el concepto de Bonclaus, el DJ recorrió diversas ciudades del país con un show que despertó excelente críticas, sobre todo por crear una experiencia diferente que le permitió combinar su trabajo y talento con la Navidad.

Con más de 10 años en la industria musical, hoy en día Bonhaus se consolida como uno de los máximos exponentes nacionales en el rubro de la música urbana. Con toques futuristas llenos de música electrónica y la firmeza de los géneros latinos, ha consolidado sus sonidos catalogados como Future Bass & Trap en el gusto de la gente, pero sin dejar a un lado las colaboraciones y producciones al estilo del  Reggaeton, Hip Hop, R&B y Latin Pop. Cuenta con miles de oyentes mensuales en países como México, España, Argentina, Chile y Colombia, por citar algunos, que le dan un número de reproducciones que resulta difícil de equiparar con cualquier otro artista mexicano de su estilo.

En sus sets, el público puede tener la certeza de que el formato en que se presenta permite que la dinámica técnica y de producción sea asequible y adaptable al equipo y estilo de cualquier club o escenario, con diversos formatos que van desde el simple scratching y tournamesismo para el público más selecto del Hip Hop, hasta festivales masivos contando con toda la indumentaria para una experiencia audiovisual única y de gran nivel. "Olvídame" está siendo lanzado en estos momentos por Worldwide Records y es el tema con el sonido más pop que ha lanzado nunca, mezclando elementos de la música electrónica y al mismo tiempo tropical en la instrumental, sobre la cual se monta perfectamente el regiomontano Valzzi, agregando un toque fresco y urbano a la canción.

Y la historia de Bonhaus apenas empieza. Y se viene un año de grandeza.